#Sinfonía7 #Dvorák #AndresOrozco
LA SINFONÍA N.º 7 EN RE MENOR OP. 70
La Sinfonía n.º 7 en re menor Op. 70 (1885) de Antonín Dvořák, que se publico antes con el número 2 que es el que le correspondía en la primera clasificación las obras de este compositor, en la que no se incluían las cuatro primeras sinfonías.La obra era un encargo de la London Philharmonic Society, de la que había sido elegido como miembro en 1884. Se estrenó el 22 de abril de 1885 en el St Jame’s Hall de Londres bajo la dirección del propio compositor. Esta obra se publicó por primera vez como su segunda sinfonía.
Esta pieza musical cuenta con cuatro movimientos:
🎵 I. Allegro maestoso.
🎵 II. Poco adagio.
🎵 III. Scherzo - Vivace.
🎵 IV. Finale - Allegro.
El primer movimiento allegro maestoso empieza con el primer tema lírico en pianissimo, presentado por las violas y violonchelos. Este tema irá creciendo a lo largo del movimiento. El segundo tema es luminoso como un día de verano y es introducido por los violines y maderas. En el desarrollo se elabora especialmente el tema principal hasta presentarlo de nuevo en un tutti al principio de la recapitulación. Después de repetir el segundo tema, llega una reafirmación del primero y cuando parece que ha llegado el final, reaparecen fragmentos del tema inicial, que con una melancólica aparición de las trompas llevan a una relajada conclusión.
El segundo movimiento es un poco adagio. Empieza con una nostálgica melodía en el clarinete, que más tarde presentan variada la flauta y el oboe. Los violines interpretan un tema melancólico. Un tercer tema aparece en la trompa, contestada por el clarinete. Después de un desarrollo con frases agitadas, en la recapitulación los temas son presentados en orden inverso. Los violonchelos interpretan la melodía escuchada por la flauta y el oboe. Los violines y violas presentan el tema melancólico. Después del clímax el oboe interpreta lastimosamente el tema, que inicialmente habíamos escuchado en el clarinete. Termina con una serena coda, mientras la música se va apagando.
El scherzo se caracteriza por el pegadizo ritmo sincopado de danza, el tema que más se recuerda de la obra. Después de su repetición, la parte central es más tranquila con un aire pastoral, evocando la naturaleza con sus trinos, como cantos de pájaros. Después se repite la primera parte del scherzo. Una sosegada melodía en las violas prepara la tumultuosa coda.
Termina con un allegro de aire dramático presentado por su primer tema, interpretado por el clarinete y la trompa. El segundo tema es lírico, presentado por flautas y oboes. Su desarrollo comportará una fuerte tensión. En la recapitulación los temas alcanzan la misma importancia dramática, terminando con el tema principal.
El paisaje maravillosamente variado del movimiento final, permeado casi por completo por la pasión de los tonos oscuros, es al final iluminado por la luz del sol de las teclas mayores, que estalla a través de las tensiones D-menores para proclamar una especie de salvación Beethoveniana. El procedimiento es tan sorprendente por lo repentino como convincente por su total sinceridad.
Las nueve Sinfonías son el punto de encuentro del Dvorak popular y del Dvorak educado en la tradición alemana, ya que la rica invención melódica se une a la reflexión sobre cómo fue posible, después de Beethoven y Schubert y junto a Brahms, expandir la Sinfonía más allá de las reglas convencionales. Sinfonía núm. 7, tiene un carácter equilibrado, compacto y austero, que podría definirse como brahmsiano: de hecho Parece que el éxito de la Tercera Sinfonía de Brahms había dado origen a Dvorak, cuya notoriedad estaba entonces ligada al éxito de las Danzas Eslavas, el deseo de demostrar que no era inferior al gran maestro alemán, hacia quien sentía admiración y amistad. Dirigida por el propio Dvorak en Londres en 1885, esta Sinfonía fue un éxito inmediato, aunque más tarde fue eclipsada por la famosa Sinfonía "Del Nuevo Mundo".
@ClasicaAlAtardecer
LA SINFONÍA N.º 7 EN RE MENOR OP. 70
La Sinfonía n.º 7 en re menor Op. 70 (1885) de Antonín Dvořák, que se publico antes con el número 2 que es el que le correspondía en la primera clasificación las obras de este compositor, en la que no se incluían las cuatro primeras sinfonías.La obra era un encargo de la London Philharmonic Society, de la que había sido elegido como miembro en 1884. Se estrenó el 22 de abril de 1885 en el St Jame’s Hall de Londres bajo la dirección del propio compositor. Esta obra se publicó por primera vez como su segunda sinfonía.
Esta pieza musical cuenta con cuatro movimientos:
🎵 I. Allegro maestoso.
🎵 II. Poco adagio.
🎵 III. Scherzo - Vivace.
🎵 IV. Finale - Allegro.
El primer movimiento allegro maestoso empieza con el primer tema lírico en pianissimo, presentado por las violas y violonchelos. Este tema irá creciendo a lo largo del movimiento. El segundo tema es luminoso como un día de verano y es introducido por los violines y maderas. En el desarrollo se elabora especialmente el tema principal hasta presentarlo de nuevo en un tutti al principio de la recapitulación. Después de repetir el segundo tema, llega una reafirmación del primero y cuando parece que ha llegado el final, reaparecen fragmentos del tema inicial, que con una melancólica aparición de las trompas llevan a una relajada conclusión.
El segundo movimiento es un poco adagio. Empieza con una nostálgica melodía en el clarinete, que más tarde presentan variada la flauta y el oboe. Los violines interpretan un tema melancólico. Un tercer tema aparece en la trompa, contestada por el clarinete. Después de un desarrollo con frases agitadas, en la recapitulación los temas son presentados en orden inverso. Los violonchelos interpretan la melodía escuchada por la flauta y el oboe. Los violines y violas presentan el tema melancólico. Después del clímax el oboe interpreta lastimosamente el tema, que inicialmente habíamos escuchado en el clarinete. Termina con una serena coda, mientras la música se va apagando.
El scherzo se caracteriza por el pegadizo ritmo sincopado de danza, el tema que más se recuerda de la obra. Después de su repetición, la parte central es más tranquila con un aire pastoral, evocando la naturaleza con sus trinos, como cantos de pájaros. Después se repite la primera parte del scherzo. Una sosegada melodía en las violas prepara la tumultuosa coda.
Termina con un allegro de aire dramático presentado por su primer tema, interpretado por el clarinete y la trompa. El segundo tema es lírico, presentado por flautas y oboes. Su desarrollo comportará una fuerte tensión. En la recapitulación los temas alcanzan la misma importancia dramática, terminando con el tema principal.
El paisaje maravillosamente variado del movimiento final, permeado casi por completo por la pasión de los tonos oscuros, es al final iluminado por la luz del sol de las teclas mayores, que estalla a través de las tensiones D-menores para proclamar una especie de salvación Beethoveniana. El procedimiento es tan sorprendente por lo repentino como convincente por su total sinceridad.
Las nueve Sinfonías son el punto de encuentro del Dvorak popular y del Dvorak educado en la tradición alemana, ya que la rica invención melódica se une a la reflexión sobre cómo fue posible, después de Beethoven y Schubert y junto a Brahms, expandir la Sinfonía más allá de las reglas convencionales. Sinfonía núm. 7, tiene un carácter equilibrado, compacto y austero, que podría definirse como brahmsiano: de hecho Parece que el éxito de la Tercera Sinfonía de Brahms había dado origen a Dvorak, cuya notoriedad estaba entonces ligada al éxito de las Danzas Eslavas, el deseo de demostrar que no era inferior al gran maestro alemán, hacia quien sentía admiración y amistad. Dirigida por el propio Dvorak en Londres en 1885, esta Sinfonía fue un éxito inmediato, aunque más tarde fue eclipsada por la famosa Sinfonía "Del Nuevo Mundo".
@ClasicaAlAtardecer
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#Sinfonía7 #Dvorák #AndresOrozco
Titulo: La Sinfonía n.º 7 en re menor Op. 70
Autor: Antonín Dvorák
Movimientos:
🎵 I. Allegro maestoso.
🎵 II. Poco adagio.
🎵 III. Scherzo - Vivace.
🎵 IV. Finale - Allegro.
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Andrés Orozco-Estrada
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: La Sinfonía n.º 7 en re menor Op. 70
Autor: Antonín Dvorák
Movimientos:
🎵 I. Allegro maestoso.
🎵 II. Poco adagio.
🎵 III. Scherzo - Vivace.
🎵 IV. Finale - Allegro.
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Andrés Orozco-Estrada
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#Sinfonía2 #Mendelssohn #SergiuComissiona
LA SINFONÍA N.º 2 EN SI BEMOL MAYOR, Op. 52
La Sinfonía n.º 2 en si bemol mayor, Op. 52,, también conocida como "Lobgesang" que significa "Canto de alabanza" o "Himno de alabanza", es una sinfonía coral escrita por Felix Mendelssohn en 1840. Fue concebida para conmemorar el cuarto centenario de la invención de la imprenta por Johannes Gutenberg.
El estreno se celebró el 25 de junio de 1840 en la Iglesia de Santo Tomás de Leipzig, con voces solistas, coro y orquesta dirigidos por el propio compositor. Este concierto incluyó además del estreno de esta sinfonía, la Jubel-Ouvertüre de Carl Maria von Weber y el Te Deum "Dettingen" de Georg Friedrich Händel.
La primera edición fue llevada a cabo por la editorial Breitkopf & Härtel en 1841 en Leipzig. Se publicó como Sinfonía n.º, y la dedicatoria que figura en la partitura es para el rey Federico Augusto II de Sajonia.
La pieza consta de una parte sinfónica con tres movimientos puramente orquestales seguidos por una cantata con otros nueve para solistas, coro, órgano y orquesta.
🎵 I. Maestoso con moto – Allegro, en si bemol mayor 4/4
🎵 II. Allegretto un poco agitato, en sol menor 6/8
🎵 III. Adagio religioso, en re mayor 2/4
Todos los movimientos comparten material. El tema principal del movimiento inicial aparece en el trío del scherzo subsiguiente, y está presente en las secciones primera y última del Finale coral.
Maestoso con moto – Allegro
El primer movimiento, Maestoso con moto - Allegro, está escrito en la tonalidad de si bemol mayor y en compás de 4/4. Se abre impregnado de un aire ceremonial con un tema audaz y majestuoso entonado por los trombones, con frases de respuesta por parte de toda la orquesta. Mendelssohn ya había empleado este tema tres años antes en una composición del Salmo 42 y tiene una distinguida historia en el canon contrapuntístico. Otros compositores ya habían utilizado versiones de este tema, como Bach o Mozart en el Finale de su Sinfonía Júpiter. Este primer tema, con saltos y descensos, recibe un tratamiento de desarrollo durante la transición al segundo tema, que es muy similar a un tema del primer movimiento de la Sonata en si bemol mayor, Op. 22 de Beethoven. El tema con ritmo con puntillo de la introducción aparece en la sección de desarrollo, con un carácter completamente distinto.
Allegretto un poco agitato
El segundo movimiento, Allegretto un poco agitato, está en sol menor y en compás de 6/8. Es una pieza en forma de scherzo, con un canto inquieto y cadencioso. La atmósfera aquí no es tan juguetona como melancólica en las secciones exteriores, y francamente seria en la central, con su melodía coral entonada con severidad. El tema principal evoca la canción popular y con el balanceo oscilante del 6/8 se asemeja a una de las "Canciones de Gondolero" de sus Lieder ohne Worte. Una refrescante sección en la mayor presenta una conversación entre las cuerdas y los vientos.
Adagio religioso
El tercer movimiento, Adagio religioso, está en re mayor y en compás de 2/4. Es un conjunto de variaciones sobre una melodía similar a una canción. Parece que el compositor intenta emular el uso ocasional que hace Beethoven de acordes simples en bloque para producir un efecto majestuoso. No obstante, su concepción de la técnica hace que el tema principal se estanque. Recuerda al Adagio de su Sinfonía escocesa debido al tratamiento que Mendelssohn da a la orquesta.
La singularidad de esta obra es que fue compuesta para una ocasión especial, a saber, las celebraciones en Leipzig del cuarto centenario de la invención de la imprenta con tipos móviles por Johannes Gutenberg. Tras su estreno, la Sinfonía "Lobgesang" se hizo muy popular. Hoy en día se interpreta raramente. Una forma tan híbrida no siempre ha granjeado el favor de la crítica, pero ésta fue una obra popular en el siglo XIX y, como siempre ocurre con Mendelssohn, está llena de música de gran calidad y originalidad
@ClasicaAlAtardecer
LA SINFONÍA N.º 2 EN SI BEMOL MAYOR, Op. 52
La Sinfonía n.º 2 en si bemol mayor, Op. 52,, también conocida como "Lobgesang" que significa "Canto de alabanza" o "Himno de alabanza", es una sinfonía coral escrita por Felix Mendelssohn en 1840. Fue concebida para conmemorar el cuarto centenario de la invención de la imprenta por Johannes Gutenberg.
El estreno se celebró el 25 de junio de 1840 en la Iglesia de Santo Tomás de Leipzig, con voces solistas, coro y orquesta dirigidos por el propio compositor. Este concierto incluyó además del estreno de esta sinfonía, la Jubel-Ouvertüre de Carl Maria von Weber y el Te Deum "Dettingen" de Georg Friedrich Händel.
La primera edición fue llevada a cabo por la editorial Breitkopf & Härtel en 1841 en Leipzig. Se publicó como Sinfonía n.º, y la dedicatoria que figura en la partitura es para el rey Federico Augusto II de Sajonia.
La pieza consta de una parte sinfónica con tres movimientos puramente orquestales seguidos por una cantata con otros nueve para solistas, coro, órgano y orquesta.
🎵 I. Maestoso con moto – Allegro, en si bemol mayor 4/4
🎵 II. Allegretto un poco agitato, en sol menor 6/8
🎵 III. Adagio religioso, en re mayor 2/4
Todos los movimientos comparten material. El tema principal del movimiento inicial aparece en el trío del scherzo subsiguiente, y está presente en las secciones primera y última del Finale coral.
Maestoso con moto – Allegro
El primer movimiento, Maestoso con moto - Allegro, está escrito en la tonalidad de si bemol mayor y en compás de 4/4. Se abre impregnado de un aire ceremonial con un tema audaz y majestuoso entonado por los trombones, con frases de respuesta por parte de toda la orquesta. Mendelssohn ya había empleado este tema tres años antes en una composición del Salmo 42 y tiene una distinguida historia en el canon contrapuntístico. Otros compositores ya habían utilizado versiones de este tema, como Bach o Mozart en el Finale de su Sinfonía Júpiter. Este primer tema, con saltos y descensos, recibe un tratamiento de desarrollo durante la transición al segundo tema, que es muy similar a un tema del primer movimiento de la Sonata en si bemol mayor, Op. 22 de Beethoven. El tema con ritmo con puntillo de la introducción aparece en la sección de desarrollo, con un carácter completamente distinto.
Allegretto un poco agitato
El segundo movimiento, Allegretto un poco agitato, está en sol menor y en compás de 6/8. Es una pieza en forma de scherzo, con un canto inquieto y cadencioso. La atmósfera aquí no es tan juguetona como melancólica en las secciones exteriores, y francamente seria en la central, con su melodía coral entonada con severidad. El tema principal evoca la canción popular y con el balanceo oscilante del 6/8 se asemeja a una de las "Canciones de Gondolero" de sus Lieder ohne Worte. Una refrescante sección en la mayor presenta una conversación entre las cuerdas y los vientos.
Adagio religioso
El tercer movimiento, Adagio religioso, está en re mayor y en compás de 2/4. Es un conjunto de variaciones sobre una melodía similar a una canción. Parece que el compositor intenta emular el uso ocasional que hace Beethoven de acordes simples en bloque para producir un efecto majestuoso. No obstante, su concepción de la técnica hace que el tema principal se estanque. Recuerda al Adagio de su Sinfonía escocesa debido al tratamiento que Mendelssohn da a la orquesta.
La singularidad de esta obra es que fue compuesta para una ocasión especial, a saber, las celebraciones en Leipzig del cuarto centenario de la invención de la imprenta con tipos móviles por Johannes Gutenberg. Tras su estreno, la Sinfonía "Lobgesang" se hizo muy popular. Hoy en día se interpreta raramente. Una forma tan híbrida no siempre ha granjeado el favor de la crítica, pero ésta fue una obra popular en el siglo XIX y, como siempre ocurre con Mendelssohn, está llena de música de gran calidad y originalidad
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#Sinfonía2 #Mendelssohn #SergiuComissiona
Título: La Sinfonía n.º 2 en Si Bemol Mayor, Op. 52
Autor: Felix Mendelssohn
Movimientos:
🎵 I. Maestoso con moto – Allegro, en si bemol mayor 4/4
🎵 II. Allegretto un poco agitato, en sol menor 6/8
🎵 III. Adagio religioso, en re mayor 2/4
Interpretación:
Orquesta Sinfónica y Coro RTVE
Director:
Sergiu Comissiona
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Título: La Sinfonía n.º 2 en Si Bemol Mayor, Op. 52
Autor: Felix Mendelssohn
Movimientos:
🎵 I. Maestoso con moto – Allegro, en si bemol mayor 4/4
🎵 II. Allegretto un poco agitato, en sol menor 6/8
🎵 III. Adagio religioso, en re mayor 2/4
Interpretación:
Orquesta Sinfónica y Coro RTVE
Director:
Sergiu Comissiona
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
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#Arte #Música #Cinematografía #Clásica #Beethoven
SINFONÍA N°5 EN DO MENOR - LUDWIG VAN BEETHOVEN
@SonataLife
SINFONÍA N°5 EN DO MENOR - LUDWIG VAN BEETHOVEN
Fuente: 📽@SonataLife
#SinfoníaFausto #Liszt #VladimirJurowski #MarcoJentzsch
LA SINFONÍA FAUSTO
La Sinfonía Fausto, o simplemente la "Sinfonía Fausto", es una sinfonía coral escrita por el compositor húngaro Franz Liszt.
La obra está inspirada en la obra de Johann Wolfgang von Goethe, Fausto. Aunque existen algunos fragmentos que datan de 1840, la Sinfonía Fausto fue escrita en Weimar, en el verano de 1854. La obra fue revisada en los siguientes años, con unos compases para metal y un Chorus Mysticus añadido al final, en las que las palabras de Fausto (Parte II) son cantadas por un coro masculino y un solista tenor en la mitad del movimiento. También se hicieron otros cambios menores y mayores. En 1880 Liszt añadió diez compases más al segundo movimiento.
La sinfonía fue estrenada el 5 de septiembre de 1857, para la inauguración del monumento a Goethe y Schiller.
Está sinfónica está compuesta por 3 movimientos:
🎵 I. Fausto
🎵 II. Margarita
🎵 III.Mefistófeles
El primer movimiento está dedicado a Fausto. Escrito en forma sonata es un extenso allegro, que refleja los conflictos del alma de Fausto. El tema principal o sea el tema de Fausto usa las doce notas de la escala cromática, anticipándose en parte a las técnicas atonales del próximo siglo. El tema lento assai, parece reflejar la exploración de Fausto de todos los aspectos naturales y los más obscuros sobrenaturales. El allegro impetuoso repite el tema inicial en el tutti de la orquesta. El fagot solista presenta una desolada variación, antes de que los violines presenten un nuevo tema, que se resuelve en una expresiva melodía, allegro agitato ed appassionato.
El segundo movimiento está dedicado a Margarita (Gretchen). Es un andante soave de carácter lírico, expresando los sentimientos de una forma delicada. Siguiendo a una corta introducción, el oboe presenta el tema principal acompañado por la viola. Después de una serie de repeticiones variadas se llega a una cadenza del oboe y se detiene el movimiento un instante.
Continúa con una serie de transiciones, presentando la cuerda el segundo tema lleno de un amplio lirismo. La melodía se rompe en un desapacible final presagiando los sufrimientos de la dulce Margarita. Entonces aparece el tema de Fausto escuchado en el primer movimiento, marcando su irrupción en el apacible mundo de la joven. Después escuchamos de nuevo el tema de amor de Fausto.
El tercer movimiento se titula Mefistófeles. Es una parodia grotesca del primer movimiento usando deformaciones negativas de los temas de Fausto. Solamente emplea un nuevo tema proveniente de su juvenil Concierto para piano y cuerdas titulado Malédiction. Mefistófeles se presenta a Fausto con la frase “Ich bin der Geist, der stets verneint!” (Soy el espíritu que siempre niega). Por ello no tendrá temas propios, solo negaciones de los temas de Fausto.
Consiste en un allegro vivace, ironico que empieza con una serie de figuras sin afirmación tonal. Continúa con la negación del tema de Fausto del primer movimiento y del tema del allegro agitato también de Fausto, que culmina en un tutti de la orquesta. Después aparece el tema de su juvenil concierto Malédiction. Sigue una sección en fugato antes de aparecer el tema heroico de Fausto también deformado, a modo de burla que le hace el diablo riéndose de su heroicidad.
La obra termina con un coro final que emplea los últimos versos de la Segunda parte del Fausto de Goethe. Interpretado por un coro de voces masculinas. Representan a los ángeles que se llevan el alma de Fausto en el triunfo final del Amor. El coro de hombres canta los seis primeros versos de un modo estático. El tenor solista canta con el tema de Margarita los dos últimos versos.
El tenor solista levanta entonces el murmullo del coro y comienza a cantar las dos últimas líneas del texto, enfatizando el poder de la salvación a través de la Femineidad Eterna. La sinfonía acaba con un clímax del coro y la orquesta, respaldada por unos acordes mantenidos por el órgano
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LA SINFONÍA FAUSTO
La Sinfonía Fausto, o simplemente la "Sinfonía Fausto", es una sinfonía coral escrita por el compositor húngaro Franz Liszt.
La obra está inspirada en la obra de Johann Wolfgang von Goethe, Fausto. Aunque existen algunos fragmentos que datan de 1840, la Sinfonía Fausto fue escrita en Weimar, en el verano de 1854. La obra fue revisada en los siguientes años, con unos compases para metal y un Chorus Mysticus añadido al final, en las que las palabras de Fausto (Parte II) son cantadas por un coro masculino y un solista tenor en la mitad del movimiento. También se hicieron otros cambios menores y mayores. En 1880 Liszt añadió diez compases más al segundo movimiento.
La sinfonía fue estrenada el 5 de septiembre de 1857, para la inauguración del monumento a Goethe y Schiller.
Está sinfónica está compuesta por 3 movimientos:
🎵 I. Fausto
🎵 II. Margarita
🎵 III.Mefistófeles
El primer movimiento está dedicado a Fausto. Escrito en forma sonata es un extenso allegro, que refleja los conflictos del alma de Fausto. El tema principal o sea el tema de Fausto usa las doce notas de la escala cromática, anticipándose en parte a las técnicas atonales del próximo siglo. El tema lento assai, parece reflejar la exploración de Fausto de todos los aspectos naturales y los más obscuros sobrenaturales. El allegro impetuoso repite el tema inicial en el tutti de la orquesta. El fagot solista presenta una desolada variación, antes de que los violines presenten un nuevo tema, que se resuelve en una expresiva melodía, allegro agitato ed appassionato.
El segundo movimiento está dedicado a Margarita (Gretchen). Es un andante soave de carácter lírico, expresando los sentimientos de una forma delicada. Siguiendo a una corta introducción, el oboe presenta el tema principal acompañado por la viola. Después de una serie de repeticiones variadas se llega a una cadenza del oboe y se detiene el movimiento un instante.
Continúa con una serie de transiciones, presentando la cuerda el segundo tema lleno de un amplio lirismo. La melodía se rompe en un desapacible final presagiando los sufrimientos de la dulce Margarita. Entonces aparece el tema de Fausto escuchado en el primer movimiento, marcando su irrupción en el apacible mundo de la joven. Después escuchamos de nuevo el tema de amor de Fausto.
El tercer movimiento se titula Mefistófeles. Es una parodia grotesca del primer movimiento usando deformaciones negativas de los temas de Fausto. Solamente emplea un nuevo tema proveniente de su juvenil Concierto para piano y cuerdas titulado Malédiction. Mefistófeles se presenta a Fausto con la frase “Ich bin der Geist, der stets verneint!” (Soy el espíritu que siempre niega). Por ello no tendrá temas propios, solo negaciones de los temas de Fausto.
Consiste en un allegro vivace, ironico que empieza con una serie de figuras sin afirmación tonal. Continúa con la negación del tema de Fausto del primer movimiento y del tema del allegro agitato también de Fausto, que culmina en un tutti de la orquesta. Después aparece el tema de su juvenil concierto Malédiction. Sigue una sección en fugato antes de aparecer el tema heroico de Fausto también deformado, a modo de burla que le hace el diablo riéndose de su heroicidad.
La obra termina con un coro final que emplea los últimos versos de la Segunda parte del Fausto de Goethe. Interpretado por un coro de voces masculinas. Representan a los ángeles que se llevan el alma de Fausto en el triunfo final del Amor. El coro de hombres canta los seis primeros versos de un modo estático. El tenor solista canta con el tema de Margarita los dos últimos versos.
El tenor solista levanta entonces el murmullo del coro y comienza a cantar las dos últimas líneas del texto, enfatizando el poder de la salvación a través de la Femineidad Eterna. La sinfonía acaba con un clímax del coro y la orquesta, respaldada por unos acordes mantenidos por el órgano
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#SinfoníaFausto #Liszt #VladimirJurowski #MarcoJentzsch
Título: La Sinfonía Fausto
Autor: Franz Liszt
Movimientos:
🎵 I. Fausto
🎵 II. Margarita
🎵 III.Mefistófeles
Interpretación:
Marco Jentzsch - Tenor
Coro Filarmónico de Londres
Coro de la Sinfónica de Londres
Orquesta Filarmónica de Londres
Director:
Vladimir Jurowski
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Título: La Sinfonía Fausto
Autor: Franz Liszt
Movimientos:
🎵 I. Fausto
🎵 II. Margarita
🎵 III.Mefistófeles
Interpretación:
Marco Jentzsch - Tenor
Coro Filarmónico de Londres
Coro de la Sinfónica de Londres
Orquesta Filarmónica de Londres
Director:
Vladimir Jurowski
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#ElPadrino #NinoRota #AndréRieu
EL PADRINO
Nino Rota firmó una de las partituras más recordadas de la historia del cine. Una composición evocadora, rebosante de pesadumbre y recuerdo. Una BSO inmortal.
El compositor se quedó un tanto sorprendido cuando el director Francis Ford Coppola le llamó para, parafraseando al personaje de Marlon Brando, "hacerle una oferta que no podía rechazar". El italiano quiso ver antes el trabajo y el cineasta se fue hasta Italia (con el primer montaje, que duraba unas cinco horas). Rota aceptó el cargo. Fue idea del propio Coppola usar un vals para acompañar la personalidad de su personaje principal y la de su familia, dado que este baile se basa en movimientos circulares, una referencia a la espiral casi interminable de delitos en la que están envueltos los Corleone.
El tema conocido también como el tema de amor, se había compuesto para 'Fortunella'. Dicha composición fue rescatada por Rota dado que iba perfecto para la historia, concretamente para ese viaje de Michael a Sicilia, el momento en el que Michael, un Corleone, se acerca a sus raíces, al inicio de todo. La música tenía que resaltar esa halo de tristeza, añoranza y legado de una estirpe.
Lo característico de la famosa banda sonora, y sobre todo ese vals que se reitera a lo largo del metraje, es lo paradójico que resulta: es una música que evoca nostalgia. Rota traduce en su creación esa nostalgia de la relación padre-hijo. El vals para la cinta establece la naturaleza particular del poder de la familia Corleone: arraigado en una nostalgia perenne y en búsqueda de constante renovación.
La película parece ser consciente de lo que depara el futuro, pero mientras Coppola hace que el público y los personajes de la película vayan descubriendo ese final, Rota da pistas a través de su tema principal. Es como si el Vals musitara la frase "Nunca quise esto para ti, Michael", antes de que el mismo Vito Corleone la pronuncie. La música por tanto funciona como nexo: ese vals se coloca entre las escenas que hacen la transición de padre a hijo, es un vínculo más de ambos personajes, señala el camino que recorrerá Michael hasta convertirse en el Don. Rota consiguió que ese legado mafioso se pudiera convertir en notas musicales. Todo lo que no se verbaliza en la película se hace melodía, como un apunte más de lo que le depara a Michael en su futuro.
@ClasicaAlAtardecer
EL PADRINO
Nino Rota firmó una de las partituras más recordadas de la historia del cine. Una composición evocadora, rebosante de pesadumbre y recuerdo. Una BSO inmortal.
El compositor se quedó un tanto sorprendido cuando el director Francis Ford Coppola le llamó para, parafraseando al personaje de Marlon Brando, "hacerle una oferta que no podía rechazar". El italiano quiso ver antes el trabajo y el cineasta se fue hasta Italia (con el primer montaje, que duraba unas cinco horas). Rota aceptó el cargo. Fue idea del propio Coppola usar un vals para acompañar la personalidad de su personaje principal y la de su familia, dado que este baile se basa en movimientos circulares, una referencia a la espiral casi interminable de delitos en la que están envueltos los Corleone.
El tema conocido también como el tema de amor, se había compuesto para 'Fortunella'. Dicha composición fue rescatada por Rota dado que iba perfecto para la historia, concretamente para ese viaje de Michael a Sicilia, el momento en el que Michael, un Corleone, se acerca a sus raíces, al inicio de todo. La música tenía que resaltar esa halo de tristeza, añoranza y legado de una estirpe.
Lo característico de la famosa banda sonora, y sobre todo ese vals que se reitera a lo largo del metraje, es lo paradójico que resulta: es una música que evoca nostalgia. Rota traduce en su creación esa nostalgia de la relación padre-hijo. El vals para la cinta establece la naturaleza particular del poder de la familia Corleone: arraigado en una nostalgia perenne y en búsqueda de constante renovación.
La película parece ser consciente de lo que depara el futuro, pero mientras Coppola hace que el público y los personajes de la película vayan descubriendo ese final, Rota da pistas a través de su tema principal. Es como si el Vals musitara la frase "Nunca quise esto para ti, Michael", antes de que el mismo Vito Corleone la pronuncie. La música por tanto funciona como nexo: ese vals se coloca entre las escenas que hacen la transición de padre a hijo, es un vínculo más de ambos personajes, señala el camino que recorrerá Michael hasta convertirse en el Don. Rota consiguió que ese legado mafioso se pudiera convertir en notas musicales. Todo lo que no se verbaliza en la película se hace melodía, como un apunte más de lo que le depara a Michael en su futuro.
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#ElPadrino #NinoRota #AndréRieu
Título: El Padrino
Autor: Nino Rota
Interpretación:
André Rieu - Violin
La Orquesta Johann Strauss
Director:
André Rieu
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Título: El Padrino
Autor: Nino Rota
Interpretación:
André Rieu - Violin
La Orquesta Johann Strauss
Director:
André Rieu
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#FugaconPajarillo #AldemaroRomero #GustavoDudamel #AlexisCárdenas #DiegoÁlvarez #JorgeGlem
FUGA CON PAJARILLO
Como uno de los fundadores del estilo de onda nueva de Venezuela (que retomó la bossa nova brasileña y el joropo venezolano), el compositor y pianista Aldemaro Romero era conocido por su habilidad para mezclar canciones populares y elementos folclóricos con formas y técnicas clásicas. La Fuga con Pajarillo, que es un movimiento de su Suite No. 1 para Cuerdas, es una de las piezas musicales más hermosas que uno pueda escuchar alguna y muchas veces en la vida. La sola enunciación de su nombre logra la metamorfosis, que se va desatando en la liviandad del vuelo sobre las llanuras del Orinoco. Si uno está triste, llora, llora mucho por Venezuela, mientras va planeando el amor intenso y feliz por ese país latinoamericano.
Esta es maravillosa pieza,es difícil de montar, pero hermosa. "Un pajarillo es un baile típico venezolano, quizás el más famoso, junto con el joropo. Es como un vals, pero con el acento en el ritmo débil, no "un dos tres, un dos tres", sino "un dos tres, un dos tres". ¡No es un baile cómodo! La pieza es un pajarillo, pero en combinación con una compleja fuga (una forma de imitación musical, como una ronda).
El pajarillo que impregna la melodía y el ritmo da un sentido de improvisación y contrasta con la forma fugaz predeterminada. Esto es lo que hace que esta pieza sea tan fascinante.
Fuga con pajarillo, en la versión de Gustavo Dudamel, uno de los genios contemporáneos de la música, es armonía infinita entre el arpa, el cuatro, los sonidos de viento y el predominio de miles de cuerdas de violín. Cuando suenan todos juntos, el pajarillo desafiante logra el escape con estrategia de contrapunteo, rapidez, pausa y movimiento, hasta alzarse al fin y sostenerse joropeando en el aire puro de los llanos venezolanos.
@ClasicaAlAtardecer
FUGA CON PAJARILLO
Como uno de los fundadores del estilo de onda nueva de Venezuela (que retomó la bossa nova brasileña y el joropo venezolano), el compositor y pianista Aldemaro Romero era conocido por su habilidad para mezclar canciones populares y elementos folclóricos con formas y técnicas clásicas. La Fuga con Pajarillo, que es un movimiento de su Suite No. 1 para Cuerdas, es una de las piezas musicales más hermosas que uno pueda escuchar alguna y muchas veces en la vida. La sola enunciación de su nombre logra la metamorfosis, que se va desatando en la liviandad del vuelo sobre las llanuras del Orinoco. Si uno está triste, llora, llora mucho por Venezuela, mientras va planeando el amor intenso y feliz por ese país latinoamericano.
Esta es maravillosa pieza,es difícil de montar, pero hermosa. "Un pajarillo es un baile típico venezolano, quizás el más famoso, junto con el joropo. Es como un vals, pero con el acento en el ritmo débil, no "un dos tres, un dos tres", sino "un dos tres, un dos tres". ¡No es un baile cómodo! La pieza es un pajarillo, pero en combinación con una compleja fuga (una forma de imitación musical, como una ronda).
El pajarillo que impregna la melodía y el ritmo da un sentido de improvisación y contrasta con la forma fugaz predeterminada. Esto es lo que hace que esta pieza sea tan fascinante.
Fuga con pajarillo, en la versión de Gustavo Dudamel, uno de los genios contemporáneos de la música, es armonía infinita entre el arpa, el cuatro, los sonidos de viento y el predominio de miles de cuerdas de violín. Cuando suenan todos juntos, el pajarillo desafiante logra el escape con estrategia de contrapunteo, rapidez, pausa y movimiento, hasta alzarse al fin y sostenerse joropeando en el aire puro de los llanos venezolanos.
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#FugaconPajarillo #AldemaroRomero #GustavoDudamel #AlexisCárdenas #DiegoÁlvarez #JorgeGlem
Título: Fuga con Pajarillo
Autor: Aldemaro Romero
Interpretación:
Alexis Cárdenas - Violín
Diego Álvarez - Cajón
Jorge Glem - Cuatro
Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar
Director:
Gustavo Dudamel
@ClasicaAlAtardecer
Título: Fuga con Pajarillo
Autor: Aldemaro Romero
Interpretación:
Alexis Cárdenas - Violín
Diego Álvarez - Cajón
Jorge Glem - Cuatro
Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar
Director:
Gustavo Dudamel
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#SonataParaViolín #SonataParaGuitarra #Sonata6 #Paganini #SebastianBohren #AljažCvirn #Halloween
EL DIABÓLICO MITO DE PAGANINI
El magnífico Niccolo Paganini es uno de los de los músicos más virtuosos que nos ha dado la historia. Nacido en Génova en 1782, su inigualable talento musical y personalidad enigmática han atrapado el interés de la sociedad y la cultura durante décadas, siendo protagonista de misterios y leyendas que encierran su nombre buscando revelar el gran enigma que creen que se esconde tras semejante virtuosismo.
Durante mucho tiempo, en los salones musicales de media Europa, corrió un rumor que hasta hoy no ha podido ser desmentido. Paganini, considerado por muchos como uno de los mejores violinistas de todos los tiempos, había vendido su alma al demonio para obtener un extraordinario virtuosismo.
Los rumores sobre el trato con el maligno comenzaron cuando Paganini contaba con sólo 5 años, cuando el diablo supuestamente se le apareció en sueños a su madre, Teresa Bocciardo, asegurándole que, a cambio de su alma, su hijo sería un violinista de fama mundial. Ante tamaña revelación, se cuenta que su padre, Antonio Paganini, un virtuoso con la mandolina y el violín, obligó al pequeño Niccolo a practicar durante más de diez horas diarias.
Otra versión, contada por algunos conocidos del músico, por el contrario, aseguraba que el mismo Paganini, ya joven, se había postrado delante del maligno para repetirle el juramento: “Le dijo que su alma era suya a cambio de tocar como un ángel. Se encendió una luz que nos cegó. Paganini se puso de pie y siguió su camino”.
Paganini podía pasar de tocar en el violín pasajes tan tiernos como para hacer llorar al espectador como realizar una interpretación con tanta fuerza y velocidad que aún no se ha podido superar.
Con 31 años ya era considerado un virtuoso del violín, con un oído absoluto y una entonación perfecta. Tan perfecta era su técnica y su interpretación que algunos no dudaron en calificarla de auténtico pacto con el diablo.
Sus adelantos musicales asombraron desde un principio y se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "nota 13".
Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas del violín, y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban.
Finalmente, durante un concierto, un espectador afirmó haber visto al diablo tocando junto al violinista. No hizo falta demasiado para que el rumor fuera esparcido, mientras muchas otras personas afirmaban también haber visto fenómenos extraños como fantasmas en el escenario o haber visto al violín flotando, tocándose solo, frente a las multitudes que iban a ver a Paganini.
Según cuenta en su libro el estudioso Philip Sandblom, pocos genios han experimentado tanta fortuna como Paganini. Este, además de estar asolado por una serie de afecciones crónicas también tenía el síndrome de Ehlers-Danlos, un grupo de alteraciones genéticas raras que afectan a los seres humanos provocado por un defecto en la síntesis de la falta o escasez de colágeno.
Esta afección provoca una excesiva flexibilidad de las articulaciones. Esto, aseguró este experto, permitió a Paganini realizar su dificilísima técnica con el violín.
Sus composiciones incluyen 24 caprichos para violín, que se encuentran entre las obras más difíciles que se han escrito para el instrumento, 6 conciertos para violín, 12 sonatas para violín y guitarra y 6 cuartetos para violín, viola, violonchelo y guitarra.
@ClasicaAlAtardecer
EL DIABÓLICO MITO DE PAGANINI
El magnífico Niccolo Paganini es uno de los de los músicos más virtuosos que nos ha dado la historia. Nacido en Génova en 1782, su inigualable talento musical y personalidad enigmática han atrapado el interés de la sociedad y la cultura durante décadas, siendo protagonista de misterios y leyendas que encierran su nombre buscando revelar el gran enigma que creen que se esconde tras semejante virtuosismo.
Durante mucho tiempo, en los salones musicales de media Europa, corrió un rumor que hasta hoy no ha podido ser desmentido. Paganini, considerado por muchos como uno de los mejores violinistas de todos los tiempos, había vendido su alma al demonio para obtener un extraordinario virtuosismo.
Los rumores sobre el trato con el maligno comenzaron cuando Paganini contaba con sólo 5 años, cuando el diablo supuestamente se le apareció en sueños a su madre, Teresa Bocciardo, asegurándole que, a cambio de su alma, su hijo sería un violinista de fama mundial. Ante tamaña revelación, se cuenta que su padre, Antonio Paganini, un virtuoso con la mandolina y el violín, obligó al pequeño Niccolo a practicar durante más de diez horas diarias.
Otra versión, contada por algunos conocidos del músico, por el contrario, aseguraba que el mismo Paganini, ya joven, se había postrado delante del maligno para repetirle el juramento: “Le dijo que su alma era suya a cambio de tocar como un ángel. Se encendió una luz que nos cegó. Paganini se puso de pie y siguió su camino”.
Paganini podía pasar de tocar en el violín pasajes tan tiernos como para hacer llorar al espectador como realizar una interpretación con tanta fuerza y velocidad que aún no se ha podido superar.
Con 31 años ya era considerado un virtuoso del violín, con un oído absoluto y una entonación perfecta. Tan perfecta era su técnica y su interpretación que algunos no dudaron en calificarla de auténtico pacto con el diablo.
Sus adelantos musicales asombraron desde un principio y se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "nota 13".
Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas del violín, y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban.
Finalmente, durante un concierto, un espectador afirmó haber visto al diablo tocando junto al violinista. No hizo falta demasiado para que el rumor fuera esparcido, mientras muchas otras personas afirmaban también haber visto fenómenos extraños como fantasmas en el escenario o haber visto al violín flotando, tocándose solo, frente a las multitudes que iban a ver a Paganini.
Según cuenta en su libro el estudioso Philip Sandblom, pocos genios han experimentado tanta fortuna como Paganini. Este, además de estar asolado por una serie de afecciones crónicas también tenía el síndrome de Ehlers-Danlos, un grupo de alteraciones genéticas raras que afectan a los seres humanos provocado por un defecto en la síntesis de la falta o escasez de colágeno.
Esta afección provoca una excesiva flexibilidad de las articulaciones. Esto, aseguró este experto, permitió a Paganini realizar su dificilísima técnica con el violín.
Sus composiciones incluyen 24 caprichos para violín, que se encuentran entre las obras más difíciles que se han escrito para el instrumento, 6 conciertos para violín, 12 sonatas para violín y guitarra y 6 cuartetos para violín, viola, violonchelo y guitarra.
A pesar de la gran admiración y respeto que Paganini llegó a obtener estando en vida, las supersticiones, así como la magia y la brujería permeaban el imaginario colectivo de la época, debido a ello, después de su muerte se le negó ser sepultado bajo el rito cristiano. Mas Paganini nunca intentó desmentir el mito sobre su pacto con Lucifer, al contrario, durante toda su vida se esforzó en contribuir a su expansión y a vivir como un total enigma. Lo que valió el título "Del Violinista del Diablo".@ClasicaAlAtardecer
