#OctetoenFaMayor #Schubert #AntjeWeithaas #AlinaPogostkina #VeronikaHagen #SolGabetta #RobertVizvari #AlejandroNúñez #GustavoNúñez #SabineMeyer
EL OCTETO EN FA MAYOR , D. 803
IV. ANDANTE (Do Mayor. 2/4)
El tema está tomado de un motivo de un dúo vocal perteneciente a un Singspiel que Schubert había escrito en 1815, Die Freunde von Salamanka, D. 326 («Los amigos de Salamanca»); el Andantino del Singspiel, en el mismo compás y en la misma tonalidad, deviene aquí Andante.
Es un tema lleno de encanto, «amoroso, cantado por el primer violín y retomado por el clarinete, una vez más privilegiado.
Siguen siete variaciones de rica escritura armónica y extremada soltura en la explotación de las técnicas instrumentales (se destaca sucesivamente a cada uno de los instrumentos).
La primera, en efecto, requiere al violín; la segunda, al clarinete y al fagot; la tercera, a la trompa; el chelo se impone en la cuarta. La quinta variación, que modula a do menor, pone en juego en bloque, de forma vehemente, a todos los instrumentos; por el contrario, los papeles se desligan, en imitaciones, en la sexta variación, en la bemol mayor; y la séptima, alegre, cuya impresión de danza no hace sino acentuarse, disipa las «tormentas» pasajeras para conducir hacia una coda Più lento en la que los sones de la trompa son retomados en eco por los otros instrumentos.
V. MINUETTO- ALLEGRETTO (Fa Mayor)
Es tranquilo, «campechano», muy ligeramente melancólico en su tema flexible, que repentinamente se tensa en la segunda parte mediante modulación a la bemol.
El trío, en si bemol mayor, cuyo tema parece nacer de improviso del Minuetto, suena como una orquestina popular: primacía de los vientos y del primer violín —«violoneux— a quienes las otras cuerdas no hacen más que apoyar.
VI. ANDANTE MOLTO (Fa Menor) y ALLEGRO(Fa Mayor)
Muy desarrollado, el movimiento conclusivo hace juego con el primer movimiento.
La introducción lenta (Andante), que comprende diecisiete compases, ofrece similitudes temáticas con el preámbulo inicial de la obra. Pero el estilo es diferente, declamatorio, sobre un fondo de trémolos de las cuerdas bajas cuya intensidad se acrecienta. El clima es pesado, casi dramático, lo cual es bastante inesperado aquí.
¿Es del todo consciente el efecto? En todo caso, es cierto. Pero la entrada del tema vivo y vigoroso del Allegro provoca también la sorpresa al restituir a la obra su auténtico espíritu de divertimento. Este tema, llevado por las cuerdas, después por los vientos, se distingue por su métrica irregular (dieciséis compases no agrupados de cuatro en cuatro, sino: 3+3+2+4+4), de donde deriva una especie de desahogo caprichoso, sobre una métrica de impromptu.
El segundo tema ofrece la misma alegría casi sentimental, muy «vienesa».
@ClasicaAlAtardecer
EL OCTETO EN FA MAYOR , D. 803
IV. ANDANTE (Do Mayor. 2/4)
El tema está tomado de un motivo de un dúo vocal perteneciente a un Singspiel que Schubert había escrito en 1815, Die Freunde von Salamanka, D. 326 («Los amigos de Salamanca»); el Andantino del Singspiel, en el mismo compás y en la misma tonalidad, deviene aquí Andante.
Es un tema lleno de encanto, «amoroso, cantado por el primer violín y retomado por el clarinete, una vez más privilegiado.
Siguen siete variaciones de rica escritura armónica y extremada soltura en la explotación de las técnicas instrumentales (se destaca sucesivamente a cada uno de los instrumentos).
La primera, en efecto, requiere al violín; la segunda, al clarinete y al fagot; la tercera, a la trompa; el chelo se impone en la cuarta. La quinta variación, que modula a do menor, pone en juego en bloque, de forma vehemente, a todos los instrumentos; por el contrario, los papeles se desligan, en imitaciones, en la sexta variación, en la bemol mayor; y la séptima, alegre, cuya impresión de danza no hace sino acentuarse, disipa las «tormentas» pasajeras para conducir hacia una coda Più lento en la que los sones de la trompa son retomados en eco por los otros instrumentos.
V. MINUETTO- ALLEGRETTO (Fa Mayor)
Es tranquilo, «campechano», muy ligeramente melancólico en su tema flexible, que repentinamente se tensa en la segunda parte mediante modulación a la bemol.
El trío, en si bemol mayor, cuyo tema parece nacer de improviso del Minuetto, suena como una orquestina popular: primacía de los vientos y del primer violín —«violoneux— a quienes las otras cuerdas no hacen más que apoyar.
VI. ANDANTE MOLTO (Fa Menor) y ALLEGRO(Fa Mayor)
Muy desarrollado, el movimiento conclusivo hace juego con el primer movimiento.
La introducción lenta (Andante), que comprende diecisiete compases, ofrece similitudes temáticas con el preámbulo inicial de la obra. Pero el estilo es diferente, declamatorio, sobre un fondo de trémolos de las cuerdas bajas cuya intensidad se acrecienta. El clima es pesado, casi dramático, lo cual es bastante inesperado aquí.
¿Es del todo consciente el efecto? En todo caso, es cierto. Pero la entrada del tema vivo y vigoroso del Allegro provoca también la sorpresa al restituir a la obra su auténtico espíritu de divertimento. Este tema, llevado por las cuerdas, después por los vientos, se distingue por su métrica irregular (dieciséis compases no agrupados de cuatro en cuatro, sino: 3+3+2+4+4), de donde deriva una especie de desahogo caprichoso, sobre una métrica de impromptu.
El segundo tema ofrece la misma alegría casi sentimental, muy «vienesa».
El desarrollo central adquiere una energía casi brutal. La introducción Andante reaparece antes del final, en un clima más aligerado (trazos ascendentes del primer violín); y el primer tema concluye en torbellino, creando una impresión de aceleración continua que afirma la clara y poderosa tonalidad de fa mayor.
@ClasicaAlAtardecer
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#OctetoenFaMayor #Schubert #AntjeWeithaas #AlinaPogostkina #VeronikaHagen #SolGabetta #RobertVizvari #AlejandroNúñez #GustavoNúñez #SabineMeyer
Título: Octeto en Fa Mayor, D. 803
Autor: Franz Schubert
Movimientos:
🎵 00:00 I. Adagio - Allegro - Más allegro
🎵 12:00 II. Adagio
🎵 24:10 III. Allegro vivace - Trio - Allegro vivace
🎵 30:50 IV. Andante - variaciones. Un poco más mosso - más lento
🎵 43:12 V. Menuetto Allegretto - Trio - Menuetto - Coda
🎵 50:24 VI. Andante molto - Allegro - Andante molto - Allegro molto
Interpretación:
Antje Weithaas - Violín
Alina Pogostkina - Violín
Veronika Hagen - Viola
Sol Gabetta - Cello
Robert Vizvari - Contrabajo
Alejandro Núñez - Corno
Gustavo Núñez - Fagot
Sabine Meyer - Clarinete
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: Octeto en Fa Mayor, D. 803
Autor: Franz Schubert
Movimientos:
🎵 00:00 I. Adagio - Allegro - Más allegro
🎵 12:00 II. Adagio
🎵 24:10 III. Allegro vivace - Trio - Allegro vivace
🎵 30:50 IV. Andante - variaciones. Un poco más mosso - más lento
🎵 43:12 V. Menuetto Allegretto - Trio - Menuetto - Coda
🎵 50:24 VI. Andante molto - Allegro - Andante molto - Allegro molto
Interpretación:
Antje Weithaas - Violín
Alina Pogostkina - Violín
Veronika Hagen - Viola
Sol Gabetta - Cello
Robert Vizvari - Contrabajo
Alejandro Núñez - Corno
Gustavo Núñez - Fagot
Sabine Meyer - Clarinete
Fuente: 🎼
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#SonataParaPiano #MarchaTurca #Mozart #DanielBarenboim
LA SONATA PARA PIANO N.º 11 EN LA MAYOR, K. 331/300i
La Sonata para piano n.º 11 en la mayor, K. 331/300i, más conocida como Marcha turca, es una sonata para piano compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart. Aún no es sabido a ciencia cierta cuándo y dónde compuso Mozart la sonata; probablemente en Viena o Salzburgo alrededor de 1783, que actualmente se considera lo más probable, aunque París y fechas tan lejanas como 1778 también han sido sugeridas.
Se trata de la más célebre de las sonatas para piano de Mozart, particularmente por su final que ha tenido innumerables transcripciones y versiones, que constituye desde hace muchos años, uno de los "caballos de batalla" de los pianistas aficionados.
Muchos musicólogos (entre ellos Saint Fiux) sostienen que esta sonata sería en realidad la décima de la colección mientras que la precedente en do mayor tomaría el puesto de undécima. Pero, sin embargo Alfred Einstein recuerda una carta datada el 9-12 de junio de 1784 dirigida por Mozart a su padre, en la que éste indica claramente las tres sonatas en do mayor, la mayor y la próxima en fa mayor.
Consta de tres movimientos:
🎵 I. Andante grazioso - un tema con seis variaciones.
🎵 II. Menuetto - un minuet y trío.
🎵 III. Rondo Alla Turca: Allegretto.
Primer movimiento
Esta obra se inicia con un tema variado (como entonces se usaba frecuentemente en la escuela francesa); sus variaciones pertenecen al tipo más puro y flexible del estilo mozartiano.
Segundo movimiento
El amplio Minueto que sigue y constituye el tiempo lento central, tiene un carácter ampliamente cantabile y proviene visiblemente de los modelos de Schobert.
Tercer movimiento
El último movimiento, Alla Turca, popularmente conocido como la Marcha Turca, es frecuentemente escuchado por separado, y es uno de los más conocidos de todos los trabajos de Mozart. El mismo imita el sonido de las bandas turcas de Jenízaros, música que estaba muy de moda en la época. La vasta coda mayor, aquella en la que se parece ver entrar al Gran Sultán con ruido ensordecedor de tambores, fue añadida por Mozart en el momento de entregar la sonata a la editorial Artaria.
Varias piezas musicales del momento imitaron esa música, incluida la ópera del mismo Mozart Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo, KV 384). En la época de Mozart, el último movimiento se realiza a veces en los pianos construidos con una " parada de Turquía ", lo que le permite ser adornado con efectos de percusión adicionales.
@ClasicaAlAtardecer
LA SONATA PARA PIANO N.º 11 EN LA MAYOR, K. 331/300i
La Sonata para piano n.º 11 en la mayor, K. 331/300i, más conocida como Marcha turca, es una sonata para piano compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart. Aún no es sabido a ciencia cierta cuándo y dónde compuso Mozart la sonata; probablemente en Viena o Salzburgo alrededor de 1783, que actualmente se considera lo más probable, aunque París y fechas tan lejanas como 1778 también han sido sugeridas.
Se trata de la más célebre de las sonatas para piano de Mozart, particularmente por su final que ha tenido innumerables transcripciones y versiones, que constituye desde hace muchos años, uno de los "caballos de batalla" de los pianistas aficionados.
Muchos musicólogos (entre ellos Saint Fiux) sostienen que esta sonata sería en realidad la décima de la colección mientras que la precedente en do mayor tomaría el puesto de undécima. Pero, sin embargo Alfred Einstein recuerda una carta datada el 9-12 de junio de 1784 dirigida por Mozart a su padre, en la que éste indica claramente las tres sonatas en do mayor, la mayor y la próxima en fa mayor.
Consta de tres movimientos:
🎵 I. Andante grazioso - un tema con seis variaciones.
🎵 II. Menuetto - un minuet y trío.
🎵 III. Rondo Alla Turca: Allegretto.
Primer movimiento
Esta obra se inicia con un tema variado (como entonces se usaba frecuentemente en la escuela francesa); sus variaciones pertenecen al tipo más puro y flexible del estilo mozartiano.
Segundo movimiento
El amplio Minueto que sigue y constituye el tiempo lento central, tiene un carácter ampliamente cantabile y proviene visiblemente de los modelos de Schobert.
Tercer movimiento
El último movimiento, Alla Turca, popularmente conocido como la Marcha Turca, es frecuentemente escuchado por separado, y es uno de los más conocidos de todos los trabajos de Mozart. El mismo imita el sonido de las bandas turcas de Jenízaros, música que estaba muy de moda en la época. La vasta coda mayor, aquella en la que se parece ver entrar al Gran Sultán con ruido ensordecedor de tambores, fue añadida por Mozart en el momento de entregar la sonata a la editorial Artaria.
Varias piezas musicales del momento imitaron esa música, incluida la ópera del mismo Mozart Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo, KV 384). En la época de Mozart, el último movimiento se realiza a veces en los pianos construidos con una " parada de Turquía ", lo que le permite ser adornado con efectos de percusión adicionales.
Una vez más, en esta pieza queda patente la genialidad compositiva de Mozart, ya que consigue mezclar el gusto por lo turco con la actitud hedonista que caracterizaba al periodo clásico, y, aunque es cierto que se trata, en origen, de una música de entretenimiento, el toque del compositor austriaco le otorga una calidad y un interés musical insuperable.@ClasicaAlAtardecer
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#SonataParaPiano #MarchaTurca #Mozart #DanielBarenboim
Titulo: La Sonata para piano n.º 11 en la mayor, K. 331/300i
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Movimientos:
🎵 0:02 I. Andante grazioso - un tema con seis variaciones.
🎵 13:09 II. Menuetto - un minuet y trío.
🎵 18:50
III. Rondo Alla Turca: Allegretto.
Interpretación:
Daniel Barenboim
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: La Sonata para piano n.º 11 en la mayor, K. 331/300i
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Movimientos:
🎵 0:02 I. Andante grazioso - un tema con seis variaciones.
🎵 13:09 II. Menuetto - un minuet y trío.
🎵 18:50
III. Rondo Alla Turca: Allegretto.
Interpretación:
Daniel Barenboim
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
#SonataParaPiano #K545 #Mozart #NikolayMedvedev #EvgenyBushkov
LA SONATA PARA PIANO N.º 16 EN DO MAYOR, K. 545.
La Sonata para piano n.º 16 en do mayor, K. 545, de Wolfgang Amadeus Mozart, es una de sus sonatas más conocidas. Es conocida ocasionalmente como la Sonata Facile o Sonata Semplice.
Mozart la agregó en su catálogo el 26 de junio de 1788, la misma fecha que su Sinfonía n.º 39.
Es uno de los casos más conocidos del Bajo de Alberti, que aparece en algunos fragmentos del Allegro y constituye la mayoría del acompañamiento en el Andante.
La forma sonata del clásico-romántico, es una estructura formada generalmente por tres partes principales (A B A'): Exposición (A) – Desarrollo (B) – Re exposición (A’) al principio muchas piezas llevan una introducción (I) y casi siempre termina con una coda (C).
La sonata consta generalmente de tres movimientos, donde el primer movimiento es el más característico y representativo de toda la obra, en la mayor parte de los casos, este tiene un carácter rápido, y se utiliza la indicación metronómica allegro, la coda se mantiene en el tiempo, mientras que la introducción es más lenta que el resto. El primer movimiento es el más característico y representativo de toda la obra. Por otro lado, el segundo movimiento suele ser más lento para que de un gran contraste con el primer movimiento y tiene forma de lied. Y en muchas ocasiones, el tercer movimiento suele ser un rondó tiempo rápido, para contrastar con el segundo movimiento.
Favorecida como una pieza de enseñanza por los instructores e incluso titulada por el propio compositor como "Una pequeña pianosonata para principiantes", la Sonata en Do, K. 545, aunque completada en 1788, no se publicó hasta 1805, mucho después de la muerte del compositor. Conocida por todos los amantes de la música, esta sonata es simple sólo en un sentido superficial.
@ClasicaAlAtardecer
LA SONATA PARA PIANO N.º 16 EN DO MAYOR, K. 545.
La Sonata para piano n.º 16 en do mayor, K. 545, de Wolfgang Amadeus Mozart, es una de sus sonatas más conocidas. Es conocida ocasionalmente como la Sonata Facile o Sonata Semplice.
Mozart la agregó en su catálogo el 26 de junio de 1788, la misma fecha que su Sinfonía n.º 39.
Es uno de los casos más conocidos del Bajo de Alberti, que aparece en algunos fragmentos del Allegro y constituye la mayoría del acompañamiento en el Andante.
La forma sonata del clásico-romántico, es una estructura formada generalmente por tres partes principales (A B A'): Exposición (A) – Desarrollo (B) – Re exposición (A’) al principio muchas piezas llevan una introducción (I) y casi siempre termina con una coda (C).
La sonata consta generalmente de tres movimientos, donde el primer movimiento es el más característico y representativo de toda la obra, en la mayor parte de los casos, este tiene un carácter rápido, y se utiliza la indicación metronómica allegro, la coda se mantiene en el tiempo, mientras que la introducción es más lenta que el resto. El primer movimiento es el más característico y representativo de toda la obra. Por otro lado, el segundo movimiento suele ser más lento para que de un gran contraste con el primer movimiento y tiene forma de lied. Y en muchas ocasiones, el tercer movimiento suele ser un rondó tiempo rápido, para contrastar con el segundo movimiento.
Favorecida como una pieza de enseñanza por los instructores e incluso titulada por el propio compositor como "Una pequeña pianosonata para principiantes", la Sonata en Do, K. 545, aunque completada en 1788, no se publicó hasta 1805, mucho después de la muerte del compositor. Conocida por todos los amantes de la música, esta sonata es simple sólo en un sentido superficial.
La Sonata de Mozart desafía cualquier indicio de lo que podríamos pensar como convencionalmente "tardía". El Andante central, sensible en todo momento a la delicadeza y el anhelo, es la obra del artista maduro, pero ¿puede alguien detectar en el brillo y la elegancia de esta Sonata cualquier rastro de finalidad o mortalidad?@ClasicaAlAtardecer
#SonataParaPiano #K545 #Mozart #NikolayMedvedev #EvgenyBushkov
LA SONATA PARA PIANO N.º 16 EN DO MAYOR, K. 545.
La obra tiene tres movimientos:
🎵 I. Allegro (en do mayor)
🎵 II. Andante (en sol mayor)
🎵 III. Rondó (en do mayor)
Primer movimiento está en la tonalidad Do mayor.
Este primer movimiento está escrito en forma sonata (Exposición-Desarrollo-Reexposición), en la tonalidad de Do mayor, con la particularidad de que en la reexposición vuelve al tema A en Fa mayor en lugar de Do mayor como es habitual, algo que más tarde también haría Schubert. Sobre este movimiento, Leonard Bernstein señala:
"Por supuesto que Mozart, como todos los genios está lleno de sorpresas. Él no siempre juega el juego de acuerdo con las reglas. De hecho, a menudo nos da más placer musical al romper las reglas que obedecerlas. En esta Sonata suya en Do mayor, donde la recapitulación debería estar en la tónica en la nota Do, Mozart se nos resiste; todavía está resistiendo ese imán de la tónica; y así nos da la recapitulación en la clave inesperada de Fa."
El segundo movimiento está en la tonalidad Sol mayor.
El movimiento es más lento que el primero. El sentido de Sonata fácil es en realidad incorrecto, pues Mozart se encontraba ya en su madurez total; la construcción armónica, el desarrollo y las perfectas dimensiones en todos sentidos, le dan a esta sonata una profundidad particularmente difícil de interiorizar. Sí, en efecto, la técnica muscular que se requiere para abordarla no demanda alta especialidad, mas no así la experiencia ontológica del artista.
El tercer movimiento tiene la forma de un rondó y se encuentra en el tónico clave, Do mayor.
El primer tema es animado y crea la atmósfera de la pieza. El segundo tema está en sol mayor y contiene un bajo Alberti en la mano izquierda. El primer tema aparece nuevamente y es seguido por un tercer tema. El tercer tema está en una clave menor y modula a través de muchas teclas diferentes antes de modular en Do mayor. El primer tema siempre aparece para la cola y finalmente termina en Do mayor.
El final se transpuso en fa mayor y se combinó con un arreglo para piano solo del segundo movimiento de la sonata para violín en fa mayor para formar la sonata compilada póstumamente y, por lo tanto, inapropiada en fa mayor K 547 bis.
@ClasicaAlAtardecer
LA SONATA PARA PIANO N.º 16 EN DO MAYOR, K. 545.
La obra tiene tres movimientos:
🎵 I. Allegro (en do mayor)
🎵 II. Andante (en sol mayor)
🎵 III. Rondó (en do mayor)
Primer movimiento está en la tonalidad Do mayor.
Este primer movimiento está escrito en forma sonata (Exposición-Desarrollo-Reexposición), en la tonalidad de Do mayor, con la particularidad de que en la reexposición vuelve al tema A en Fa mayor en lugar de Do mayor como es habitual, algo que más tarde también haría Schubert. Sobre este movimiento, Leonard Bernstein señala:
"Por supuesto que Mozart, como todos los genios está lleno de sorpresas. Él no siempre juega el juego de acuerdo con las reglas. De hecho, a menudo nos da más placer musical al romper las reglas que obedecerlas. En esta Sonata suya en Do mayor, donde la recapitulación debería estar en la tónica en la nota Do, Mozart se nos resiste; todavía está resistiendo ese imán de la tónica; y así nos da la recapitulación en la clave inesperada de Fa."
El segundo movimiento está en la tonalidad Sol mayor.
El movimiento es más lento que el primero. El sentido de Sonata fácil es en realidad incorrecto, pues Mozart se encontraba ya en su madurez total; la construcción armónica, el desarrollo y las perfectas dimensiones en todos sentidos, le dan a esta sonata una profundidad particularmente difícil de interiorizar. Sí, en efecto, la técnica muscular que se requiere para abordarla no demanda alta especialidad, mas no así la experiencia ontológica del artista.
El tercer movimiento tiene la forma de un rondó y se encuentra en el tónico clave, Do mayor.
El primer tema es animado y crea la atmósfera de la pieza. El segundo tema está en sol mayor y contiene un bajo Alberti en la mano izquierda. El primer tema aparece nuevamente y es seguido por un tercer tema. El tercer tema está en una clave menor y modula a través de muchas teclas diferentes antes de modular en Do mayor. El primer tema siempre aparece para la cola y finalmente termina en Do mayor.
El final se transpuso en fa mayor y se combinó con un arreglo para piano solo del segundo movimiento de la sonata para violín en fa mayor para formar la sonata compilada póstumamente y, por lo tanto, inapropiada en fa mayor K 547 bis.
Aquí no hay exhibiciones ostentosas; más bien esta obra se desarrolla dentro de espectros de posibilidad muy cuidadosamente mantenidos, demostrando un conocimiento absolutamente preciso de lo que es esencial y lo que no lo es. El lento movimiento de K. 545, por ejemplo, no podría sino ser el trabajo de un maestro anterior, mostrando cómo aparentemente los medios más simples pueden manejarse para su efecto expresivo más agudo.
@ClasicaAlAtardecer
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#SonataParaPiano #K545 #Mozart #NikolayMedvedev #EvgenyBushkov
Título: La Sonata Para Piano N.º 16 En Do Mayor, K. 545.
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Movimientos:
🎵 I. Allegro (en do mayor)
🎵 II. Andante (en sol mayor)
🎵 III. Rondó (en do mayor)
Interpretación:
Orquesta de Cámara Estatal de Bielorrusia
Nikolay Medvedev - Piano
Director:
Evgeny Bushkov
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: La Sonata Para Piano N.º 16 En Do Mayor, K. 545.
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Movimientos:
🎵 I. Allegro (en do mayor)
🎵 II. Andante (en sol mayor)
🎵 III. Rondó (en do mayor)
Interpretación:
Orquesta de Cámara Estatal de Bielorrusia
Nikolay Medvedev - Piano
Director:
Evgeny Bushkov
Fuente: 🎼
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#ConciertoParaCello #ÉdouardLalo #DmitryYurovsky #DenisShapovalov
CONCIERTO PARA VIOLONCHELLO
El Concierto para violonchelo y orquesta en re menor de Édouard Lalo es un concierto para violonchelo escrito en 1877, en colaboración con el violonchelista belga, Adolphe Fischer. La obra fue estrenada el 9 de diciembre de 1877, en el Circo de Hiver, París, con Fischer como solista.
Si bien Édouard Lalo es ampliamente conocido por ser el compositor de la Sinfonía española para violín y orquesta, su trabajo para orquestas sinfónicas, instrumentos solistas, grupos de cámara, ballet, ópera y música sacra, es sumamente ignorado. De estas obras, la que logró sobrevivir mejor fue el Concierto para violonchelo en re menor, compuesto en 1877 y que logró gran aceptación tras su estreno, consolidando a Lalo como uno de los más grandes compositores de la época y otorgándole un estilo propio marcado por su ascendencia española y su preferencia por las músicas populares.
Lalo tenía una visión bien definida sobre la relación entre el solista y la orquesta. En una carta al virtuoso violinista Pablo de Sarasate (quien estrenó su Sinfonía española), Lalo se lamenta amargamente del Concierto para piano en re menor de Brahms:
"Cuando el solista se sienta en el escenario debe dársele el rol principal, y no ser tratado como un solista dentro de la orquesta. Si el solo genera desagrado al compositor, entonces déjenlo escribir sinfonías u otras cosas para la orquesta, pero no lo dejen aburrirme con fragmentos de solo constantemente interrumpidos por la orquesta."
@ClasicaAlAtardecer
CONCIERTO PARA VIOLONCHELLO
El Concierto para violonchelo y orquesta en re menor de Édouard Lalo es un concierto para violonchelo escrito en 1877, en colaboración con el violonchelista belga, Adolphe Fischer. La obra fue estrenada el 9 de diciembre de 1877, en el Circo de Hiver, París, con Fischer como solista.
Si bien Édouard Lalo es ampliamente conocido por ser el compositor de la Sinfonía española para violín y orquesta, su trabajo para orquestas sinfónicas, instrumentos solistas, grupos de cámara, ballet, ópera y música sacra, es sumamente ignorado. De estas obras, la que logró sobrevivir mejor fue el Concierto para violonchelo en re menor, compuesto en 1877 y que logró gran aceptación tras su estreno, consolidando a Lalo como uno de los más grandes compositores de la época y otorgándole un estilo propio marcado por su ascendencia española y su preferencia por las músicas populares.
Lalo tenía una visión bien definida sobre la relación entre el solista y la orquesta. En una carta al virtuoso violinista Pablo de Sarasate (quien estrenó su Sinfonía española), Lalo se lamenta amargamente del Concierto para piano en re menor de Brahms:
"Cuando el solista se sienta en el escenario debe dársele el rol principal, y no ser tratado como un solista dentro de la orquesta. Si el solo genera desagrado al compositor, entonces déjenlo escribir sinfonías u otras cosas para la orquesta, pero no lo dejen aburrirme con fragmentos de solo constantemente interrumpidos por la orquesta."
@ClasicaAlAtardecer
#ConciertoParaCello #ÉdouardLalo #DmitryYurovsky #DenisShapovalov
CONCIERTO PARA VIOLONCELLO
Este concierto está escrito para dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, cuatro cornos francés, dos trompetas, tres trombones, timbales y la sección de cuerdas. Tiene una duración de aproximadamente 25 minutos
Está divividido en tres movimientos:
🎵 I. Prelude: Lento - Allegro maestoso
🎵 II. Intermezzo: Andantino con moto - Allegro presto - Andantino - Tempo I
🎵III. Finale: Andante - Allegro vivace
I. Preludio
El primer movimiento abre lento y dramático con la orquesta sola, y luego se mueve a un allegro maestoso que continúa durante el resto del movimiento. El comienzo tiene varios pasajes orquestales antes de que el violonchelo solista entre con un tema ad líbitum que es tocado tres veces, y que es desarrollado durante el resto del movimiento, introduciendo una segunda melodía dulce y delicada. El violonchelo restablece el primer motivo de la orquesta, antes de tomar una dirección triunfante y belicosa. Esto lidera la sección rápida, que tiene muchos arpegios rápidos y agresivos, al igual que semicorcheas ágiles e inexorables.
II. Intermezzo
El segundo movimiento es inesperadamente dulce, y empieza con un andantino lento que posteriormente progresa a un allegro presto vivo. La música vuelve al tempo andantino. Antes del final del segundo movimiento, el allegro presto vuelve. El violonchelo solista termina con acordes en pizzicato junto a la orquesta.
III. Finale
En el tercer movimiento, el violonchelo solista comienza con un andante muy lento en si bemol menor, para después unirse la orquesta y tomar el control. La música se torna un vigoroso rondó (escrito como allegro vivace) y el violonchelo solista vuelve con una entrada enérgica en el tema rondó. El tema principal se base en una escala de re mayor y baja rápidamente. El resto del movimiento continúa con el tempo de allegro vivace. El violonchelo solista finaliza con una escala muy rápida que termina en un do sostenido que luego resuelve a la tónica.
@ClasicaAlAtardecer
CONCIERTO PARA VIOLONCELLO
Este concierto está escrito para dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, cuatro cornos francés, dos trompetas, tres trombones, timbales y la sección de cuerdas. Tiene una duración de aproximadamente 25 minutos
Está divividido en tres movimientos:
🎵 I. Prelude: Lento - Allegro maestoso
🎵 II. Intermezzo: Andantino con moto - Allegro presto - Andantino - Tempo I
🎵III. Finale: Andante - Allegro vivace
I. Preludio
El primer movimiento abre lento y dramático con la orquesta sola, y luego se mueve a un allegro maestoso que continúa durante el resto del movimiento. El comienzo tiene varios pasajes orquestales antes de que el violonchelo solista entre con un tema ad líbitum que es tocado tres veces, y que es desarrollado durante el resto del movimiento, introduciendo una segunda melodía dulce y delicada. El violonchelo restablece el primer motivo de la orquesta, antes de tomar una dirección triunfante y belicosa. Esto lidera la sección rápida, que tiene muchos arpegios rápidos y agresivos, al igual que semicorcheas ágiles e inexorables.
II. Intermezzo
El segundo movimiento es inesperadamente dulce, y empieza con un andantino lento que posteriormente progresa a un allegro presto vivo. La música vuelve al tempo andantino. Antes del final del segundo movimiento, el allegro presto vuelve. El violonchelo solista termina con acordes en pizzicato junto a la orquesta.
III. Finale
En el tercer movimiento, el violonchelo solista comienza con un andante muy lento en si bemol menor, para después unirse la orquesta y tomar el control. La música se torna un vigoroso rondó (escrito como allegro vivace) y el violonchelo solista vuelve con una entrada enérgica en el tema rondó. El tema principal se base en una escala de re mayor y baja rápidamente. El resto del movimiento continúa con el tempo de allegro vivace. El violonchelo solista finaliza con una escala muy rápida que termina en un do sostenido que luego resuelve a la tónica.
Lalo no escatima en explorar el rico registro del violonchelo, a menudo grave y oscuro, evitando ocultar al solista en la masa orquestal, para lo cual genera texturas suaves en los tutti sobre las cuales el violonchelo es capaz de brillar tanto melódica como dinámicamente.
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#ConciertoParaCello #ÉdouardLalo #DmitryYurovsky #DenisShapovalov
Título: Concierto para Violoncello
Autor: Édouard Lalo
Movimientos:
🎵 I. Prelude: Lento - Allegro maestoso
🎵 II. Intermezzo: Andantino con moto - Allegro presto - Andantino - Tempo I
🎵III. Finale: Andante - Allegro vivace
Interpretación:
Orquesta sinfónica estatal "Novaya Rusia"
Denis Shapovalov - Violoncello
Director:
Dmitry Yurovsky
Fuente: 🎼
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Título: Concierto para Violoncello
Autor: Édouard Lalo
Movimientos:
🎵 I. Prelude: Lento - Allegro maestoso
🎵 II. Intermezzo: Andantino con moto - Allegro presto - Andantino - Tempo I
🎵III. Finale: Andante - Allegro vivace
Interpretación:
Orquesta sinfónica estatal "Novaya Rusia"
Denis Shapovalov - Violoncello
Director:
Dmitry Yurovsky
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
#BöcklinSuite #MaxReger
BÖCKLIN SUITE, OP.128
Poemas de cuatro tonos basados en A. Böcklin es una obra orquestal de Max Reger , que compuso en Meiningen en 1913. Sus cuatro partes se refieren a cuatro pinturas de Arnold Böcklin , incluida Die Toteninsel.
Aunque los poemas sonoros alrededor de 1900 eran un género común debido a las numerosas obras de Richard Strauss , Reger prefería componer música absoluta. Describió los poemas de cuatro tonos de A. Böcklin ( Op. 128) y Romantic Suite (Op. 125) como un "viaje al campo de la música de programa ".
Reger compuso el trabajo desde finales de mayo hasta julio de 1913 en Meiningen, después de que comenzó a planificar desde octubre de 1912. Se lo dedicó a Julius Buths . Las notas fueron publicadas en septiembre de 1913 en Boosey & Hawkes . Reger dirigió el trabajo el 12 de octubre de 1913 por primera vez con la Orquesta Municipal en Saalbau Essen .
Max Reger resulta una figura conservadora de hombre del pasado, incluso integrista: su formación, su música, estuvieron dominados por el espíritu de la polifonía clásica, aunque hubo una época en que se apasionó por Wagner y Debussy.
La crítica más acerba que se le ha hecho viene de Heinrich Strobel: “Su música aspira a un aspecto y un equilibrio clásicos y es al mismo tiempo desmesurada; tiende hacia el orden aportando tan solo la confusión.”
En ciertas ocasiones, Reger llega muy cerca del impresionismo, en su Böcklin – Suite opus 128, casi al final de su fecunda creación que le lleva a cultivar todos los géneros excepto la ópera. Los cuatro cuadros de Arnold Böcklin le inspiran cuatro tiempos, en los que trata de fijar las impresiones pictóricas por medio de sonidos. En ellos se manifiesta la influencia de los Cuadros de una Exposición de Mussorgsky, y de Preludio a la Siesta de un Fauno, de Debussy.
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BÖCKLIN SUITE, OP.128
Poemas de cuatro tonos basados en A. Böcklin es una obra orquestal de Max Reger , que compuso en Meiningen en 1913. Sus cuatro partes se refieren a cuatro pinturas de Arnold Böcklin , incluida Die Toteninsel.
Aunque los poemas sonoros alrededor de 1900 eran un género común debido a las numerosas obras de Richard Strauss , Reger prefería componer música absoluta. Describió los poemas de cuatro tonos de A. Böcklin ( Op. 128) y Romantic Suite (Op. 125) como un "viaje al campo de la música de programa ".
Reger compuso el trabajo desde finales de mayo hasta julio de 1913 en Meiningen, después de que comenzó a planificar desde octubre de 1912. Se lo dedicó a Julius Buths . Las notas fueron publicadas en septiembre de 1913 en Boosey & Hawkes . Reger dirigió el trabajo el 12 de octubre de 1913 por primera vez con la Orquesta Municipal en Saalbau Essen .
Max Reger resulta una figura conservadora de hombre del pasado, incluso integrista: su formación, su música, estuvieron dominados por el espíritu de la polifonía clásica, aunque hubo una época en que se apasionó por Wagner y Debussy.
La crítica más acerba que se le ha hecho viene de Heinrich Strobel: “Su música aspira a un aspecto y un equilibrio clásicos y es al mismo tiempo desmesurada; tiende hacia el orden aportando tan solo la confusión.”
En ciertas ocasiones, Reger llega muy cerca del impresionismo, en su Böcklin – Suite opus 128, casi al final de su fecunda creación que le lleva a cultivar todos los géneros excepto la ópera. Los cuatro cuadros de Arnold Böcklin le inspiran cuatro tiempos, en los que trata de fijar las impresiones pictóricas por medio de sonidos. En ellos se manifiesta la influencia de los Cuadros de una Exposición de Mussorgsky, y de Preludio a la Siesta de un Fauno, de Debussy.
Quizás Reger no fue un revolucionario en su tiempo, pues le tocó coexistir con los impresionistas, Stravinski y la Escuela de Viena. Sin embargo, dominó de forma magistral las formas clásicas, la armonía y el contrapunto, siendo también un excepcional músico de órgano. Quizás pueda considerársele el último autor de la gran tradición germana desarrollada a partir del clasicismo.@ClasicaAlAtardecer
#BöcklinSuite #MaxReger
BÖCKLIN SUITE, OP.128
Esta pieza consta de 4 movimientos:
🎵 I. Der geigende Eremit (El violin Ermitaño)
🎵 II. Im Spiel der Wellen (En el juego de las Olas)
🎵 III. Die Toteninsel (La Isla de los Muertos)
🎵 IV. Bacchanal (Báquico)
Las cuatro partes están en tempo contrastante, lento-rápido-lento-rápido. Ambos movimientos lentos, 1 y 3, están marcados Molto sostenuto (aber nie schleppend) (pero nunca arrastrando), ambos movimientos rápidos Vivace .
La obra es una orquesta sinfónica con tres flautas (incluido el flautín ), dos oboes (incluida la trompa inglesa ), dos clarinetes , dos fagotes , contrabajo , cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones, tuba, arpa, tres tambores y percusión adicional y un solo. - Violín y cuerdas escritas. Las partes se pueden usar individualmente o como una sinfonía se enumeran.
El violin Ermitaño
El ermitaño del violín se refiere a la pintura El ermitaño , que Böcklin creó en Florencia en 1884. Un violín solo contrasta con un grupo de cuerdas que toca silenciado ( con sordino ) y otro que toca sin amortiguar. El esencial violín ( violín etéreo ) lata con el 1914 compuesta por Ralph Vaughan Williams canción Lark ascendente ( The Lark ascendente ) se comparan. Klaus Uwe Ludwig escribió un arreglo para violín y órgano, que Breitkopfha sido publicado.
En el juego de las Olas.
En el juego de las olas se refiere a En el juego de las olas , que Böcklin pintó en 1883. Al igual que la pintura, la música evoca el parpadeo de la espuma en el sol y el juego de las náyades con Tritón.
Un crítico comparó la pieza con el poema de tono de Debussy La Mer , que había sido escrito unos años antes y en cuyo movimiento orquestal la parte del sonido se había vuelto más independiente que el trabajo temático . Señaló que Reger persiguió el reino colorido de las criaturas míticas ( Reger persiguió el reino extravagante de las criaturas míticas ). Ambas obras tienen un carácter orquestal brillante similar ( carácter orquestal brillante ).
La Isla de los Muertos.
La isla de los muertos se refiere al motivo del mismo nombre, que Böcklin representó en cinco pinturas diferentes entre 1880 y 1886. Toteninsel es considerado el trabajo más conocido de Böcklin, con un título que fue inventado no por él mismo sino por el comerciante de arte Fritz Gurlitt. Thomas Mann caracterizó esta pintura como una expresión de simpatía con la muerte , típica del fin de siècle . Una composición de Andreas Hallén basada en la imagen ya había sido publicada en 1897. Le siguieron otras obras, como el poema sinfónico del mismo nombre op. 29 de Sergei Rachmaninov, que fue estrenada el 18 de abril de 1909 en Moscú. Rachmaninoff inicialmente podía ver una fotografía en blanco y negro de la pintura en París vista antes en el original en una galería en Leipzig .
Reger-escribió hace mucho tiempo, pero el cambio de acordes ( -sostenido durante mucho tiempo, pero sonoridades cambiantes ), para lo cual, la orquesta como un órgano comenzó. Max Beckschäfer arregló la pieza de Reger en 1984 para el órgano. La primera actuación fue en 1985 en el mercado Iglesia de Wiesbaden.
Báquico
Bacanal se refiere a la pintura Bacchante Festival de alrededor de 1856. Puede representar la necedad de épocas orgiásticas anteriores, o la necesidad de una persona mayor para participar. Reger, quien llamó a su propia experiencia "Sturm und Trank" como un juego de palabras con Sturm und Drang , utilizó el contrapunto , el desarrollo armonioso y la instrumentación sofisticada para transformar la deslumbrante pintura en música.
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BÖCKLIN SUITE, OP.128
Esta pieza consta de 4 movimientos:
🎵 I. Der geigende Eremit (El violin Ermitaño)
🎵 II. Im Spiel der Wellen (En el juego de las Olas)
🎵 III. Die Toteninsel (La Isla de los Muertos)
🎵 IV. Bacchanal (Báquico)
Las cuatro partes están en tempo contrastante, lento-rápido-lento-rápido. Ambos movimientos lentos, 1 y 3, están marcados Molto sostenuto (aber nie schleppend) (pero nunca arrastrando), ambos movimientos rápidos Vivace .
La obra es una orquesta sinfónica con tres flautas (incluido el flautín ), dos oboes (incluida la trompa inglesa ), dos clarinetes , dos fagotes , contrabajo , cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones, tuba, arpa, tres tambores y percusión adicional y un solo. - Violín y cuerdas escritas. Las partes se pueden usar individualmente o como una sinfonía se enumeran.
El violin Ermitaño
El ermitaño del violín se refiere a la pintura El ermitaño , que Böcklin creó en Florencia en 1884. Un violín solo contrasta con un grupo de cuerdas que toca silenciado ( con sordino ) y otro que toca sin amortiguar. El esencial violín ( violín etéreo ) lata con el 1914 compuesta por Ralph Vaughan Williams canción Lark ascendente ( The Lark ascendente ) se comparan. Klaus Uwe Ludwig escribió un arreglo para violín y órgano, que Breitkopfha sido publicado.
En el juego de las Olas.
En el juego de las olas se refiere a En el juego de las olas , que Böcklin pintó en 1883. Al igual que la pintura, la música evoca el parpadeo de la espuma en el sol y el juego de las náyades con Tritón.
Un crítico comparó la pieza con el poema de tono de Debussy La Mer , que había sido escrito unos años antes y en cuyo movimiento orquestal la parte del sonido se había vuelto más independiente que el trabajo temático . Señaló que Reger persiguió el reino colorido de las criaturas míticas ( Reger persiguió el reino extravagante de las criaturas míticas ). Ambas obras tienen un carácter orquestal brillante similar ( carácter orquestal brillante ).
La Isla de los Muertos.
La isla de los muertos se refiere al motivo del mismo nombre, que Böcklin representó en cinco pinturas diferentes entre 1880 y 1886. Toteninsel es considerado el trabajo más conocido de Böcklin, con un título que fue inventado no por él mismo sino por el comerciante de arte Fritz Gurlitt. Thomas Mann caracterizó esta pintura como una expresión de simpatía con la muerte , típica del fin de siècle . Una composición de Andreas Hallén basada en la imagen ya había sido publicada en 1897. Le siguieron otras obras, como el poema sinfónico del mismo nombre op. 29 de Sergei Rachmaninov, que fue estrenada el 18 de abril de 1909 en Moscú. Rachmaninoff inicialmente podía ver una fotografía en blanco y negro de la pintura en París vista antes en el original en una galería en Leipzig .
Reger-escribió hace mucho tiempo, pero el cambio de acordes ( -sostenido durante mucho tiempo, pero sonoridades cambiantes ), para lo cual, la orquesta como un órgano comenzó. Max Beckschäfer arregló la pieza de Reger en 1984 para el órgano. La primera actuación fue en 1985 en el mercado Iglesia de Wiesbaden.
Báquico
Bacanal se refiere a la pintura Bacchante Festival de alrededor de 1856. Puede representar la necedad de épocas orgiásticas anteriores, o la necesidad de una persona mayor para participar. Reger, quien llamó a su propia experiencia "Sturm und Trank" como un juego de palabras con Sturm und Drang , utilizó el contrapunto , el desarrollo armonioso y la instrumentación sofisticada para transformar la deslumbrante pintura en música.
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#BöcklinSuite #MaxReger
Título: Boecklin Suite, Op.128
Autor: Max Reger
Movimientos:
🎵 00:00 I. Der geigende Eremit (El violin Ermitaño)
🎵 9:00 II. Im Spiel der Wellen (En el juego de las Olas)
🎵 13:17 III. Die Toteninsel (La Isla de los Muertos)
🎵 21:17 IV. Bacchanal: Vivace
Interpretación:
Orquesta Filamornica de Londres
Fuente: 🎼
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Título: Boecklin Suite, Op.128
Autor: Max Reger
Movimientos:
🎵 00:00 I. Der geigende Eremit (El violin Ermitaño)
🎵 9:00 II. Im Spiel der Wellen (En el juego de las Olas)
🎵 13:17 III. Die Toteninsel (La Isla de los Muertos)
🎵 21:17 IV. Bacchanal: Vivace
Interpretación:
Orquesta Filamornica de Londres
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