#Sinfonía3 #RomeoyJulieta #HectorBerlioz #DanielHarding #VirginieVerrez #AndrewStaples #EdwinCrossley
ROMEO Y JULIETA OP. 17 Y H.79, (1/3)
Romeo y Julieta (Roméo et Juliette en francés es el título original) es una symphonie dramatique, una sinfonía coral a gran escala, para solistas, coro y orquesta del compositor francés Hector Berlioz, basada en la obra homónima de William Shakespeare. El libreto fue escrito por Émile Deschamps y corresponde al Op. 17 y H. 79. Fue estrenada en el conservatorio de París el 24 de noviembre de 1839. La primera audición se produce el 24 de noviembre en el Conservatorio de París, dirigida por su propio autor, que después de los problemas ocurridos en el estreno de “Harold en Italia”, ya no se fiaba de los otros directores. El éxito fue rotundo. Entre los espectadores de su estreno se encuentra Wagner, que se inspiró para la composición de su Obertura Fausto y más adelante para su Tristán. La sinfonía sufrió diversas correcciones, no siendo publicada hasta el año 1847.
El propio compositor escribió un prólogo para esta obra, explicando que se trataba de una verdadera sinfonía. “No es ni una ópera concertante, ni una cantata, es una sinfonía coral”. Los sentimientos y las pasiones están confiadas a la orquesta al contrario de la ópera. El famoso dúo de amor está interpretado por la orquesta, pues las palabras no pueden llegar a expresar lo que puede la música.
Berlioz cree en la continuación de la obra iniciada por Beethoven en su novena. La introducción de la voz humana en la sinfonía del futuro. Wagner también lo cree, pero de forma diferente, creando la ópera sinfónica. El tratamiento de Berlioz es el contrario, intenta construir la sinfonía operística. Wagner ve la sinfonía como un género agotado, Berlioz como un género que necesita una renovación. Acaso uno de los motivos de su conducta fueran los fracasos obtenidos en las representaciones de sus óperas. Lo verdaderamente cierto es que la forma cerrada de la sinfonía clásica se ha terminado. La forma sinfonía se destruye para renacer en una nueva forma mucho más libre, una forma en la que podrá perdurar en el futuro. La expresión domina a la forma.
Estructura de la pieza
Parte I
🎵 1. Introducción: Combats (Combate) - Tumulte (Tumulto)
Intervention du prince (Intervención del príncipe)
Prólogo – Estrofas - Scherzetto
Parte II
🎵 2. Roméo seul (Romeo solo) - Tristresse (Tristeza)
Bruits lointains de concert et de bal (Sonidos distantes del concierto y del baile)
Grande fête chez Capulet (Gran fiesta en lo de los capuletos)
🎵 3. Scène d'amour (Escena de amor) - Nuit serène (Noche serena)
Le jardin de Capulet silencieux et déserte (El jardín de los Capuletos en silencio y desierto)
Les jeunes Capulets sortant de la fête en chantant des réminiscences de la musique du bal - (Los jóvenes Capuletos saliendo del banquete y cantando canciones del baile)
🎵 4. Scherzo: La reine Mab, reine des songes (Scherzo de la reina Mab)
Parte III
🎵 5. Convoi funèbre de Juliette (Cortejo fúnebre de Julieta): "Jetez des fleurs pour la vierge expirée"
🎵 6. Roméo au tombeau des Capulets (Romeo en la tumba de los Capuletos)
Réveil de Juliette (Despertar de Julieta) - Joie délirante, désespoir (Alegría delirante, desesperación)
Dernières angoisses et mort des deux amants (Agonía y muerte de los amantes)
🎵 7. Finale
La foule accourt au cimetière (La multitud corre hacia el cementerio)
Des Capulets et des Montagus (Pelea entre los Capuletos y los Montescos)
Récitatif et Air du Père Lenfants que je pleure"
Serment de réconciliation: "Jurez donc par l'auguste symbole (Juramento de reconciliación)
@ClasicaAlAtardecer
ROMEO Y JULIETA OP. 17 Y H.79, (1/3)
Romeo y Julieta (Roméo et Juliette en francés es el título original) es una symphonie dramatique, una sinfonía coral a gran escala, para solistas, coro y orquesta del compositor francés Hector Berlioz, basada en la obra homónima de William Shakespeare. El libreto fue escrito por Émile Deschamps y corresponde al Op. 17 y H. 79. Fue estrenada en el conservatorio de París el 24 de noviembre de 1839. La primera audición se produce el 24 de noviembre en el Conservatorio de París, dirigida por su propio autor, que después de los problemas ocurridos en el estreno de “Harold en Italia”, ya no se fiaba de los otros directores. El éxito fue rotundo. Entre los espectadores de su estreno se encuentra Wagner, que se inspiró para la composición de su Obertura Fausto y más adelante para su Tristán. La sinfonía sufrió diversas correcciones, no siendo publicada hasta el año 1847.
El propio compositor escribió un prólogo para esta obra, explicando que se trataba de una verdadera sinfonía. “No es ni una ópera concertante, ni una cantata, es una sinfonía coral”. Los sentimientos y las pasiones están confiadas a la orquesta al contrario de la ópera. El famoso dúo de amor está interpretado por la orquesta, pues las palabras no pueden llegar a expresar lo que puede la música.
Berlioz cree en la continuación de la obra iniciada por Beethoven en su novena. La introducción de la voz humana en la sinfonía del futuro. Wagner también lo cree, pero de forma diferente, creando la ópera sinfónica. El tratamiento de Berlioz es el contrario, intenta construir la sinfonía operística. Wagner ve la sinfonía como un género agotado, Berlioz como un género que necesita una renovación. Acaso uno de los motivos de su conducta fueran los fracasos obtenidos en las representaciones de sus óperas. Lo verdaderamente cierto es que la forma cerrada de la sinfonía clásica se ha terminado. La forma sinfonía se destruye para renacer en una nueva forma mucho más libre, una forma en la que podrá perdurar en el futuro. La expresión domina a la forma.
Estructura de la pieza
Parte I
🎵 1. Introducción: Combats (Combate) - Tumulte (Tumulto)
Intervention du prince (Intervención del príncipe)
Prólogo – Estrofas - Scherzetto
Parte II
🎵 2. Roméo seul (Romeo solo) - Tristresse (Tristeza)
Bruits lointains de concert et de bal (Sonidos distantes del concierto y del baile)
Grande fête chez Capulet (Gran fiesta en lo de los capuletos)
🎵 3. Scène d'amour (Escena de amor) - Nuit serène (Noche serena)
Le jardin de Capulet silencieux et déserte (El jardín de los Capuletos en silencio y desierto)
Les jeunes Capulets sortant de la fête en chantant des réminiscences de la musique du bal - (Los jóvenes Capuletos saliendo del banquete y cantando canciones del baile)
🎵 4. Scherzo: La reine Mab, reine des songes (Scherzo de la reina Mab)
Parte III
🎵 5. Convoi funèbre de Juliette (Cortejo fúnebre de Julieta): "Jetez des fleurs pour la vierge expirée"
🎵 6. Roméo au tombeau des Capulets (Romeo en la tumba de los Capuletos)
Réveil de Juliette (Despertar de Julieta) - Joie délirante, désespoir (Alegría delirante, desesperación)
Dernières angoisses et mort des deux amants (Agonía y muerte de los amantes)
🎵 7. Finale
La foule accourt au cimetière (La multitud corre hacia el cementerio)
Des Capulets et des Montagus (Pelea entre los Capuletos y los Montescos)
Récitatif et Air du Père Lenfants que je pleure"
Serment de réconciliation: "Jurez donc par l'auguste symbole (Juramento de reconciliación)
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ROMEO Y JULIETA OP. 17 Y H.79, (2/3)
La sinfonía está estructurada por una parte inicial explicativa que actúa como prólogo, las cuatro partes de la sinfonía propiamente dicha y un final donde intervienen los coros.
La primera parte empieza con una introducción orquestal viva en forma fugada, representando las peleas entre las dos familias, Capuletos y Montescos, por los canales de Verona. Un solemne motivo interpretado por los trombones nos muestra la intervención del Príncipe. El fugato inicial reaparece fragmentariamente y pronto se calla, para dejar paso al pequeño coro que cuenta la acción. La contralto solista acompañada, como ya es habitual en Berlioz, por el arpa describe el drama. Se trata de un preludio descriptivo para que los oyentes puedan seguir la acción que nos describirá la música. El Príncipe interviene para detener la lucha a muerte entre las dos casas. El cabeza de familia de los Capuletos celebra una fiesta, como nos cuenta el coro.
Romeo perteneciente a los Montesco vaga por los alrededores del palacio pensando en su adorada Julieta. La orquesta interpreta el principio de los temas que más tarde serán desarrollados. La fiesta termina. El coro nos cuenta la famosa escena del balcón, anticipando la melodía de la escena de amor. La contralto solista, acompañada por el arpa, canta el primer amor de Julieta en la canción “Premiers transports”, que más tarde se interpretará separada de la sinfonía, como un lied acompañado por piano. El tenor solista acompañado por el coro se burla del amor de Romeo, en una canción que habla del hechizo que la reina Mab, la reina de las hadas y los sueños, según la obra de Shakespeare, ha realizado sobre el amante.
La segunda parte es el primer movimiento de la sinfonía en forma de andante. Empieza con un andante interpretado por los violines solos, un pasaje aéreo, con suspiros que presenta la soledad de Romeo y su tristeza. El oboe toma el tema desarrollándolo. Una figura rítmica, anuncio del baile, interrumpe el nostálgico tema. Se contrapone la melodía del oboe. Llega el allegro, empieza el baile. Es la descripción sinfónica de la gran fiesta celebrada en la mansión de los Capuleto. La fiesta se anima, sentimos las explosiones del viento y la percusión. De repente se detiene, escuchándose la melodía del oboe. Vemos a Romeo en silencio, solo y triste.
La tercera parte es el adagio de la sinfonía. Su parte más intensa y romántica, la famosa escena de amor. La orquesta nos presenta una cálida noche de verano. Suena una trompa con una llamada basada en dos notas y trozos de temas del anterior allegro, nos llevan a los jóvenes Capuleto que salen de la fiesta. Se escuchan sus cantos de despedida, por medio de parte del coro situado fuera de la escena. Luego el silencio y la cuerda inicia la escena de amor. Susurros de la cuerda y suspiros interpretados por el corno inglés y el clarinete van iniciando el tema. Aparece finalmente el apasionado tema de la escena de amor. Música sensual y apasionada, llegamos a una cumbre del romanticismo. Pero no es una música totalmente feliz, al estar empañada por sentimientos que presienten la tragedia que está a punto de ocurrir.
La cuarta parte corresponde al scherzo de la obra. Por medio de una orquestación transparente, el rápido movimiento se envuelve de ensueño y magia. Es la fiesta de los sueños de la reina Mab, citada anteriormente por los coros. La reina de las hadas y de los sueños envuelve a los amantes en su tela de araña. El trío presentado por las maderas continúa el clima cristalino. Las fanfarrias de las trompas intervienen en la repetición del scherzo, aumentando la atmósfera de fantasía, con la percusión de campanillas en su parte final.
Berlioz había escrito un segundo prólogo que eliminó mas tarde y no lo publicó en la edición revisada de 1847. Observó que detenía la acción y hacía a la obra demasiado reiterativa, por lo cual ahora enlaza esta parte con el final.
@ClasicaAlAtardecer
ROMEO Y JULIETA OP. 17 Y H.79, (2/3)
La sinfonía está estructurada por una parte inicial explicativa que actúa como prólogo, las cuatro partes de la sinfonía propiamente dicha y un final donde intervienen los coros.
La primera parte empieza con una introducción orquestal viva en forma fugada, representando las peleas entre las dos familias, Capuletos y Montescos, por los canales de Verona. Un solemne motivo interpretado por los trombones nos muestra la intervención del Príncipe. El fugato inicial reaparece fragmentariamente y pronto se calla, para dejar paso al pequeño coro que cuenta la acción. La contralto solista acompañada, como ya es habitual en Berlioz, por el arpa describe el drama. Se trata de un preludio descriptivo para que los oyentes puedan seguir la acción que nos describirá la música. El Príncipe interviene para detener la lucha a muerte entre las dos casas. El cabeza de familia de los Capuletos celebra una fiesta, como nos cuenta el coro.
Romeo perteneciente a los Montesco vaga por los alrededores del palacio pensando en su adorada Julieta. La orquesta interpreta el principio de los temas que más tarde serán desarrollados. La fiesta termina. El coro nos cuenta la famosa escena del balcón, anticipando la melodía de la escena de amor. La contralto solista, acompañada por el arpa, canta el primer amor de Julieta en la canción “Premiers transports”, que más tarde se interpretará separada de la sinfonía, como un lied acompañado por piano. El tenor solista acompañado por el coro se burla del amor de Romeo, en una canción que habla del hechizo que la reina Mab, la reina de las hadas y los sueños, según la obra de Shakespeare, ha realizado sobre el amante.
La segunda parte es el primer movimiento de la sinfonía en forma de andante. Empieza con un andante interpretado por los violines solos, un pasaje aéreo, con suspiros que presenta la soledad de Romeo y su tristeza. El oboe toma el tema desarrollándolo. Una figura rítmica, anuncio del baile, interrumpe el nostálgico tema. Se contrapone la melodía del oboe. Llega el allegro, empieza el baile. Es la descripción sinfónica de la gran fiesta celebrada en la mansión de los Capuleto. La fiesta se anima, sentimos las explosiones del viento y la percusión. De repente se detiene, escuchándose la melodía del oboe. Vemos a Romeo en silencio, solo y triste.
La tercera parte es el adagio de la sinfonía. Su parte más intensa y romántica, la famosa escena de amor. La orquesta nos presenta una cálida noche de verano. Suena una trompa con una llamada basada en dos notas y trozos de temas del anterior allegro, nos llevan a los jóvenes Capuleto que salen de la fiesta. Se escuchan sus cantos de despedida, por medio de parte del coro situado fuera de la escena. Luego el silencio y la cuerda inicia la escena de amor. Susurros de la cuerda y suspiros interpretados por el corno inglés y el clarinete van iniciando el tema. Aparece finalmente el apasionado tema de la escena de amor. Música sensual y apasionada, llegamos a una cumbre del romanticismo. Pero no es una música totalmente feliz, al estar empañada por sentimientos que presienten la tragedia que está a punto de ocurrir.
La cuarta parte corresponde al scherzo de la obra. Por medio de una orquestación transparente, el rápido movimiento se envuelve de ensueño y magia. Es la fiesta de los sueños de la reina Mab, citada anteriormente por los coros. La reina de las hadas y de los sueños envuelve a los amantes en su tela de araña. El trío presentado por las maderas continúa el clima cristalino. Las fanfarrias de las trompas intervienen en la repetición del scherzo, aumentando la atmósfera de fantasía, con la percusión de campanillas en su parte final.
Berlioz había escrito un segundo prólogo que eliminó mas tarde y no lo publicó en la edición revisada de 1847. Observó que detenía la acción y hacía a la obra demasiado reiterativa, por lo cual ahora enlaza esta parte con el final.
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#Sinfonía3 #RomeoyJulieta #HectorBerlioz #DanielHarding #VirginieVerrez #AndrewStaples #EdwinCrossley
ROMEO Y JULIETA OP. 17 Y H.79, (3/3)
Escuchamos la triste procesión fúnebre que acompaña a Julieta. Participa el coro cantando una salmodia. Primero domina la orquesta sobre el canto monótono del coro, pero a la mitad de esta sección, intercambian los papeles y el protagonismo corresponde al coro. Luego sigue el último movimiento sinfónico. Pasa la procesión acompañada por una imitación de campana, realizada por los violines tocando repetidas notas mi. Escuchamos la muerte de Paris a la entrada de la tumba. Vemos al moribundo Romeo junto a la tumba de Julieta. El corno inglés, fagots y trompas interpretan solemnemente una extensa melodía. Julieta despierta, renace el tema de amor en el clarinete. Pero la alegría es breve, viene el desespero y la angustia, terminando con la muerte de los amantes. El tema de amor es desgarrado por las notas agudas de los violines tocadas en trémolos, aferrándose a la vida. Un fortissimo violento corta la escena, un último eco del sueño de Romeo y luego el silencio. La nada.
El final sirve para culminar la escena, como un postludio. Una introducción tormentosa de los coros describe la entrada de los Capuletos y los Montescos en la tumba. Es un recitativo dramático para bajo, interrumpido por exclamaciones corales. Explica que los casó y luego dio un brebaje a Julieta para que simulara su muerte. Pero Romeo se adelantó a su tumba y pensando que Julieta estaba muerta, hundió el puñal en su propio corazón. Al despertar Julieta, ve con espanto que Romeo está muerto, toma el puñal y pasa también a la eternidad.
La multitud llega a la tumba de los Capuletos y se encuentra con el trágico espectáculo de los jóvenes amantes muertos. Fray Lorenzo relata lo sucedido en el aria “Pauvres enfants que je pleure”, y ambas familias se enfrentan a través de una fuga coral basada en el comienzo del primer movimiento. Con su grito “Silence, malheureux” Fray Lorenzo interrumpe este enfrentamiento e insta a ambas familias a la reconciliación frente a la tragedia ocurrida. En el brillante final todos sellan el juramento de reconciliación y deciden dejar de lado por siempre sus antiguas disputas.
@ClasicaAlAtardecer
ROMEO Y JULIETA OP. 17 Y H.79, (3/3)
Escuchamos la triste procesión fúnebre que acompaña a Julieta. Participa el coro cantando una salmodia. Primero domina la orquesta sobre el canto monótono del coro, pero a la mitad de esta sección, intercambian los papeles y el protagonismo corresponde al coro. Luego sigue el último movimiento sinfónico. Pasa la procesión acompañada por una imitación de campana, realizada por los violines tocando repetidas notas mi. Escuchamos la muerte de Paris a la entrada de la tumba. Vemos al moribundo Romeo junto a la tumba de Julieta. El corno inglés, fagots y trompas interpretan solemnemente una extensa melodía. Julieta despierta, renace el tema de amor en el clarinete. Pero la alegría es breve, viene el desespero y la angustia, terminando con la muerte de los amantes. El tema de amor es desgarrado por las notas agudas de los violines tocadas en trémolos, aferrándose a la vida. Un fortissimo violento corta la escena, un último eco del sueño de Romeo y luego el silencio. La nada.
El final sirve para culminar la escena, como un postludio. Una introducción tormentosa de los coros describe la entrada de los Capuletos y los Montescos en la tumba. Es un recitativo dramático para bajo, interrumpido por exclamaciones corales. Explica que los casó y luego dio un brebaje a Julieta para que simulara su muerte. Pero Romeo se adelantó a su tumba y pensando que Julieta estaba muerta, hundió el puñal en su propio corazón. Al despertar Julieta, ve con espanto que Romeo está muerto, toma el puñal y pasa también a la eternidad.
La multitud llega a la tumba de los Capuletos y se encuentra con el trágico espectáculo de los jóvenes amantes muertos. Fray Lorenzo relata lo sucedido en el aria “Pauvres enfants que je pleure”, y ambas familias se enfrentan a través de una fuga coral basada en el comienzo del primer movimiento. Con su grito “Silence, malheureux” Fray Lorenzo interrumpe este enfrentamiento e insta a ambas familias a la reconciliación frente a la tragedia ocurrida. En el brillante final todos sellan el juramento de reconciliación y deciden dejar de lado por siempre sus antiguas disputas.
Si bien la reconciliación de los Capuletos y Montescos se produce al final de la obra de Shakespeare, en esta sinfonía ocupa un espacio mucho más relevante, de tal forma que la obra culmina con un mensaje positivo y esperanzador, análogo al del final de la novena sinfonía de Beethoven.@ClasicaAlAtardecer
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#Sinfonía3 #RomeoyJulieta #HectorBerlioz #DanielHarding #VirginieVerrez #AndrewStaples #EdwinCrossley
Título: Romeo y Julieta, op. 17 H.79
Autor: Hector Berlioz
Movimientos:
🎵 1. Introducción: Combats (Combate) - Tumulte (Tumulto).
🎵 2. Roméo seul (Romeo solo) - Tristresse (Tristeza)
🎵 3. Scène d'amour (Escena de amor) - Nuit serène (Noche serena)
🎵 4. Scherzo: La reine Mab, reine des songes (Scherzo de la reina Mab)
🎵 5. Convoi funèbre de Juliette (Cortejo fúnebre de Julieta): "Jetez des fleurs pour la vierge expirée"
🎵 6. Roméo au tombeau des Capulets (Romeo en la tumba de los Capuletos)
🎵 7. Finale
Interpretación:
Virginie Verrez - Mezzosoprano Andrew Staples - Tenor
Edwin Crossley-Mercer - Bajo
La Orquesta Filarmónica de Radio Francia.
Director:
Daniel Harding
@ClasicaAlAtardecer
Título: Romeo y Julieta, op. 17 H.79
Autor: Hector Berlioz
Movimientos:
🎵 1. Introducción: Combats (Combate) - Tumulte (Tumulto).
🎵 2. Roméo seul (Romeo solo) - Tristresse (Tristeza)
🎵 3. Scène d'amour (Escena de amor) - Nuit serène (Noche serena)
🎵 4. Scherzo: La reine Mab, reine des songes (Scherzo de la reina Mab)
🎵 5. Convoi funèbre de Juliette (Cortejo fúnebre de Julieta): "Jetez des fleurs pour la vierge expirée"
🎵 6. Roméo au tombeau des Capulets (Romeo en la tumba de los Capuletos)
🎵 7. Finale
Interpretación:
Virginie Verrez - Mezzosoprano Andrew Staples - Tenor
Edwin Crossley-Mercer - Bajo
La Orquesta Filarmónica de Radio Francia.
Director:
Daniel Harding
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#SinfoníaFúnebreyTriunfal #HéctorBerlioz #ValeryKhalilov #SergeiDurygin
LA GRAN SINFÓNIA FÚNEBRE Y TRIUNFAL, OP. 15.
La Gran Sinfónia fúnebre y triunfal, Op. 15, es la cuarta y última sinfonía del compositor francés Héctor Berlioz , estrenada el 28 de julio de 1840 en París. Es uno de los primeros ejemplos de una sinfonía compuesta para banda militar. El gobierno francés quería celebrar en el mes de julio de 1840 el décimo aniversario de la revolución de 1830, con el traslado de sus víctimas a un monumento situado en la plaza de la Bastilla. Le encargaron a Berlioz una sinfonía para ser interpretada al aire libre durante la ceremonia.
La Sinfonía fúnebre y triunfal se compuso originalmente para una banda militar de 200 músicos que marchaban en la procesión que acompañaba los restos de aquellos que habían muerto luchando en la revolución de 1830 en su camino hacia el entierro debajo de una columna conmemorativa erigida en el sitio de la Bastilla .
El estreno al aire libre en la plaza de la Bastilla fue un fracaso debido a problemas acústicos. En el mes de agosto se estrenó correctamente en la sala Vivienne de París. El 19 de noviembre de 1843 se interpretó en el Conservatorio con las dos orquestas que requieren la versión modificada.
La sinfonía está en tres movimientos.
🎵 I. Marcha fúnebre . Una marcha lenta y lúgubre en fa menor.
🎵 II. Oración fúnebre
🎵 III. Apoteosis (Apoteosis). Una brillante marcha triunfal en si ♭ mayor, con final coral opcional.
El primer movimiento moderato un poco lento, es la Marcha fúnebre. Escrita para la ceremonia del traslado de los caídos en la revolución, Berlioz compone una marcha desolada. Sobre el ritmo de marcha marcado por los timbales, el viento expone una amplia melodía. Después de un segundo tema sombrío, los trombones anuncian la reanudación de la marcha con mas solemnidad. A continuación de un período de mas recogimiento, termina con una breve coda.
El segundo movimiento, adagio non tanto, es la Oración fúnebre. Según Berlioz es una despedida a los muertos en el momento de ser depositados en la tumba. Unos amplios acordes de la orquesta, interrumpidos por silencios, crean el ambiente. Solos en los metales introducen la melodía de la oración, que se va desarrollando hasta enlazar con la solemne siguiente parte, sin interrupción.
El último movimiento es un allegro non troppo e pomposo, titulado Apoteosis. Es un himno de gloria que finaliza la ceremonia. Una melodía llena de pompa, expresada solemnemente por el viento abre el movimiento. Se introducen los coros con las palabras Gloire! Gloire et triomphe à ces hèros!, acompañados por la orquesta al pleno con brillante percusión, que cierran la obra. Esta parte coral fue añadida por Berlioz en su corrección final, para aumentar el efecto glorioso.
Berlioz revisó la partitura en enero de 1842, añadiendo una parte opcional para cuerdas y un coro final a un texto de Antony Deschamps . Richard Wagner asistió a una interpretación de esta nueva versión en la Salle Vivienne el 1 de febrero de 1842. El 5 de febrero, le dijo a Robert Schumann que encontró pasajes en el último movimiento de la sinfonía de Berlioz tan "magníficos y sublimes que nunca podrán ser superados".
Berlioz dimensiona el dramático levantamiento y el derramamiento de sangre en el último movimiento de la sinfonía. El tono penetrante de los platillos y los insistentes redoblantes acompañan al heroico canto del coro: "Gloria y honor a los héroes que yacen en las tumbas de la patria".
@ClasicaAlAtardecer
LA GRAN SINFÓNIA FÚNEBRE Y TRIUNFAL, OP. 15.
La Gran Sinfónia fúnebre y triunfal, Op. 15, es la cuarta y última sinfonía del compositor francés Héctor Berlioz , estrenada el 28 de julio de 1840 en París. Es uno de los primeros ejemplos de una sinfonía compuesta para banda militar. El gobierno francés quería celebrar en el mes de julio de 1840 el décimo aniversario de la revolución de 1830, con el traslado de sus víctimas a un monumento situado en la plaza de la Bastilla. Le encargaron a Berlioz una sinfonía para ser interpretada al aire libre durante la ceremonia.
La Sinfonía fúnebre y triunfal se compuso originalmente para una banda militar de 200 músicos que marchaban en la procesión que acompañaba los restos de aquellos que habían muerto luchando en la revolución de 1830 en su camino hacia el entierro debajo de una columna conmemorativa erigida en el sitio de la Bastilla .
El estreno al aire libre en la plaza de la Bastilla fue un fracaso debido a problemas acústicos. En el mes de agosto se estrenó correctamente en la sala Vivienne de París. El 19 de noviembre de 1843 se interpretó en el Conservatorio con las dos orquestas que requieren la versión modificada.
La sinfonía está en tres movimientos.
🎵 I. Marcha fúnebre . Una marcha lenta y lúgubre en fa menor.
🎵 II. Oración fúnebre
🎵 III. Apoteosis (Apoteosis). Una brillante marcha triunfal en si ♭ mayor, con final coral opcional.
El primer movimiento moderato un poco lento, es la Marcha fúnebre. Escrita para la ceremonia del traslado de los caídos en la revolución, Berlioz compone una marcha desolada. Sobre el ritmo de marcha marcado por los timbales, el viento expone una amplia melodía. Después de un segundo tema sombrío, los trombones anuncian la reanudación de la marcha con mas solemnidad. A continuación de un período de mas recogimiento, termina con una breve coda.
El segundo movimiento, adagio non tanto, es la Oración fúnebre. Según Berlioz es una despedida a los muertos en el momento de ser depositados en la tumba. Unos amplios acordes de la orquesta, interrumpidos por silencios, crean el ambiente. Solos en los metales introducen la melodía de la oración, que se va desarrollando hasta enlazar con la solemne siguiente parte, sin interrupción.
El último movimiento es un allegro non troppo e pomposo, titulado Apoteosis. Es un himno de gloria que finaliza la ceremonia. Una melodía llena de pompa, expresada solemnemente por el viento abre el movimiento. Se introducen los coros con las palabras Gloire! Gloire et triomphe à ces hèros!, acompañados por la orquesta al pleno con brillante percusión, que cierran la obra. Esta parte coral fue añadida por Berlioz en su corrección final, para aumentar el efecto glorioso.
Berlioz revisó la partitura en enero de 1842, añadiendo una parte opcional para cuerdas y un coro final a un texto de Antony Deschamps . Richard Wagner asistió a una interpretación de esta nueva versión en la Salle Vivienne el 1 de febrero de 1842. El 5 de febrero, le dijo a Robert Schumann que encontró pasajes en el último movimiento de la sinfonía de Berlioz tan "magníficos y sublimes que nunca podrán ser superados".
Berlioz dimensiona el dramático levantamiento y el derramamiento de sangre en el último movimiento de la sinfonía. El tono penetrante de los platillos y los insistentes redoblantes acompañan al heroico canto del coro: "Gloria y honor a los héroes que yacen en las tumbas de la patria".
@ClasicaAlAtardecer
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#SinfoníaFúnebreyTriunfal #HéctorBerlioz #ValeryKhalilov #SergeiDurygin
Título: Gran Sinfónia fúnebre y triunfal, Op. 15
Autor: Héctor Berlioz
Movimientos:
🎵 I. Marcha fúnebre . Una marcha lenta y lúgubre en fa menor.
🎵 II. Oración fúnebre
🎵 III. Apoteosis (Apoteosis). Una brillante marcha triunfal en si ♭ mayor, con final coral opcional.
Interpretación:
Banda Militar Central del Ministerio de Defensa Ruso.
Director:
Valery Khalilov
Sergei Durygin
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Título: Gran Sinfónia fúnebre y triunfal, Op. 15
Autor: Héctor Berlioz
Movimientos:
🎵 I. Marcha fúnebre . Una marcha lenta y lúgubre en fa menor.
🎵 II. Oración fúnebre
🎵 III. Apoteosis (Apoteosis). Una brillante marcha triunfal en si ♭ mayor, con final coral opcional.
Interpretación:
Banda Militar Central del Ministerio de Defensa Ruso.
Director:
Valery Khalilov
Sergei Durygin
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#MúsicaCallada #Mompou #JennyLin
LA MÚSICA CALLADA
“La música callada, la soledad sonora” son los versos del poeta del siglo XVI San Juan de la Cruz que inspiraron a Mompou en la creación de una de sus obras más representativas: Música callada. Con un total de 28 números y organizados en cuatro cuadernos (escritos entre los años 1959-1967), el compositor barcelonés se adentra en nuestro mundo espiritual.
La música de Mompou se caracteriza por ser muy expresiva. La construcción melódica es elegante y su lenguaje armónico muy rico, generalmente tonal. Los tempi suelen ser lentos y las dinámicas varían entre el pianissimo y el mezzo-piano. Estas piezas requieren mucho control en las dinámicas yen este sentido Brugallaes un maestro del sonido. Esta elegancia y finura se perciben por ejemplo en el n.º 2 del primer cuaderno, Lent, partitura cargada de reguladores de intensidad, o la maravillosa melodía del n.º 6, perteneciente a este mismo cuaderno. Brugalla muestra un instinto musical muy desarrollado.
Entre las estupendas piezas de la colección destacamos la n.º 13,Tranquilo-très calme, que nos recuerda a las canciones y danzas;la n.º 15,Lento-plaintif, donde se reconoce la impronta de Chopin; la n.º 19,Tranquillo(una de las composiciones preferidas de Mompou junto a la n.º 20,Calme) y que, como indicó Antonio Iglesias, se trata de un fragmento musical que esconde pasión y lirismo exaltado. Del cuarto cuaderno subrayamos la interpretación del *n.º 25, Lento*, en el que parece que estemos escuchando a AntonWebern por la atmósfera de serialismo que aporta un halo de misterio.
Sin duda nos encontramos ante una interpretación sobresaliente. Brugalla nos transporta a un mundo sereno, lleno de sutiles sonoridades, que no está reñido con el carácter juguetón y desenfado que requieren algunos de los pasajes de la obra.
En sus páginas habla de «notas sensibles», de «puntos de emoción», acentos y cumbres en el discurso sonoro que, en sus partituras, son puntuados por símbolos de la grafía tradicional utilizados con una acepción ampliada o por otros de invención propia:
«Expresar es desplazar cada nota sensible a su lugar metronómico: movimiento flotante sobre el rigor del compás y obedeciendo a nuestra sensibilidad»
@ClasicaAlAtardecer
LA MÚSICA CALLADA
“La música callada, la soledad sonora” son los versos del poeta del siglo XVI San Juan de la Cruz que inspiraron a Mompou en la creación de una de sus obras más representativas: Música callada. Con un total de 28 números y organizados en cuatro cuadernos (escritos entre los años 1959-1967), el compositor barcelonés se adentra en nuestro mundo espiritual.
La música de Mompou se caracteriza por ser muy expresiva. La construcción melódica es elegante y su lenguaje armónico muy rico, generalmente tonal. Los tempi suelen ser lentos y las dinámicas varían entre el pianissimo y el mezzo-piano. Estas piezas requieren mucho control en las dinámicas yen este sentido Brugallaes un maestro del sonido. Esta elegancia y finura se perciben por ejemplo en el n.º 2 del primer cuaderno, Lent, partitura cargada de reguladores de intensidad, o la maravillosa melodía del n.º 6, perteneciente a este mismo cuaderno. Brugalla muestra un instinto musical muy desarrollado.
Entre las estupendas piezas de la colección destacamos la n.º 13,Tranquilo-très calme, que nos recuerda a las canciones y danzas;la n.º 15,Lento-plaintif, donde se reconoce la impronta de Chopin; la n.º 19,Tranquillo(una de las composiciones preferidas de Mompou junto a la n.º 20,Calme) y que, como indicó Antonio Iglesias, se trata de un fragmento musical que esconde pasión y lirismo exaltado. Del cuarto cuaderno subrayamos la interpretación del *n.º 25, Lento*, en el que parece que estemos escuchando a AntonWebern por la atmósfera de serialismo que aporta un halo de misterio.
Sin duda nos encontramos ante una interpretación sobresaliente. Brugalla nos transporta a un mundo sereno, lleno de sutiles sonoridades, que no está reñido con el carácter juguetón y desenfado que requieren algunos de los pasajes de la obra.
En sus páginas habla de «notas sensibles», de «puntos de emoción», acentos y cumbres en el discurso sonoro que, en sus partituras, son puntuados por símbolos de la grafía tradicional utilizados con una acepción ampliada o por otros de invención propia:
«Expresar es desplazar cada nota sensible a su lugar metronómico: movimiento flotante sobre el rigor del compás y obedeciendo a nuestra sensibilidad»
La Música callada no es obra para buscar influencias, aunque las halla; puede que ni siquiera sea música para ser “escuchada”, sino para ser sentida, para dejarla que penetre en nuestro espíritu y vaya limpiándolo de prisas y tensiones. para que vaya dejando en él el poso del sosiego, de la tranquilidad, de la paciencia… porque el tiempo, nuestro tiempo, nos empuja a adelantar al reloj, o a mirarlo a cada segundo.@ClasicaAlAtardecer
#MúsicaCallada #Mompou #JennyLin
LA MÚSICA CALLADA
La música callada . Música pura inspirada en el cántico espiritual de San Juan de la Cruz.
Se trata de un conjunto de 28 movimientos agrupados en cuatro elegantes cuadernos que Mompou escribió entre 1951 y 1967.
🎵 I Quadern:
🎵 I – Angelico
🎵 II - Lent
🎵 III – Placide
🎵 IV - Afflitto e penoso
🎵 V - ...
🎵 VI – Lento
🎵 VII – Lento
🎵 VIII – Semplice
🎵 IX – Lento
🎵 II Quadern :
🎵 X – Lento-cantabile
🎵 XI – Allegretto
🎵 XII – Lento
🎵 XIII – Tranquillo- très calme
🎵 XIV – Severo – serieux
🎵 XV - Lento et plantif
🎵 XVI - Calme
🎵 III Quadern:
🎵 XVII – Lento
🎵 XVIII - Luminoso
🎵 XIX – Tranquillo
🎵XX – Calme
🎵 XXI – Lento
🎵 IV Quadern:
🎵 XXII - Molto lento e tranquillo
🎵 XXIII - Calme, avéc clarté
🎵 XXIV – Moderato
🎵 XXV - ...
🎵 XXVI - Lento
🎵 XXVII – Lento molto
🎵 XXVIII - Lento
@ClasicaAlAtardecer
LA MÚSICA CALLADA
La música callada . Música pura inspirada en el cántico espiritual de San Juan de la Cruz.
Se trata de un conjunto de 28 movimientos agrupados en cuatro elegantes cuadernos que Mompou escribió entre 1951 y 1967.
🎵 I Quadern:
🎵 I – Angelico
🎵 II - Lent
🎵 III – Placide
🎵 IV - Afflitto e penoso
🎵 V - ...
🎵 VI – Lento
🎵 VII – Lento
🎵 VIII – Semplice
🎵 IX – Lento
🎵 II Quadern :
🎵 X – Lento-cantabile
🎵 XI – Allegretto
🎵 XII – Lento
🎵 XIII – Tranquillo- très calme
🎵 XIV – Severo – serieux
🎵 XV - Lento et plantif
🎵 XVI - Calme
🎵 III Quadern:
🎵 XVII – Lento
🎵 XVIII - Luminoso
🎵 XIX – Tranquillo
🎵XX – Calme
🎵 XXI – Lento
🎵 IV Quadern:
🎵 XXII - Molto lento e tranquillo
🎵 XXIII - Calme, avéc clarté
🎵 XXIV – Moderato
🎵 XXV - ...
🎵 XXVI - Lento
🎵 XXVII – Lento molto
🎵 XXVIII - Lento
El propio Mompou dijo: “Esta música no tiene aire ni luz. Es un débil latir del corazón. No se le pide llegar más allá de unos milímetros en el espacio, pero sí la misión de penetrar en las grandes profundidades de nuestra alma y en las regiones más secretas de nuestro espíritu. Esta música es callada porque su audición es interna. Contención y reserva. Su emoción es secreta y solamente toma forma en sus resonancias bajo la gran bóveda fría de nuestra sociedad. Deseo que mi música callada, este niño recién nacido, nos aproxime a un nuevo calor de vida y a la expresión del corazón humano, siempre la misma y siempre renovando".
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#MúsicaCallada #Mompou #JennyLin
Título: Música Callada
Autor: Federico Mompou
Movimientos:
🎵 I Quadern:
🎵 I - Angelico
🎵 II - Lent
🎵 III - Placide
🎵 IV - Afflitto e penoso
🎵 V - ...
🎵 VI - Lento
🎵 VII - Lento
🎵 VIII - Semplice
🎵 IX - Lento
🎵 II Quadern:
🎵 X - Lento-cantabile
🎵 XI - Allegretto
🎵 XII - Lento
🎵 XIII - Tranquillo- très calme
🎵 XIV - Severo – serieux
🎵 XV - Lento et plantif
🎵 XVI - Calme
🎵 III Quadern:
🎵 XVII - Lento
🎵 XVIII - Luminoso
🎵 XIX - Tranquillo
🎵XX - Calme
🎵 XXI - Lento
🎵 IV Quadern:
🎵 XXII - Molto lento e tranquillo
🎵 XXIII - Calme, avéc clarté
🎵 XXIV - Moderato
🎵 XXV - ...
🎵 XXVI - Lento
🎵 XXVII - Lento molto
🎵 XXVIII - Lento
Interpretación:
Piano: Jenny Lin
@ClasicaAlAtardecer
Título: Música Callada
Autor: Federico Mompou
Movimientos:
🎵 I Quadern:
🎵 I - Angelico
🎵 II - Lent
🎵 III - Placide
🎵 IV - Afflitto e penoso
🎵 V - ...
🎵 VI - Lento
🎵 VII - Lento
🎵 VIII - Semplice
🎵 IX - Lento
🎵 II Quadern:
🎵 X - Lento-cantabile
🎵 XI - Allegretto
🎵 XII - Lento
🎵 XIII - Tranquillo- très calme
🎵 XIV - Severo – serieux
🎵 XV - Lento et plantif
🎵 XVI - Calme
🎵 III Quadern:
🎵 XVII - Lento
🎵 XVIII - Luminoso
🎵 XIX - Tranquillo
🎵XX - Calme
🎵 XXI - Lento
🎵 IV Quadern:
🎵 XXII - Molto lento e tranquillo
🎵 XXIII - Calme, avéc clarté
🎵 XXIV - Moderato
🎵 XXV - ...
🎵 XXVI - Lento
🎵 XXVII - Lento molto
🎵 XXVIII - Lento
Interpretación:
Piano: Jenny Lin
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#Sinfonía45 #Haydn #ConradVanAlphen
La Sinfonía n.º 45 en fa sostenido menor, Hoboken I/45, conocida como Sinfonía de los adioses, es una sinfonía del austríaco Joseph Haydn, compuesta en 1772.
Fue escrita para el patrón de Haydn, el príncipe Nikolaus Esterházy, durante una estancia en la que Haydn y la corte de músicos permanecieron en el palacio de verano, en Eszterháza. La estancia fue más larga de lo esperado y los músicos en su mayoría fueron obligados a mover a sus mujeres en casa, en Eisenstadt, por lo que en el último movimiento de la sinfonía, Haydn instó sutilmente a su patrón a dejarles volver a casa. Durante el adagio final cada músico deja de tocar, apaga la vela de su atril y se va en orden, dejando al final solo dos violines tocados con sordina (tocados por el propio Haydn y el concertino, Alois Luigi Tomasini).
La sinfonía consta de cuatro movimientos:
🎵 Allegro assai, 3/4
🎵 Adagio, 3/8
🎵 Menuet: Allegretto, 3/4
🎵 Finale: Presto, 2/2 - Adagio, 3/8
El primer movimiento de la obra es un episodio turbulento en fa sostenido menor, una tonalidad extremadamente inusual para usar en esa parte de la obra. Comienza a la manera típica del periodo Sturm und Drang de Haydn, con arpegios menores descendentes en los primeros violines junto con notas sincopadas en los segundos violines y acordes mantenidos en los vientos. El movimiento sigue la forma sonata, pero se desvía del modelo común en varias ocasiones. Aparte de estas desviaciones de la norma, el primer movimiento es "bastante difícil de ser percibido como revolucionario" y "no es tan intrépido, al contener un desarrollo que solo se aventura a los niveles de IV, II♭ y VI, además de la mediante y la tónica".
El segundo movimiento, lento en la mayor y en compás de 3/8 también está escrito en forma sonata. Comienza con una relajante melodía tocada por violines con sordina, representando un motivo que "tiene hipo". El ambiente gradualmente se vuelve más sombrío y meditabundo con la alternancia entre modos mayores y menores, asemejándose a pasajes de las últimas obras de Schubert. A continuación siguen una serie de suspensiones disonantes mantenidas durante varios compases, que son extendidas hasta una gran duración por Haydn mientras que el mismo material aparece en la recapitulación. James Webster siente la música como programática, expresando el añoro del hogar.
El siguiente minueto está en la tonalidad de fa sostenido mayor; su principal peculiaridad es que la cadencia final de cada sección está construida de manera que suena muy débil, creando una sensación de incompletitud.
El último movimiento empieza como es característico en Haydn, como un final rápido y en 2/2, escrito en forma sonata y en la tonalidad de la obra: fa sostenido menor. La intensidad rítmica se incrementa mediante el uso de bariolage al unísono en la parte del primer violín. La música finalmente alcanza el final de la recapitulación en un pasaje que suena como si la sinfonía acabara, pero de repente es interrumpida por una cadencia rota.
A continuación sigue una larga coda, como si de un segundo movimiento lento se tratara, que es extremadamente inusual en sinfonías clásicas y probablemente sonaría muy sorprendente para el Príncipe. Está escrito en compás de 3/8 y modula de la mayor a fa sostenido mayor, momento en el que los músicos van abandonando sus puestos. El final es una especie de anticlímax deliberado y se suele interpretar en un suave pianissimo.
Este adagio final incluye una curiosidad que no todo oyente es capaz de percibir al oír una grabación: varios músicos tienen solos pequeños justo antes de marcharse. El orden de salida es: primer oboe y segunda trompa (con solos), fagot (sin solo), segundo oboe y primera trompa (con solos), contrabajos (solo), violonchelos (sin solo), violines orquestales (con solos; músicos de primera silla no tocan), viola (sin solo). Los violines de primera silla se quedan para completar la obra.
@ClasicaAlAtardecer
La Sinfonía n.º 45 en fa sostenido menor, Hoboken I/45, conocida como Sinfonía de los adioses, es una sinfonía del austríaco Joseph Haydn, compuesta en 1772.
Fue escrita para el patrón de Haydn, el príncipe Nikolaus Esterházy, durante una estancia en la que Haydn y la corte de músicos permanecieron en el palacio de verano, en Eszterháza. La estancia fue más larga de lo esperado y los músicos en su mayoría fueron obligados a mover a sus mujeres en casa, en Eisenstadt, por lo que en el último movimiento de la sinfonía, Haydn instó sutilmente a su patrón a dejarles volver a casa. Durante el adagio final cada músico deja de tocar, apaga la vela de su atril y se va en orden, dejando al final solo dos violines tocados con sordina (tocados por el propio Haydn y el concertino, Alois Luigi Tomasini).
La sinfonía consta de cuatro movimientos:
🎵 Allegro assai, 3/4
🎵 Adagio, 3/8
🎵 Menuet: Allegretto, 3/4
🎵 Finale: Presto, 2/2 - Adagio, 3/8
El primer movimiento de la obra es un episodio turbulento en fa sostenido menor, una tonalidad extremadamente inusual para usar en esa parte de la obra. Comienza a la manera típica del periodo Sturm und Drang de Haydn, con arpegios menores descendentes en los primeros violines junto con notas sincopadas en los segundos violines y acordes mantenidos en los vientos. El movimiento sigue la forma sonata, pero se desvía del modelo común en varias ocasiones. Aparte de estas desviaciones de la norma, el primer movimiento es "bastante difícil de ser percibido como revolucionario" y "no es tan intrépido, al contener un desarrollo que solo se aventura a los niveles de IV, II♭ y VI, además de la mediante y la tónica".
El segundo movimiento, lento en la mayor y en compás de 3/8 también está escrito en forma sonata. Comienza con una relajante melodía tocada por violines con sordina, representando un motivo que "tiene hipo". El ambiente gradualmente se vuelve más sombrío y meditabundo con la alternancia entre modos mayores y menores, asemejándose a pasajes de las últimas obras de Schubert. A continuación siguen una serie de suspensiones disonantes mantenidas durante varios compases, que son extendidas hasta una gran duración por Haydn mientras que el mismo material aparece en la recapitulación. James Webster siente la música como programática, expresando el añoro del hogar.
El siguiente minueto está en la tonalidad de fa sostenido mayor; su principal peculiaridad es que la cadencia final de cada sección está construida de manera que suena muy débil, creando una sensación de incompletitud.
El último movimiento empieza como es característico en Haydn, como un final rápido y en 2/2, escrito en forma sonata y en la tonalidad de la obra: fa sostenido menor. La intensidad rítmica se incrementa mediante el uso de bariolage al unísono en la parte del primer violín. La música finalmente alcanza el final de la recapitulación en un pasaje que suena como si la sinfonía acabara, pero de repente es interrumpida por una cadencia rota.
A continuación sigue una larga coda, como si de un segundo movimiento lento se tratara, que es extremadamente inusual en sinfonías clásicas y probablemente sonaría muy sorprendente para el Príncipe. Está escrito en compás de 3/8 y modula de la mayor a fa sostenido mayor, momento en el que los músicos van abandonando sus puestos. El final es una especie de anticlímax deliberado y se suele interpretar en un suave pianissimo.
Este adagio final incluye una curiosidad que no todo oyente es capaz de percibir al oír una grabación: varios músicos tienen solos pequeños justo antes de marcharse. El orden de salida es: primer oboe y segunda trompa (con solos), fagot (sin solo), segundo oboe y primera trompa (con solos), contrabajos (solo), violonchelos (sin solo), violines orquestales (con solos; músicos de primera silla no tocan), viola (sin solo). Los violines de primera silla se quedan para completar la obra.
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#Sinfonía45 #Haydn #ConradVanAlphen
Título: La Sinfonía n.º45 en Fa Sostenido
Autor: Franz Joseph Haydn
Movimientos:
🎵 Allegro assai, 3/4
🎵 Adagio, 3/8
🎵 Menuet: Allegretto, 3/4
🎵 Finale: Presto, 2/2 - Adagio, 3/8
Interpretación:
Sinfonia Rotterdam
Director:
Conrad Van Alphen
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Título: La Sinfonía n.º45 en Fa Sostenido
Autor: Franz Joseph Haydn
Movimientos:
🎵 Allegro assai, 3/4
🎵 Adagio, 3/8
🎵 Menuet: Allegretto, 3/4
🎵 Finale: Presto, 2/2 - Adagio, 3/8
Interpretación:
Sinfonia Rotterdam
Director:
Conrad Van Alphen
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#Sinfonía4 #RobertSchumann #JesúsAmigo
LA SINFONÍA N.º 4 EN RE MENOR, OP. 120.
La Sinfonía n.º 4 en re menor, Op. 120, es una obra sinfónica escrita por Robert Schumann y estrenada en 1841. Fue revisada y reorquestada por el mismo compositor en 1851. Su estreno se produjo el 6 de diciembre de 1841 interpretada por la orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, como “Sinfonía Nº2”. Más tarde en 1851 Schumann hizo una revisión y nueva orquestación de la obra publicándola como “Sinfonía Nº4”.
La sinfonía presenta una forma muy homogénea, creada por los temas y sus variantes, que van pasando de uno a otro movimiento. Debido a ello Schumann creo secciones de enlace entre los diversos movimientos, indicando que debían interpretarse sin interrupción. A pesar de conservar en el fondo la forma clásica, el desarrollo de los movimientos es muy libre.
Está pieza consta de 4 movimientos:
🎵 I. Ziemlich langsam - Lebhaft
🎵 II. Romanze. Ziemlich langsam
🎵 III. Scherzo. Lebhaft
🎵 IV. Langsam - Lebhaft - Presto
El primer movimiento, ziemlich langsam, lebhaft, empieza con una introducción lenta presentando el tema mediante la cuerda, llegando después de un crescendo a unas frases ondulantes de los contrabajos que preparan el terreno para el primer tema del lebhaft o sea vivace. El tema principal, construido en dos partes, se eleva por medio de la orquesta. Durante el desarrollo aparece un tema lírico derivado del primero. Termina con una variante del tema lírico presentado de forma marcial y la repetición del tema principal en forma de coda.
El segundo movimiento, romanze, ziemlich langsam, continúa sin interrupción. El oboe presenta una amplia y noble melodía. Aparece entonces el tema de la introducción del primer movimiento. La parte central la ocupa un tema basado en sinuosos descensos del primer violín. El tema del oboe termina este corto movimiento en forma alterada de lied. A, p, B, A. Unas ondulaciones de los violoncelos unen el anterior movimiento con el siguiente.
El tercer movimiento, scherzo, lebhaft, trío, empieza con un tema decidido que abarca toda la orquesta. El trío es contrastado y dulce. Se trata de una variante del tema sinuoso escuchado en la parte central del romanze, pero interpretado de un modo más melódico, evitando marcar los acentos rítmicos. Se repite el scherzo y el trío, con el cual el movimiento se va apagando, hasta terminar como el anterior movimiento, con una suave ondulación de los violoncelos, que servirá de puente para enlazar sin pausa con el último movimiento.
El cuarto movimiento, langsam, lebhaft, empieza con una introducción lenta, enlazando con el anterior. Esta parte termina con tres fuertes acordes que dan paso al vivace, con material que había pertenecido al primer movimiento. Un interesante episodio donde se alternan notas en forte y en piano, nos conduce a una atmósfera de felicidad. Tres rápidos acordes marcan el final de la exposición. La partitura indica la repetición en este punto de la exposición pero algunos directores continúan con la parte de desarrollo, saltándose estos 61 compases. Durante el desarrollo se emplean los temas anteriores, terminando con una corta reexposición y una coda conclusiva en crescendo. Una subida desde las cuerdas graves hasta las maderas y los metales termina la obra con un gran acorde.
@ClasicaAlAtardecer
LA SINFONÍA N.º 4 EN RE MENOR, OP. 120.
La Sinfonía n.º 4 en re menor, Op. 120, es una obra sinfónica escrita por Robert Schumann y estrenada en 1841. Fue revisada y reorquestada por el mismo compositor en 1851. Su estreno se produjo el 6 de diciembre de 1841 interpretada por la orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, como “Sinfonía Nº2”. Más tarde en 1851 Schumann hizo una revisión y nueva orquestación de la obra publicándola como “Sinfonía Nº4”.
La sinfonía presenta una forma muy homogénea, creada por los temas y sus variantes, que van pasando de uno a otro movimiento. Debido a ello Schumann creo secciones de enlace entre los diversos movimientos, indicando que debían interpretarse sin interrupción. A pesar de conservar en el fondo la forma clásica, el desarrollo de los movimientos es muy libre.
Está pieza consta de 4 movimientos:
🎵 I. Ziemlich langsam - Lebhaft
🎵 II. Romanze. Ziemlich langsam
🎵 III. Scherzo. Lebhaft
🎵 IV. Langsam - Lebhaft - Presto
El primer movimiento, ziemlich langsam, lebhaft, empieza con una introducción lenta presentando el tema mediante la cuerda, llegando después de un crescendo a unas frases ondulantes de los contrabajos que preparan el terreno para el primer tema del lebhaft o sea vivace. El tema principal, construido en dos partes, se eleva por medio de la orquesta. Durante el desarrollo aparece un tema lírico derivado del primero. Termina con una variante del tema lírico presentado de forma marcial y la repetición del tema principal en forma de coda.
El segundo movimiento, romanze, ziemlich langsam, continúa sin interrupción. El oboe presenta una amplia y noble melodía. Aparece entonces el tema de la introducción del primer movimiento. La parte central la ocupa un tema basado en sinuosos descensos del primer violín. El tema del oboe termina este corto movimiento en forma alterada de lied. A, p, B, A. Unas ondulaciones de los violoncelos unen el anterior movimiento con el siguiente.
El tercer movimiento, scherzo, lebhaft, trío, empieza con un tema decidido que abarca toda la orquesta. El trío es contrastado y dulce. Se trata de una variante del tema sinuoso escuchado en la parte central del romanze, pero interpretado de un modo más melódico, evitando marcar los acentos rítmicos. Se repite el scherzo y el trío, con el cual el movimiento se va apagando, hasta terminar como el anterior movimiento, con una suave ondulación de los violoncelos, que servirá de puente para enlazar sin pausa con el último movimiento.
El cuarto movimiento, langsam, lebhaft, empieza con una introducción lenta, enlazando con el anterior. Esta parte termina con tres fuertes acordes que dan paso al vivace, con material que había pertenecido al primer movimiento. Un interesante episodio donde se alternan notas en forte y en piano, nos conduce a una atmósfera de felicidad. Tres rápidos acordes marcan el final de la exposición. La partitura indica la repetición en este punto de la exposición pero algunos directores continúan con la parte de desarrollo, saltándose estos 61 compases. Durante el desarrollo se emplean los temas anteriores, terminando con una corta reexposición y una coda conclusiva en crescendo. Una subida desde las cuerdas graves hasta las maderas y los metales termina la obra con un gran acorde.
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#Sinfonía4 #RobertSchumann #JesúsAmigo
Título: La Sinfonía n.º 4 en re menor, Op. 120.
Autor: Robert Schumann
Movimientos:
🎵 I. Ziemlich langsam - Lebhaft
🎵 II. Romanze. Ziemlich langsam
🎵 III. Scherzo. Lebhaft
🎵 IV. Langsam - Lebhaft - Presto
Interpretación:
Orquesta Sinfónica del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Director:
Jesús Amigo
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Título: La Sinfonía n.º 4 en re menor, Op. 120.
Autor: Robert Schumann
Movimientos:
🎵 I. Ziemlich langsam - Lebhaft
🎵 II. Romanze. Ziemlich langsam
🎵 III. Scherzo. Lebhaft
🎵 IV. Langsam - Lebhaft - Presto
Interpretación:
Orquesta Sinfónica del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Director:
Jesús Amigo
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer