This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
#Sinfonía5 #Beethoven #DavidGarrett
Título: La Sinfonía Nº 5 en do menor. Op. 67
Autor: Ludwig van Beethoven
Movimientos:
🎵 I. Allegro con brio
Interpretación:
David Garrett
@ClasicaAlAtardecer
Título: La Sinfonía Nº 5 en do menor. Op. 67
Autor: Ludwig van Beethoven
Movimientos:
🎵 I. Allegro con brio
Interpretación:
David Garrett
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#LaSinfonía53 #StarDawn #AlanHovhaness #KeithBrion
LA “SINFONÍA Nº 53” (STAR DAWN) OP. 377
La “Sinfonía Nº 53” (Star Dawn) Op.377 fue terminada en el mes de julio de 1983 por Alan Hovhaness. Escrita para banda sinfónica fue encargada por Charles D. Yates y el San Diego State University Wind Ensemble. Se estrenó en el mes de febrero de 1990 interpretada por la Yale University Concert Band dirigida por Thomas Duffy.
La obra está inspirada en la “Divina Comedia” de Dante, en su parte final de ascensión al Paraíso. Su título, subida a las estrellas, está tomado de una frase de Dante que sugiere los viajes espaciales. En su forma original la sinfonía constaba de tres movimientos, pero el compositor eliminó totalmente uno de ellos.
Consta de dos Movimentos:
🎵 Maestoso sostenuto, allegro
🎵 Moderato sostenuto con molto espressione
El primer movimiento, maestoso sostenuto, allegro, empieza con un poderoso tema significando la salida del hombre de la tierra. Los clarinetes nos muestran la frialdad del espacio. Aparece un gran himno para la salvación del hombre. Sigue con un solo de clarinete, perteneciente a una obra para piano escrita en 1933 no publicada, que llevaba el mismo título. No sabemos si después de 50 años redescubrió el manuscrito o tenía la melodía en su mente. El viaje continúa en un espacio rodeado por el brillo de las estrellas expresado por las campanas. Ondulaciones del clarinete nos muestran la ingravidez en el espacio. Después de un tema aéreo de la trompeta, el tema inicial retorna de un modo triunfal indicando el éxito del aterrizaje.
El segundo movimiento, moderato sostenuto con molto espressione, empieza con un solo de saxo, que simboliza según su autor la adaptación del hombre a un nuevo planeta, con su diferente gravedad. Luego escuchamos una breve coral, simbolizando la subida a los cielos. Las trompetas empiezan la interpretación de un himno de agradecimiento por el nuevo mundo conquistado. Las estrellas brillan en un nuevo cielo expresado por las campanas, terminando la obra de modo solemne.
Hovhaness interpreta las palabras de Dante como un viaje del género humano al espacio en busca de un nuevo mundo exterior. El primer movimiento nos relata el viaje espacial, la salida de la nave, su trayectoria por el ingrávido espacio exterior y su feliz llegada a un nuevo mundo. En el segundo movimiento nos encontramos en la nueva tierra, donde empieza la adaptación de los seres humanos hacia una nueva vida.
@ClasicaAlAtardecer
LA “SINFONÍA Nº 53” (STAR DAWN) OP. 377
La “Sinfonía Nº 53” (Star Dawn) Op.377 fue terminada en el mes de julio de 1983 por Alan Hovhaness. Escrita para banda sinfónica fue encargada por Charles D. Yates y el San Diego State University Wind Ensemble. Se estrenó en el mes de febrero de 1990 interpretada por la Yale University Concert Band dirigida por Thomas Duffy.
La obra está inspirada en la “Divina Comedia” de Dante, en su parte final de ascensión al Paraíso. Su título, subida a las estrellas, está tomado de una frase de Dante que sugiere los viajes espaciales. En su forma original la sinfonía constaba de tres movimientos, pero el compositor eliminó totalmente uno de ellos.
Consta de dos Movimentos:
🎵 Maestoso sostenuto, allegro
🎵 Moderato sostenuto con molto espressione
El primer movimiento, maestoso sostenuto, allegro, empieza con un poderoso tema significando la salida del hombre de la tierra. Los clarinetes nos muestran la frialdad del espacio. Aparece un gran himno para la salvación del hombre. Sigue con un solo de clarinete, perteneciente a una obra para piano escrita en 1933 no publicada, que llevaba el mismo título. No sabemos si después de 50 años redescubrió el manuscrito o tenía la melodía en su mente. El viaje continúa en un espacio rodeado por el brillo de las estrellas expresado por las campanas. Ondulaciones del clarinete nos muestran la ingravidez en el espacio. Después de un tema aéreo de la trompeta, el tema inicial retorna de un modo triunfal indicando el éxito del aterrizaje.
El segundo movimiento, moderato sostenuto con molto espressione, empieza con un solo de saxo, que simboliza según su autor la adaptación del hombre a un nuevo planeta, con su diferente gravedad. Luego escuchamos una breve coral, simbolizando la subida a los cielos. Las trompetas empiezan la interpretación de un himno de agradecimiento por el nuevo mundo conquistado. Las estrellas brillan en un nuevo cielo expresado por las campanas, terminando la obra de modo solemne.
Hovhaness interpreta las palabras de Dante como un viaje del género humano al espacio en busca de un nuevo mundo exterior. El primer movimiento nos relata el viaje espacial, la salida de la nave, su trayectoria por el ingrávido espacio exterior y su feliz llegada a un nuevo mundo. En el segundo movimiento nos encontramos en la nueva tierra, donde empieza la adaptación de los seres humanos hacia una nueva vida.
Las palabras escritas por el propio compositor nos hablan de sus sueños. Durante toda mi vida el interés por la astronomía me ha sugerido el pensamiento y la esperanza de que pudiéramos colonizar Marte. Como la tierra está superpoblada podríamos tener esta salida. Marte a pesar de ser muy frío, parece tener un clima que podría hacer esto posible.@ClasicaAlAtardecer
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
#LaSinfonía53 #StarDawn #AlanHovhaness #KeithBrion
Título: Sinfonia n. 53 op. 377 "Star dawn"
Autor: Alan Hovhaness
Movimentos:
🎵 I. Maestoso sostenuto, allegro
🎵 II. Moderato sostenuto con molto espressione
Interpretación:
Orquesta de viento de la Real Academia Escocesa de Música y Drama
Director:
Keith Brion
@ClasicaAlAtardecer
Título: Sinfonia n. 53 op. 377 "Star dawn"
Autor: Alan Hovhaness
Movimentos:
🎵 I. Maestoso sostenuto, allegro
🎵 II. Moderato sostenuto con molto espressione
Interpretación:
Orquesta de viento de la Real Academia Escocesa de Música y Drama
Director:
Keith Brion
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
#Sinfonía8 #Beethoven #GustavoDudamel
Titulo: La “Sinfonía Nº 8 en fa mayor” Op.93
Autor: Ludwig Van Beethoven
Movimientos:
🎵 I. Allegro vivace e con brio
Interpretación:
Orquesta Sinfónica Simón Bolívar.
Director:
Gustavo Dudamel
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: La “Sinfonía Nº 8 en fa mayor” Op.93
Autor: Ludwig Van Beethoven
Movimientos:
🎵 I. Allegro vivace e con brio
Interpretación:
Orquesta Sinfónica Simón Bolívar.
Director:
Gustavo Dudamel
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#Toccata #Fuga #BWV565 #Bach #LeoVanDoeselaar
LA TOCCATA Y FUGA EN RE MENOR, BWV 565
La Toccata y fuga en re menor, BWV 565 es una pieza de música de órgano escrita, según sus fuentes más antiguas, por Johann Sebastian Bach. La pieza abre con una sección de tocata, seguida de una fuga que termina en una coda. Es una de las obras más famosas del repertorio de órgano.
Movimientos:
🎵 Toccata
🎵 Fuga
Toccata
La Toccata es una obra libre (sin una estructura fija), a modo de preludio de la fuga. Siguen tres pasajes cortos, cada uno reiterando un motivo corto y doblado en la octava. La sección termina con un acorde de séptima disminuida que se resolvió en el tónico, Re menor, a través de una floritura.
La segunda sección de la Toccata es una serie de figuraciones y florituras vagamente conectadas; el pedal cambia al dominante clave, La menor. Esta sección da paso a la tercera y última sección de la Toccata, que consiste casi en su totalidad en un pasaje duplicado en el sexto y que comprende reiteraciones de la misma figura de tres notas, similar a los pasajes duplicados de la primera sección. Después de un breve movimiento de pedal, la pieza termina con un acorde de re menor.
Fuga
La Fuga está escrita a cuatro voces sobre un tema hecho enteramente de semicorcheas. El tema se aparta en grados sucesivos de un tono pedal implícito.
Es una fuga es una composición típicamente barroca, polifónica, basada en el contrapunto entre varias voces a igualdad de importancia. Es la culminación del uso del contrapunto.
Presenta un tema (o sujeto), ocasionalmente acompañado de otro tema llamado contrasujeto, de carácter diferenciado, para dar mayor riqueza a la obra.
Se pueden distinguir algunas secciones en una fuga, como son:
La exposición,donde el sujeto es presentado en cada una de las voces. La sección central de la fuga es más libre. En ella se pueden distinguir episodios, que son los fragmentos en los que aparece el tema de la fuga variado, en las distintas voces. El final de la fuga se produce con una sucesión de acordes, notas mantenidas en la pedalera (llamadas "notas pedales"), retardos entre las voces, para terminar con una cadencia, habitualmente usando una Tercera de Picardía.
La primera publicación de la pieza, en la era del renacimiento de Bach, fue en 1833, gracias a los esfuerzos de Felix Mendelssohn, quien también interpretó la pieza en un aclamado concierto en 1840. La familiaridad con la pieza mejoró en la segunda mitad del siglo XIX, gracias a una versión de piano bastante exitosa de Carl Tausig, pero no fue hasta el siglo XX que su popularidad se elevó por encima de la de otras composiciones de órgano de Bach. Esa popularidad aumentó aún más, debido, por ejemplo, a su inclusión en la película animada Fantasía de Walt Disney.
@ClasicaAlAtardecer
LA TOCCATA Y FUGA EN RE MENOR, BWV 565
La Toccata y fuga en re menor, BWV 565 es una pieza de música de órgano escrita, según sus fuentes más antiguas, por Johann Sebastian Bach. La pieza abre con una sección de tocata, seguida de una fuga que termina en una coda. Es una de las obras más famosas del repertorio de órgano.
Movimientos:
🎵 Toccata
🎵 Fuga
Toccata
La Toccata es una obra libre (sin una estructura fija), a modo de preludio de la fuga. Siguen tres pasajes cortos, cada uno reiterando un motivo corto y doblado en la octava. La sección termina con un acorde de séptima disminuida que se resolvió en el tónico, Re menor, a través de una floritura.
La segunda sección de la Toccata es una serie de figuraciones y florituras vagamente conectadas; el pedal cambia al dominante clave, La menor. Esta sección da paso a la tercera y última sección de la Toccata, que consiste casi en su totalidad en un pasaje duplicado en el sexto y que comprende reiteraciones de la misma figura de tres notas, similar a los pasajes duplicados de la primera sección. Después de un breve movimiento de pedal, la pieza termina con un acorde de re menor.
Fuga
La Fuga está escrita a cuatro voces sobre un tema hecho enteramente de semicorcheas. El tema se aparta en grados sucesivos de un tono pedal implícito.
Es una fuga es una composición típicamente barroca, polifónica, basada en el contrapunto entre varias voces a igualdad de importancia. Es la culminación del uso del contrapunto.
Presenta un tema (o sujeto), ocasionalmente acompañado de otro tema llamado contrasujeto, de carácter diferenciado, para dar mayor riqueza a la obra.
Se pueden distinguir algunas secciones en una fuga, como son:
La exposición,donde el sujeto es presentado en cada una de las voces. La sección central de la fuga es más libre. En ella se pueden distinguir episodios, que son los fragmentos en los que aparece el tema de la fuga variado, en las distintas voces. El final de la fuga se produce con una sucesión de acordes, notas mantenidas en la pedalera (llamadas "notas pedales"), retardos entre las voces, para terminar con una cadencia, habitualmente usando una Tercera de Picardía.
La primera publicación de la pieza, en la era del renacimiento de Bach, fue en 1833, gracias a los esfuerzos de Felix Mendelssohn, quien también interpretó la pieza en un aclamado concierto en 1840. La familiaridad con la pieza mejoró en la segunda mitad del siglo XIX, gracias a una versión de piano bastante exitosa de Carl Tausig, pero no fue hasta el siglo XX que su popularidad se elevó por encima de la de otras composiciones de órgano de Bach. Esa popularidad aumentó aún más, debido, por ejemplo, a su inclusión en la película animada Fantasía de Walt Disney.
@ClasicaAlAtardecer
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
#Toccata #Fuga #BWV565 #Bach #LeoVanDoeselaar
Título: La Toccata y fuga en re menor, BWV 565
Autor: Johann Sebastian Bach
Movimientos:
🎵 Toccata
🎵 Fuga
Interpretación:
- Leo Van Doeselaar
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: La Toccata y fuga en re menor, BWV 565
Autor: Johann Sebastian Bach
Movimientos:
🎵 Toccata
🎵 Fuga
Interpretación:
- Leo Van Doeselaar
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Forwarded from 🎨 ESTACIÓN ARTE 🎼 (NEXUS)
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
Forwarded from 🎨 ESTACIÓN ARTE 🎼 (NEXUS)
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
#Arte #Música #Clásica #SorenMadsen
THE GOOD, THE BAD AND THE UGLY - SOREN MADSEN
Canción: The Good, The Bad and The Ugly
Intérprete: Soren Madsen
Autor: Ennio Morricone
Estilo: Clásica
Año: 2020
Lugar: Efterskolen, Malling, Dinamarca
Fuente: 🎼
@SonataLife
THE GOOD, THE BAD AND THE UGLY - SOREN MADSEN
Canción: The Good, The Bad and The Ugly
Intérprete: Soren Madsen
Autor: Ennio Morricone
Estilo: Clásica
Año: 2020
Lugar: Efterskolen, Malling, Dinamarca
Fuente: 🎼
@SonataLife
#Sinfonía38 #Praga #Mozart #ManfredHoneck
LA SINFONÍA N.º 38 EN RE MAYOR, K. 504.
La Sinfonía n.º 38 en re mayor K. 504, también conocida como Praga, fue compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart en 1786. El sobrenombre lo recibió más tarde al ser estrenada en Praga. Escrita en tres movimientos, al parecer según indicaciones masónicas sobre en número tres. Los tres movimientos están compuestos en forma de sonata, llegando a la perfección clásica de la sinfonía.
La sinfonía consta de tres movimientos:
🎵 I. Adagio – Allegro, en re mayor
🎵 II. Andante, en sol mayor
🎵 III. Finale. Presto, en re mayor
La interpretación de esta obra dura aproximadamente entre 25 y 30 minutos. Es una sinfonía grandiosa, espumante, con ritmo persistente, cuya composición instrumental está repleta de sorprendentes modulaciones. Con esta sinfonía Mozart pone fin a la época de grandes trabajos de inspiración haydniana, y sienta las bases de sus últimas.
I. Adagio – Allegro
El primer movimiento, Adagio – Allegro, nos transporta repentinamente a los vértices del arte mozartiano: tanto Niemetschek, en su biografía de Mozart de 1798,como el musicólogo contemporáneo H. C. Robbins Landon, en 1989, coinciden en utilizar el término "sublime" en referencia a esta sinfonía, una de las tres únicas del autor (junto con la n.º 36 y la n.º 39) que contiene una introducción lenta.
II. Andante
El segundo movimiento, Andante, tiene un carácter más cantable, aunque también fue compuesto a base de pocas células básicas, en cierta medida afines a las ya utilizadas en el Allegro que cerraba el primer movimiento. La tensión se mantiene alta alternando elementos serenos y oscuros.
III. Finale. Presto
El final cubre un notable espectro emocional, algo evidente en sus primeros momentos, cuando Mozart pone en tela de juicio la atmósfera festiva con un parche púrpura sólo para vientos que se convierte en algo casi violento. Es una música en la que la oscuridad acecha justo debajo de la luz, en la que el equívoco pone en tela de juicio todo arrebato aparentemente alegre.
Está sinfonía cuenta con una belleza melódica y su riqueza armónica, que la hacen accesible y atractiva para todo tipo de oyentes. Además, la habilidad de Mozart para desarrollar motivos musicales y crear contrastes dinámicos es excepcional en esta obra.
La Sinfonía K. 504 de Mozart es una obra que merece ser descubierta y apreciada por su belleza, su elegancia y su brillantez compositiva. Su lugar destacado en el repertorio clásico la convierte en una pieza imprescindible para cualquier amante de la música clásica.
@ClasicaAlAtardecer
LA SINFONÍA N.º 38 EN RE MAYOR, K. 504.
La Sinfonía n.º 38 en re mayor K. 504, también conocida como Praga, fue compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart en 1786. El sobrenombre lo recibió más tarde al ser estrenada en Praga. Escrita en tres movimientos, al parecer según indicaciones masónicas sobre en número tres. Los tres movimientos están compuestos en forma de sonata, llegando a la perfección clásica de la sinfonía.
La sinfonía consta de tres movimientos:
🎵 I. Adagio – Allegro, en re mayor
🎵 II. Andante, en sol mayor
🎵 III. Finale. Presto, en re mayor
La interpretación de esta obra dura aproximadamente entre 25 y 30 minutos. Es una sinfonía grandiosa, espumante, con ritmo persistente, cuya composición instrumental está repleta de sorprendentes modulaciones. Con esta sinfonía Mozart pone fin a la época de grandes trabajos de inspiración haydniana, y sienta las bases de sus últimas.
I. Adagio – Allegro
El primer movimiento, Adagio – Allegro, nos transporta repentinamente a los vértices del arte mozartiano: tanto Niemetschek, en su biografía de Mozart de 1798,como el musicólogo contemporáneo H. C. Robbins Landon, en 1989, coinciden en utilizar el término "sublime" en referencia a esta sinfonía, una de las tres únicas del autor (junto con la n.º 36 y la n.º 39) que contiene una introducción lenta.
II. Andante
El segundo movimiento, Andante, tiene un carácter más cantable, aunque también fue compuesto a base de pocas células básicas, en cierta medida afines a las ya utilizadas en el Allegro que cerraba el primer movimiento. La tensión se mantiene alta alternando elementos serenos y oscuros.
III. Finale. Presto
El final cubre un notable espectro emocional, algo evidente en sus primeros momentos, cuando Mozart pone en tela de juicio la atmósfera festiva con un parche púrpura sólo para vientos que se convierte en algo casi violento. Es una música en la que la oscuridad acecha justo debajo de la luz, en la que el equívoco pone en tela de juicio todo arrebato aparentemente alegre.
Está sinfonía cuenta con una belleza melódica y su riqueza armónica, que la hacen accesible y atractiva para todo tipo de oyentes. Además, la habilidad de Mozart para desarrollar motivos musicales y crear contrastes dinámicos es excepcional en esta obra.
La Sinfonía K. 504 de Mozart es una obra que merece ser descubierta y apreciada por su belleza, su elegancia y su brillantez compositiva. Su lugar destacado en el repertorio clásico la convierte en una pieza imprescindible para cualquier amante de la música clásica.
@ClasicaAlAtardecer
Media is too big
VIEW IN TELEGRAM
#Sinfonía38 #Praga #Mozart #ManfredHoneck
Título: La Sinfonía n.º 38 en Re mayor, K. 504
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Movimientos:
🎵 I. Adagio – Allegro, en re mayor
🎵 II. Andante, en sol mayor
🎵 III. Finale. Presto, en re mayor
Interpretación:
Orquesta Filarmónica Checa
Director:
Manfred Honeck
@ClasicaAlAtardecer
Título: La Sinfonía n.º 38 en Re mayor, K. 504
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Movimientos:
🎵 I. Adagio – Allegro, en re mayor
🎵 II. Andante, en sol mayor
🎵 III. Finale. Presto, en re mayor
Interpretación:
Orquesta Filarmónica Checa
Director:
Manfred Honeck
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#Concierto1 #Paganini #AugustinHadelich #JaderBignamini
EL CONCIERTO PARA VIOLÍN Y ORQUESTA NO. 1
El Concierto para violín y orquesta No. 1 de Paganini es un virtuoso tour de force, pero no sólo revela la increíble capacidad técnica de Paganini, sino también su sensibilidad melódica y su habilidad para explotar las estructuras dramáticas. Al igual que muchas de sus otras obras, este concierto se inspira en el lenguaje musical de las óperas de Gioachino Rossini, que eran muy populares en la época. Paganini compuso originalmente el Concierto Nº 1 en la inusual clave de mi bemol mayor, para lograr un tono más brillante para el violín. Sin embargo, como la afinación en los conciertos modernos es mucho más alta de lo que era norma en la época de Paganini, la versión estándar moderna de la pieza se transpone a la tonalidad de re mayor, lo cual también hace que la fina cuerda del Mi del violín sea menos susceptible a la rotura (Paganini a menudo rompía varias cuerdas durante un concierto).
El Concierto No. 1 sólo se publicó tras su muerte, y pronto se convirtió en un fijo en el repertorio de virtuosos de menor categoría, tan expertos, más o menos, en el aspecto técnico, pero no tan convincentes musicalmente como Paganini. Afortunadamente, muchos grandes solistas del siglo XX se han concentrado tanto en la musicalidad de la pieza como en el virtuosismo.
El concierto posee tres movimientos:
🎶 Allegro maestoso - Tempo giusto (en Re mayor ; o Mi bemol mayor con scordatura)
🎶 Adagio (en la versión Si menor que termina en Si mayor ; o, Do menor que termina en Do mayor con escordatura)
🎶 Rondó. Allegro spirituoso - Un poco più presto (en Re mayor; o Mi bemol mayor con scordatura)
Paganini quería que el Concierto se escuchara en mi bemol mayor: las partes orquestales estaban escritas en mi bemol, y la parte solista estaba escrita en mi mayor con instrucciones para que el violín fuera afinado un semitono alto (una técnica conocida como escordatura) de modo que, por lo tanto, sonaría en mi bemol mayor. Esto permite que el solista logre efectos que suenan en mi bemol, lo que no sería posible con la afinación normal.
Un ejemplo de esto es la introducción del tercer movimiento, donde el violín toca una rápida escala descendente la-sol-fa♯-mi-re, tanto arqueada como en pizzicato, que es posible en una cuerda abierta en re, pero extremadamente difícil en la clave de mi bemol (es decir, tocar si♭-la♭-sol-fa-mi♭) porque se necesitarían dos cuerdas para tocar esta escala hacia abajo, mientras que solo se requiere una cuerda para tocarla en re.
@ClasicaAlAtardecer
EL CONCIERTO PARA VIOLÍN Y ORQUESTA NO. 1
El Concierto para violín y orquesta No. 1 de Paganini es un virtuoso tour de force, pero no sólo revela la increíble capacidad técnica de Paganini, sino también su sensibilidad melódica y su habilidad para explotar las estructuras dramáticas. Al igual que muchas de sus otras obras, este concierto se inspira en el lenguaje musical de las óperas de Gioachino Rossini, que eran muy populares en la época. Paganini compuso originalmente el Concierto Nº 1 en la inusual clave de mi bemol mayor, para lograr un tono más brillante para el violín. Sin embargo, como la afinación en los conciertos modernos es mucho más alta de lo que era norma en la época de Paganini, la versión estándar moderna de la pieza se transpone a la tonalidad de re mayor, lo cual también hace que la fina cuerda del Mi del violín sea menos susceptible a la rotura (Paganini a menudo rompía varias cuerdas durante un concierto).
El Concierto No. 1 sólo se publicó tras su muerte, y pronto se convirtió en un fijo en el repertorio de virtuosos de menor categoría, tan expertos, más o menos, en el aspecto técnico, pero no tan convincentes musicalmente como Paganini. Afortunadamente, muchos grandes solistas del siglo XX se han concentrado tanto en la musicalidad de la pieza como en el virtuosismo.
El concierto posee tres movimientos:
🎶 Allegro maestoso - Tempo giusto (en Re mayor ; o Mi bemol mayor con scordatura)
🎶 Adagio (en la versión Si menor que termina en Si mayor ; o, Do menor que termina en Do mayor con escordatura)
🎶 Rondó. Allegro spirituoso - Un poco più presto (en Re mayor; o Mi bemol mayor con scordatura)
Paganini quería que el Concierto se escuchara en mi bemol mayor: las partes orquestales estaban escritas en mi bemol, y la parte solista estaba escrita en mi mayor con instrucciones para que el violín fuera afinado un semitono alto (una técnica conocida como escordatura) de modo que, por lo tanto, sonaría en mi bemol mayor. Esto permite que el solista logre efectos que suenan en mi bemol, lo que no sería posible con la afinación normal.
Un ejemplo de esto es la introducción del tercer movimiento, donde el violín toca una rápida escala descendente la-sol-fa♯-mi-re, tanto arqueada como en pizzicato, que es posible en una cuerda abierta en re, pero extremadamente difícil en la clave de mi bemol (es decir, tocar si♭-la♭-sol-fa-mi♭) porque se necesitarían dos cuerdas para tocar esta escala hacia abajo, mientras que solo se requiere una cuerda para tocarla en re.
Adicionalmente, la orquesta tocando en mi bemol mayor parece silenciar su sonido en comparación con el del violín solista, porque la sección de cuerdas toca con menos frecuencia con cuerdas abiertas, dando como resultado que la parte de violín solista emerge más clara y brillantemente del acompañamiento orquestal.@ClasicaAlAtardecer
