#SinfoníaDoMenor #VB142 #Kraus #AndreaMarcon
LA “SINFONÍA EN DO MENOR” VB 142
La “Sinfonía en do menor” VB 142 fue escrita en Viena por Joseph Martin Kraus, y estrenada en 1783 durante la visita que hizo Kraus a Haydn en el palacio de Esterháza. Lo que parece seguro, es que Haydn pudo escuchar una sinfonía de su colega, probablemente una “Sinfonía en re mayor”. El comentario que hizo el padre de la sinfonia es elocuente. La sinfonía que ha escrito en Viena especialmente para mí será considerada como una obra maestra en los siglos venideros. Creedme, hay poca gente capaz de escribir una cosa comparable.
Está pieza consta de 3 movimientos:
🎵 I. Larghetto – Allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Allegro assai
El primer movimiento, larghetto, allegro, empieza de modo lento apasionado, reflejo de la época del Sturm und Drang. Musicalmente, Sturm und Drang significaba arrebatos apasionados, casi violentos, mucha escritura en tono menor, un irresistible impulso rítmico y una crudeza general de sentimiento no diluida por los buenos modales clásicos, todos ellos rasgos que dominan la Sinfonía en Do menor de Kraus
La Sinfonía de Kraus sólo asumió estas dimensiones clásicas después de un proceso de revisión y recomposición exhaustiva. La obra comenzó como una Sinfonía en Do sostenido menor, concebida a escala de cámara por Kraus durante sus primeros años en Estocolmo, en algún momento antes de 1781. Los inesperados giros expresivos de la obra en Do sostenido menor la sitúan en la tradición de Sturm und Drang. Estos se suavizan en la Sinfonía en Do menor. A partir de los agitados e inestables fragmentos temáticos que caracterizan la obra anterior, Kraus desarrolló temas de larga duración que se desarrollan a un ritmo casi épico (al menos para el siglo XVIII).
Kraus también sustituyó las flautas del original por oboes, duplicó el número de trompas y eliminó el tintineo del continuo del clavicémbalo, dando a la orquesta una sonoridad más oscura y pesada. Finalmente, suprimió el tercer movimiento, un breve minué sin el trío adecuado que el público vienés hubiera esperado.
La Sinfonía en Do menor era bien conocida por los músicos a finales del siglo XVIII. Fue publicada por Breitkopf & Härtel en Leipzig en 1797 y se interpretó en la Gewandhaus (la famosa sala de conciertos de la ciudad) en 1817. Por desgracia, Kraus no vivió lo suficiente como para ver estos éxitos o para consolidar su reputación mediante nuevos triunfos; murió de tuberculosis en 1792, a la edad de 36 años.
@ClasicaAlAtardecer
LA “SINFONÍA EN DO MENOR” VB 142
La “Sinfonía en do menor” VB 142 fue escrita en Viena por Joseph Martin Kraus, y estrenada en 1783 durante la visita que hizo Kraus a Haydn en el palacio de Esterháza. Lo que parece seguro, es que Haydn pudo escuchar una sinfonía de su colega, probablemente una “Sinfonía en re mayor”. El comentario que hizo el padre de la sinfonia es elocuente. La sinfonía que ha escrito en Viena especialmente para mí será considerada como una obra maestra en los siglos venideros. Creedme, hay poca gente capaz de escribir una cosa comparable.
Está pieza consta de 3 movimientos:
🎵 I. Larghetto – Allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Allegro assai
El primer movimiento, larghetto, allegro, empieza de modo lento apasionado, reflejo de la época del Sturm und Drang. Musicalmente, Sturm und Drang significaba arrebatos apasionados, casi violentos, mucha escritura en tono menor, un irresistible impulso rítmico y una crudeza general de sentimiento no diluida por los buenos modales clásicos, todos ellos rasgos que dominan la Sinfonía en Do menor de Kraus
La Sinfonía de Kraus sólo asumió estas dimensiones clásicas después de un proceso de revisión y recomposición exhaustiva. La obra comenzó como una Sinfonía en Do sostenido menor, concebida a escala de cámara por Kraus durante sus primeros años en Estocolmo, en algún momento antes de 1781. Los inesperados giros expresivos de la obra en Do sostenido menor la sitúan en la tradición de Sturm und Drang. Estos se suavizan en la Sinfonía en Do menor. A partir de los agitados e inestables fragmentos temáticos que caracterizan la obra anterior, Kraus desarrolló temas de larga duración que se desarrollan a un ritmo casi épico (al menos para el siglo XVIII).
Kraus también sustituyó las flautas del original por oboes, duplicó el número de trompas y eliminó el tintineo del continuo del clavicémbalo, dando a la orquesta una sonoridad más oscura y pesada. Finalmente, suprimió el tercer movimiento, un breve minué sin el trío adecuado que el público vienés hubiera esperado.
La Sinfonía en Do menor era bien conocida por los músicos a finales del siglo XVIII. Fue publicada por Breitkopf & Härtel en Leipzig en 1797 y se interpretó en la Gewandhaus (la famosa sala de conciertos de la ciudad) en 1817. Por desgracia, Kraus no vivió lo suficiente como para ver estos éxitos o para consolidar su reputación mediante nuevos triunfos; murió de tuberculosis en 1792, a la edad de 36 años.
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#SinfoníaDoMenor #VB142 #Kraus #AndreaMarcon
Título: La “Sinfonía en do menor”, VB 142
Autor: Joseph Martin Kraus
Movimientos:
🎵 I. Larghetto – Allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Allegro assai
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Andrea Marcon
@ClasicaAlAtardecer
Título: La “Sinfonía en do menor”, VB 142
Autor: Joseph Martin Kraus
Movimientos:
🎵 I. Larghetto – Allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Allegro assai
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Andrea Marcon
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#CaroloftheBells #Shchedryk #MykolaLeontovych #PedroWilhousky #JenniferThomas #GlenGabriel
CAROL OF THE BELLS
Carol of the Bells es un villancico popular, uno de mis preferidos, compuesto por Mykola Leontovych en 1904 y con letra de Pedro J. Wilhousky. La composición se basa en un canto popular conocido en Ucrania como "Shchedryk" y la letra en ingles que escribió en los años '30 Wilhousky tiene derechos de autor, aunque la composición musical no.
La pieza cuenta la historia de una golondrina que vuela por el centro de un barrio para anunciar que se acerca la próxima primavera. El villancico se suele cantar en la noche del 13 de enero que de acuerdo con el calendario juliano equivale al 31 de diciembre, en el que se celebra la «Tarde de generosidad».
La historia popular original relatada en la canción estaba asociada con la llegada del Año Nuevo , que, en la Ucrania precristiana , se celebraba con la llegada de la primavera en abril. El título ucraniano original se traduce como "el generoso" o tal vez se deriva de la palabra ucraniana para abundante (shchedryj ).
Con la introducción del cristianismo en Ucrania y la adopción del calendario juliano , la celebración del Año Nuevo se trasladó de abril a enero, y la festividad con la que originalmente se asoció el canto se convirtió en Malanka (ucraniano: Щедрий вечір , Shchedry vechir ), la víspera del Año Nuevo juliano (la noche del 13 al 14 de enero en el calendario gregoriano). Las canciones cantadas para esta celebración se conocen como Shchedrivky .
La canción fue interpretada por primera vez por estudiantes de la Universidad de Kiev en diciembre de 1916, pero la canción perdió popularidad en Ucrania poco después de que se estableciera la Unión Soviética. Fue presentado al público occidental por el Coro Nacional de Ucrania durante su gira de conciertos de 1919 por Europa y América, donde se estrenó en los Estados Unidos el 5 de octubre de 1922, ante una audiencia con entradas agotadas en el Carnegie Hall. La obra original estaba destinada a ser cantada a capella por un coro mixto a cuatro voces.
Leontovych también creó otros dos escenarios de la composición: uno para coro de mujeres (sin acompañamiento) y otro para coro de niños con acompañamiento de piano. Estos rara vez se realizan o graban.
La música se basa en un ostinato de cuatro notas y está en 3/4 compás, con la campana en si bemol repicando en 6/8 tiempo. El villancico es métricamente biestable, y un oyente puede concentrarse en medir o cambiar entre ellos. Ha sido adaptado para muchos géneros, incluyendo: clásico , metal , jazz , música country , rock , trap y pop . La pieza también aparece en películas, programas de televisión y parodias.
Aunque ganó una fama casi inigualable en los EE. UU., la canción sigue siendo poco apreciada en su país de origen para Navidad, donde la interpretación se restringe principalmente a la víspera de Año Nuevo del calendario juliano.
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CAROL OF THE BELLS
Carol of the Bells es un villancico popular, uno de mis preferidos, compuesto por Mykola Leontovych en 1904 y con letra de Pedro J. Wilhousky. La composición se basa en un canto popular conocido en Ucrania como "Shchedryk" y la letra en ingles que escribió en los años '30 Wilhousky tiene derechos de autor, aunque la composición musical no.
La pieza cuenta la historia de una golondrina que vuela por el centro de un barrio para anunciar que se acerca la próxima primavera. El villancico se suele cantar en la noche del 13 de enero que de acuerdo con el calendario juliano equivale al 31 de diciembre, en el que se celebra la «Tarde de generosidad».
La historia popular original relatada en la canción estaba asociada con la llegada del Año Nuevo , que, en la Ucrania precristiana , se celebraba con la llegada de la primavera en abril. El título ucraniano original se traduce como "el generoso" o tal vez se deriva de la palabra ucraniana para abundante (shchedryj ).
Con la introducción del cristianismo en Ucrania y la adopción del calendario juliano , la celebración del Año Nuevo se trasladó de abril a enero, y la festividad con la que originalmente se asoció el canto se convirtió en Malanka (ucraniano: Щедрий вечір , Shchedry vechir ), la víspera del Año Nuevo juliano (la noche del 13 al 14 de enero en el calendario gregoriano). Las canciones cantadas para esta celebración se conocen como Shchedrivky .
La canción fue interpretada por primera vez por estudiantes de la Universidad de Kiev en diciembre de 1916, pero la canción perdió popularidad en Ucrania poco después de que se estableciera la Unión Soviética. Fue presentado al público occidental por el Coro Nacional de Ucrania durante su gira de conciertos de 1919 por Europa y América, donde se estrenó en los Estados Unidos el 5 de octubre de 1922, ante una audiencia con entradas agotadas en el Carnegie Hall. La obra original estaba destinada a ser cantada a capella por un coro mixto a cuatro voces.
Leontovych también creó otros dos escenarios de la composición: uno para coro de mujeres (sin acompañamiento) y otro para coro de niños con acompañamiento de piano. Estos rara vez se realizan o graban.
La música se basa en un ostinato de cuatro notas y está en 3/4 compás, con la campana en si bemol repicando en 6/8 tiempo. El villancico es métricamente biestable, y un oyente puede concentrarse en medir o cambiar entre ellos. Ha sido adaptado para muchos géneros, incluyendo: clásico , metal , jazz , música country , rock , trap y pop . La pieza también aparece en películas, programas de televisión y parodias.
Aunque ganó una fama casi inigualable en los EE. UU., la canción sigue siendo poco apreciada en su país de origen para Navidad, donde la interpretación se restringe principalmente a la víspera de Año Nuevo del calendario juliano.
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#CaroloftheBells #Shchedryk #MykolaLeontovych #PedroWilhousky #JenniferThomas #GlenGabriel
Título: Carol of the Bells
Autor: Mykola Leontovych, Pedro J. Wilhousky
Interpretación:
La Sinfonía y el Coro de Ensign
Piano:
Jennifer Thomas
Director:
Glen Gabriel
@ClasicaAlAtardecer
Título: Carol of the Bells
Autor: Mykola Leontovych, Pedro J. Wilhousky
Interpretación:
La Sinfonía y el Coro de Ensign
Piano:
Jennifer Thomas
Director:
Glen Gabriel
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#Sinfonía5 #LaReforma #Mendelssohn #JérémieRhorer
LA SINFONÍA NO.5 EN RE MAYOR OP. 107
La Sinfonía No.5 en Re Mayor Op. 107, conocida como Sinfonía de la Reforma, fue compuesta por Felix Mendelssohn en 1830, y estrenada en noviembre de 1832, en Berlín. La sinfonía se compuso en honor al tricentenario de la presentación de las confesiones de Augsburgo, también conocidas como Confesión Augustana.
Esta obra fue compuesta en ocasión al tricentenario de la Conferencia de Augsburgo de 1530, en la cual se definió la doctrina de la Iglesia Luterana. Pero el año 1830 fue un año de acontecimientos políticos, recordemos la revolución en Francia que provocó la caída de Carlos X y su repercusión en toda Europa mediante movimientos liberales. Es el primer estallido del nacionalismo. Bélgica y Grecia alcanzan la independencia. Italia busca la unidad nacional. Por este motivo su estreno hubo de posponerse. La prevista presentación en París durante la temporada 1831-32 no se realizó, al encontrar, según los promotores que “la sinfonía era demasiado estudiada, contenía mucho fugato y poca melodía”.
Para la construcción de esta sinfonía Mendelssohn tomó el coral de Lutero, “Ein feste Burg ist unser Gott” de 1529 y el “Dresden Amen”, el cual parece que fue escrito por Johann Naumann (1741-1801). Este tema más tarde fue usado por Wagner en su Parsifal. La orquestación comprende la cuerda, madera y metal habitual, tres trombones, tuba y timbales. Su estructura ha sido muy discutida, algunos diciendo que tiene cuatro movimientos, otros cinco, pero según el propio Mendelssohn tiene tres movimientos. El último está dividido en tres partes interpretadas sin interrupción.
La sinfonía consta de cuatro movimientos:
🎵 I. Andante – Allegro con Fuoco – Andante – meno Allegro
🎵 II. Allegro vivace
🎵 III. Andante
🎵 IV. Chorale: Ein’ feste Burg ist unser Gott. Andante con moto – Allegro vivace – Allegro maestoso
El primer movimiento, andante, allegrop con fuoco, empieza con una solemne introducción lenta, al final de la cual aparece el “Dresden Amen” iniciando la exposición de un vigoroso allegro. El desarrollo con influencias de Beethoven, acaba con un retorno al tema del amén de Dresde, dando paso a la reexposición, que empieza de modo reflexivo, terminando con una solemne coda.
El segundo movimiento, allegro vivace, posee la estructura de un scherzo. Es un movimiento típico de Mendelssohn con dominio del viento. El trío interpretado por el oboe y las cuerdas es muy representativo de su estilo. Termina con una fina coda, desapareciendo lentamente.
El tercer movimiento, andante, empieza con un preámbulo de la parte fundamental de la sinfonía. Es una especie de interludio presentado por las flautas, fagots y cuerda, como una canción sin palabras. Enlaza sin pausa con el siguiente movimiento.
El cuarto movimiento, choral, andante con moto, allegro vivace, allegro maestoso, continúa sin interrupción, con una nota mantenida por las cuerdas graves. Un solo de flauta introduce el coral “Ein feste Burg” en modo lento. La melodía se armoniza con la entrada de violas y violoncelos, acelerándose hasta el allegro. El desarrollo es una especie de fuga con motivos derivados del coral luterano. La sinfonía termina con una solemne coda en tutti orquestal, celebrando a Dios como una Fuerte Fortaleza, en una forma orquestal de los corales de sus oratorios.
Pero la melodía nunca se completa, y la orquesta completa la interrumpe con el comienzo del final propiamente dicho, una declaración vigorosamente positiva para apoyar el triunfo de la Reforma.
Los fragmentos del coral son admitidos en la textura y eventualmente el coral aparece en una fuerte declaración de los vientos. Su cepa final proporciona un cierre del que se han desterrado todos los elementos de duda y conflicto.
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LA SINFONÍA NO.5 EN RE MAYOR OP. 107
La Sinfonía No.5 en Re Mayor Op. 107, conocida como Sinfonía de la Reforma, fue compuesta por Felix Mendelssohn en 1830, y estrenada en noviembre de 1832, en Berlín. La sinfonía se compuso en honor al tricentenario de la presentación de las confesiones de Augsburgo, también conocidas como Confesión Augustana.
Esta obra fue compuesta en ocasión al tricentenario de la Conferencia de Augsburgo de 1530, en la cual se definió la doctrina de la Iglesia Luterana. Pero el año 1830 fue un año de acontecimientos políticos, recordemos la revolución en Francia que provocó la caída de Carlos X y su repercusión en toda Europa mediante movimientos liberales. Es el primer estallido del nacionalismo. Bélgica y Grecia alcanzan la independencia. Italia busca la unidad nacional. Por este motivo su estreno hubo de posponerse. La prevista presentación en París durante la temporada 1831-32 no se realizó, al encontrar, según los promotores que “la sinfonía era demasiado estudiada, contenía mucho fugato y poca melodía”.
Para la construcción de esta sinfonía Mendelssohn tomó el coral de Lutero, “Ein feste Burg ist unser Gott” de 1529 y el “Dresden Amen”, el cual parece que fue escrito por Johann Naumann (1741-1801). Este tema más tarde fue usado por Wagner en su Parsifal. La orquestación comprende la cuerda, madera y metal habitual, tres trombones, tuba y timbales. Su estructura ha sido muy discutida, algunos diciendo que tiene cuatro movimientos, otros cinco, pero según el propio Mendelssohn tiene tres movimientos. El último está dividido en tres partes interpretadas sin interrupción.
La sinfonía consta de cuatro movimientos:
🎵 I. Andante – Allegro con Fuoco – Andante – meno Allegro
🎵 II. Allegro vivace
🎵 III. Andante
🎵 IV. Chorale: Ein’ feste Burg ist unser Gott. Andante con moto – Allegro vivace – Allegro maestoso
El primer movimiento, andante, allegrop con fuoco, empieza con una solemne introducción lenta, al final de la cual aparece el “Dresden Amen” iniciando la exposición de un vigoroso allegro. El desarrollo con influencias de Beethoven, acaba con un retorno al tema del amén de Dresde, dando paso a la reexposición, que empieza de modo reflexivo, terminando con una solemne coda.
El segundo movimiento, allegro vivace, posee la estructura de un scherzo. Es un movimiento típico de Mendelssohn con dominio del viento. El trío interpretado por el oboe y las cuerdas es muy representativo de su estilo. Termina con una fina coda, desapareciendo lentamente.
El tercer movimiento, andante, empieza con un preámbulo de la parte fundamental de la sinfonía. Es una especie de interludio presentado por las flautas, fagots y cuerda, como una canción sin palabras. Enlaza sin pausa con el siguiente movimiento.
El cuarto movimiento, choral, andante con moto, allegro vivace, allegro maestoso, continúa sin interrupción, con una nota mantenida por las cuerdas graves. Un solo de flauta introduce el coral “Ein feste Burg” en modo lento. La melodía se armoniza con la entrada de violas y violoncelos, acelerándose hasta el allegro. El desarrollo es una especie de fuga con motivos derivados del coral luterano. La sinfonía termina con una solemne coda en tutti orquestal, celebrando a Dios como una Fuerte Fortaleza, en una forma orquestal de los corales de sus oratorios.
Pero la melodía nunca se completa, y la orquesta completa la interrumpe con el comienzo del final propiamente dicho, una declaración vigorosamente positiva para apoyar el triunfo de la Reforma.
Los fragmentos del coral son admitidos en la textura y eventualmente el coral aparece en una fuerte declaración de los vientos. Su cepa final proporciona un cierre del que se han desterrado todos los elementos de duda y conflicto.
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#Sinfonía5 #LaReforma #Mendelssohn #JérémieRhorer
Título: Sinfonía No.5 en Re Mayor Op. 107
Autor: Felix Mendelssohn
Movimientos:
🎵 I. Andante – Allegro con Fuoco – Andante – meno Allegro
🎵 II. Allegro vivace
🎵 III. Andante
🎵 IV. Chorale: Ein’ feste Burg ist unser Gott. Andante con moto – Allegro vivace – Allegro maestoso
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Jérémie Rhorer
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Título: Sinfonía No.5 en Re Mayor Op. 107
Autor: Felix Mendelssohn
Movimientos:
🎵 I. Andante – Allegro con Fuoco – Andante – meno Allegro
🎵 II. Allegro vivace
🎵 III. Andante
🎵 IV. Chorale: Ein’ feste Burg ist unser Gott. Andante con moto – Allegro vivace – Allegro maestoso
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Jérémie Rhorer
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#Sinfonía3 #Escocesa #Mendelssohn #RumonGamba
LA SINFONÍA N.º 3 EN LA MENOR, OP. 56.
La Sinfonía n.º 3 en la menor, Op. 56, también llamada "Sinfonía Escocesa", es una obra del compositor alemán Félix Mendelssohn escrita entre 1829 y 1842. Fue estrenada el 3 de marzo de 1842 en Leipzig. La gestación de esta obra fue muy larga, mucho mayor que la anterior. La primera idea surgió en 1829 durante su viaje a Escocia, añadiéndole algunas ideas en Londres. Su composición es paralela a la Italiana, pues la continuó durante su estancia en Roma en 1830 y 1831, pero sin avanzar demasiado. Durante diez años permaneció en espera hasta su finalización en 1842. Su publicación fue dedicada a la reina Victoria.
Esta pieza musical está formada por cuatro movimientos:
🎵 I. Andante con moto - Allegro un poco agitato
🎵 II. Scherzo - Vivace non troppo
🎵 III. Adagio
🎵 IV. Allegro vivacissimo - Allegro maestoso assai
El primer movimiento, andante con moto, allegro un poco agitato, assai animato, empieza con una introducción lenta, que marca claramente el ambiente de la obra. En tono menor, sus notas oscuras nos pintan el paisaje nórdico donde se desarrolla la acción. Los primeros 16 compases fueron escritos en 1829. Mendelssohn se inspiró para estos compases, en las impresiones recibidas durante su visita al palacio de Holyrood en Edimburgo, mientras contemplaba la capilla en ruinas, en que fue coronada la reina María Estuardo.
El primer tema del allegro_ _continúa manteniendo el ambiente nuboso, pero a la vez con cierta solemnidad. Es presentado por los clarinetes y cuerdas. La transición nos pasa a un mayor dramatismo para presentar el segundo tema más rítmico. La coda de la exposición está basada en un tercer tema más melódico. Después de repetir la exposición, el desarrollo emplea los temas con amplio contrapunto, hasta llegar a la repetición del melódico tercer tema. Según la forma sonata, sigue la reexposición hasta llegar a la coda de carácter tempestuoso, con ondulaciones fantasmales en las cuerdas que terminan en stretta, pero finalmente se retorna, como para cerrar el ciclo, al motivo oscuro de la introducción.
El segundo movimiento, vivace non troppo. Posee su tema principal presentado por el clarinete y repetido por la orquesta. Es una melodía pentatónica de origen folclórico, proveniente de las antiguas canciones gaélicas. El segundo tema es más estilizado y rítmico. La coda termina en pianissimo, como si todo hubiera sido el fruto de un sueño.
El tercer movimiento, adagio, escrito en forma sonata clásica, presenta sus dos temas muy contrastados. El primero es una suave melodía que endulza el ambiente, presentada por los violines, sobre el pizzicato del resto de las cuerdas. Sin transición, aparece el segundo tema, como una solemne y trágica marcha en modo menor, con el viento tocando en su registro grave.
El dramatismo aumenta cuando se interpreta en fortissimo por toda la orquesta. La exposición termina de modo melódico sobre una variación del primer tema. Durante el desarrollo se amplifica la tensión al tomar el mando el segundo tema. En la reexposición el primer tema es interpretado por los violoncelos aumentando su melodismo.
El cuarto movimiento, allegro vivacissimo, allegro maestoso assai, es una vigorosa danza, mezclada con melodías de sabor popular. El primer tema, de carácter escocés, es muy vivo y el segundo confiado al viento, presenta el debido contraste. En el desarrollo se mezclan los dos temas.
Terminada la reexposición aparece la coda, anunciada por llamadas enfáticas de toda la orquesta, pero es un falso final. El sonido se va apagando hasta quedar reducido a un diálogo entre el clarinete y el fagot, dando de nuevo el color nórdico al ambiente. Entonces aparece el allegro maestoso assai, presentando una especie de marcha triunfal derivada de la introducción de la sinfonía, con lo cual se cierra el círculo. El tema repite en crescendo y de un modo solemne se termina la sinfonía.
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LA SINFONÍA N.º 3 EN LA MENOR, OP. 56.
La Sinfonía n.º 3 en la menor, Op. 56, también llamada "Sinfonía Escocesa", es una obra del compositor alemán Félix Mendelssohn escrita entre 1829 y 1842. Fue estrenada el 3 de marzo de 1842 en Leipzig. La gestación de esta obra fue muy larga, mucho mayor que la anterior. La primera idea surgió en 1829 durante su viaje a Escocia, añadiéndole algunas ideas en Londres. Su composición es paralela a la Italiana, pues la continuó durante su estancia en Roma en 1830 y 1831, pero sin avanzar demasiado. Durante diez años permaneció en espera hasta su finalización en 1842. Su publicación fue dedicada a la reina Victoria.
Esta pieza musical está formada por cuatro movimientos:
🎵 I. Andante con moto - Allegro un poco agitato
🎵 II. Scherzo - Vivace non troppo
🎵 III. Adagio
🎵 IV. Allegro vivacissimo - Allegro maestoso assai
El primer movimiento, andante con moto, allegro un poco agitato, assai animato, empieza con una introducción lenta, que marca claramente el ambiente de la obra. En tono menor, sus notas oscuras nos pintan el paisaje nórdico donde se desarrolla la acción. Los primeros 16 compases fueron escritos en 1829. Mendelssohn se inspiró para estos compases, en las impresiones recibidas durante su visita al palacio de Holyrood en Edimburgo, mientras contemplaba la capilla en ruinas, en que fue coronada la reina María Estuardo.
El primer tema del allegro_ _continúa manteniendo el ambiente nuboso, pero a la vez con cierta solemnidad. Es presentado por los clarinetes y cuerdas. La transición nos pasa a un mayor dramatismo para presentar el segundo tema más rítmico. La coda de la exposición está basada en un tercer tema más melódico. Después de repetir la exposición, el desarrollo emplea los temas con amplio contrapunto, hasta llegar a la repetición del melódico tercer tema. Según la forma sonata, sigue la reexposición hasta llegar a la coda de carácter tempestuoso, con ondulaciones fantasmales en las cuerdas que terminan en stretta, pero finalmente se retorna, como para cerrar el ciclo, al motivo oscuro de la introducción.
El segundo movimiento, vivace non troppo. Posee su tema principal presentado por el clarinete y repetido por la orquesta. Es una melodía pentatónica de origen folclórico, proveniente de las antiguas canciones gaélicas. El segundo tema es más estilizado y rítmico. La coda termina en pianissimo, como si todo hubiera sido el fruto de un sueño.
El tercer movimiento, adagio, escrito en forma sonata clásica, presenta sus dos temas muy contrastados. El primero es una suave melodía que endulza el ambiente, presentada por los violines, sobre el pizzicato del resto de las cuerdas. Sin transición, aparece el segundo tema, como una solemne y trágica marcha en modo menor, con el viento tocando en su registro grave.
El dramatismo aumenta cuando se interpreta en fortissimo por toda la orquesta. La exposición termina de modo melódico sobre una variación del primer tema. Durante el desarrollo se amplifica la tensión al tomar el mando el segundo tema. En la reexposición el primer tema es interpretado por los violoncelos aumentando su melodismo.
El cuarto movimiento, allegro vivacissimo, allegro maestoso assai, es una vigorosa danza, mezclada con melodías de sabor popular. El primer tema, de carácter escocés, es muy vivo y el segundo confiado al viento, presenta el debido contraste. En el desarrollo se mezclan los dos temas.
Terminada la reexposición aparece la coda, anunciada por llamadas enfáticas de toda la orquesta, pero es un falso final. El sonido se va apagando hasta quedar reducido a un diálogo entre el clarinete y el fagot, dando de nuevo el color nórdico al ambiente. Entonces aparece el allegro maestoso assai, presentando una especie de marcha triunfal derivada de la introducción de la sinfonía, con lo cual se cierra el círculo. El tema repite en crescendo y de un modo solemne se termina la sinfonía.
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#Sinfonía3 #Escocesa #Mendelssohn #RumonGamba
Título: La Sinfonía n.º 3 en la menor, Op. 56
Autor: Felix Mendelssohn
Movimientos:
🎵 I. Andante con moto - Allegro un poco agitato
🎵 II. Scherzo - Vivace non troppo
🎵 III. Adagio
🎵 IV. Allegro vivacissimo - Allegro maestoso assai
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Galicia
Director:
Rumon Gamba
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Título: La Sinfonía n.º 3 en la menor, Op. 56
Autor: Felix Mendelssohn
Movimientos:
🎵 I. Andante con moto - Allegro un poco agitato
🎵 II. Scherzo - Vivace non troppo
🎵 III. Adagio
🎵 IV. Allegro vivacissimo - Allegro maestoso assai
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Galicia
Director:
Rumon Gamba
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#Sinfónia1 #JohanSvendesen #EivindGullbergJensen #AdamGrüchot
LA “SINFONÍA Nº 1 EN RE MAYOR” OP.4
La “Sinfonía Nº 1 en re mayor” Op.4 fue escrita por Johan Severin Svendsen, durante su estancia en el Conservatorio de Leipzig y terminada en 1867. Esta obra la presentará en Kristiania al otoño del mismo año, recibiendo los elogios de Grieg. Una obra académica escrita por un alumno aventajado. La guerra franco-prusiana de 1870 impide el estreno de la obra en Leipzig, pero es interpretada mas tarde, en 1877, por la orquesta del Gewandhaus.
Está sinfónia consta de 4 movimientos:
🎵 I. Molto allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Scherzo allegro scherzando
🎵 IV. Maestoso
El primer movimiento molto allegro está escrito en forma sonata. Un tema principal animado contrasta con el segundo tema, más lírico. Después de repetir la exposición, continúa con la sección de desarrollo. La excitación aumenta al presentar el tema principal en la reexposición, terminando con la clásica coda.
La cuerda introduce el tema principal del andante, una amplia melodía lírica. La melodía sufre una serie de variaciones en las que intervienen los clarinetes, fagots y el corno inglés. El tema se va repitiendo, unas veces con solemnidad y otras con delicada orquestación.
El scherzo allegro scherzando, es el movimiento más original de la obra. Empieza presentando una danza campesina noruega, seguida de una sección donde las flautas se mueven en los registros agudos. Luego continúa con una sección característica con acompañamiento de cuerdas punteadas. La sección central se repite para volver nuevamente a la danza inicial. Una breve coda cierra el movimiento.
Termina con un maestoso. Una introducción lenta de las cuerdas va ganado intensidad, hasta convertirse en el tema principal de ritmo sincopado. El segundo tema introducido por las cuerdas y que luego pasa a la orquesta, ofrece el esperado contraste lírico. Después de un cuidadoso desarrollo, la recapitulación nos conduce a la concluyente coda.
En 1872 Svendsen regresa a Kristiania tomando el cargo junto a Grieg de la dirección de los conciertos de la Sociedad Musical Noruega. Luego la responsabilidad pasó a Svendsen.
La música de Svendsen recogió la herencia del conservatorio de Leipzig y si bien fue un romántico, no desarrolló un estilo radical y siempre empleó las formas clásicas. Su lenguaje armónico reveló cercanos lazos con Liszt y Wagner. Su instrumento era toda la orquesta y la exploró tanto creativa como interpretativamente, consiguiendo un brillante manejo de la orquestación y un imaginativo tratamiento del colorido orquestal. Sin embargo, la fascinación de la era romántica con el misticismo y el drama no le atrajo mucho.
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LA “SINFONÍA Nº 1 EN RE MAYOR” OP.4
La “Sinfonía Nº 1 en re mayor” Op.4 fue escrita por Johan Severin Svendsen, durante su estancia en el Conservatorio de Leipzig y terminada en 1867. Esta obra la presentará en Kristiania al otoño del mismo año, recibiendo los elogios de Grieg. Una obra académica escrita por un alumno aventajado. La guerra franco-prusiana de 1870 impide el estreno de la obra en Leipzig, pero es interpretada mas tarde, en 1877, por la orquesta del Gewandhaus.
Está sinfónia consta de 4 movimientos:
🎵 I. Molto allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Scherzo allegro scherzando
🎵 IV. Maestoso
El primer movimiento molto allegro está escrito en forma sonata. Un tema principal animado contrasta con el segundo tema, más lírico. Después de repetir la exposición, continúa con la sección de desarrollo. La excitación aumenta al presentar el tema principal en la reexposición, terminando con la clásica coda.
La cuerda introduce el tema principal del andante, una amplia melodía lírica. La melodía sufre una serie de variaciones en las que intervienen los clarinetes, fagots y el corno inglés. El tema se va repitiendo, unas veces con solemnidad y otras con delicada orquestación.
El scherzo allegro scherzando, es el movimiento más original de la obra. Empieza presentando una danza campesina noruega, seguida de una sección donde las flautas se mueven en los registros agudos. Luego continúa con una sección característica con acompañamiento de cuerdas punteadas. La sección central se repite para volver nuevamente a la danza inicial. Una breve coda cierra el movimiento.
Termina con un maestoso. Una introducción lenta de las cuerdas va ganado intensidad, hasta convertirse en el tema principal de ritmo sincopado. El segundo tema introducido por las cuerdas y que luego pasa a la orquesta, ofrece el esperado contraste lírico. Después de un cuidadoso desarrollo, la recapitulación nos conduce a la concluyente coda.
En 1872 Svendsen regresa a Kristiania tomando el cargo junto a Grieg de la dirección de los conciertos de la Sociedad Musical Noruega. Luego la responsabilidad pasó a Svendsen.
La música de Svendsen recogió la herencia del conservatorio de Leipzig y si bien fue un romántico, no desarrolló un estilo radical y siempre empleó las formas clásicas. Su lenguaje armónico reveló cercanos lazos con Liszt y Wagner. Su instrumento era toda la orquesta y la exploró tanto creativa como interpretativamente, consiguiendo un brillante manejo de la orquestación y un imaginativo tratamiento del colorido orquestal. Sin embargo, la fascinación de la era romántica con el misticismo y el drama no le atrajo mucho.
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#Sinfónia1 #JohanSvendesen #EivindGullbergJensen #AdamGrüchot
Título: La “Sinfonía Nº 1 en re mayor” Op.4
Autor: Johan Severin Svendsen
Movimientos:
🎵 I. Molto allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Scherzo allegro scherzando
🎵 IV. Maestoso
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Kristiansand
Concertino - Adam Grüchot
Director:
Eivind Gullberg Jensen
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Título: La “Sinfonía Nº 1 en re mayor” Op.4
Autor: Johan Severin Svendsen
Movimientos:
🎵 I. Molto allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Scherzo allegro scherzando
🎵 IV. Maestoso
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Kristiansand
Concertino - Adam Grüchot
Director:
Eivind Gullberg Jensen
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#OFortuna #CarminaBurana #AndréRieu
O FORTUNA
O Fortuna es un poema goliardo escrito en latín medieval a principios del siglo XIII que forma parte de la colección conocida como Cármina Burana.
Carl Orff compuso Carmina Burana entre 1935 y 1936, apoyándose de 24 poemas del códice original que encontró Johann Christoph von Aretin en Benediktbeuern, Alemania en 1803.
Carl Orff compuso la música, de inspiración medieval, con amplia cantidad de recursos: gran orquesta y coro, con melodías que contienen fuertes cambios de intensidad, impetuosos contrastes tímbricos -vocales e instrumentales-, y un uso destacado de instrumentos de percusión. La obra fue estrenada en 1937, en Frankfurt.
Carmina Burana es una cantata escénica que pertenece a una trilogía que se encuentra dividida en tres actos: Catulli, Carmina, y El triunfo de Afrodita, donde Carmina es sin duda la más conocida.
Carmina Burana significa literalmente "Cánticos de Beuran" (Carmina en latín significa "cánticos"). Los temas de los poemas son cantos al amor, a la naturaleza, al destino (como en el caso de ¡Oh, Fortuna!), a la bebida; contiene, también, danzas de los goliardos y cantos sacros. Todos ellos escritos en latín medieval mezclado con alemán antiguo y francés. Se dice que en la Edad Media eran cantados por los goliardos (monjes y estudiantes errantes) de aldea en aldea.
Esta composición representa la lujuria, el poder, la vida y la muerte, el destino, los vicios, el deleite por la naturaleza, los deseos mundanos y la desesperación por pedir a la diosa de la Fortuna que tenga piedad e intervenga en el destino y felicidad del hombre. Todo lo cual se contrapone al pensamiento conservador de la época medieval, pues el propósito de la cantata es mantener una posición crítica frente a quienes ejercían el poder, como eran el clero y los reyes; y satírica hacia los estamentos sociales y eclesiásticos de aquel tiempo.
Carmina Burana está concebida en la forma musical “Cantata”, que traducido significa “Cantada”. Esta forma musical involucra a coros, solistas y orquesta, y la misma se puede concebir de manera sacra o profana.
La forma Cantata posee un estilo similar al de la ópera italiana, la diferencia radica en que no existe mayor movimiento de escena en esta. En Carmina Burana, Orff se centraría en el ritmo y su expresión fundamental como elemento inherente y primitivo del ser humano.
Carl Orff, para concebir Carmina Burana, escogería los temas centrados en la suerte inconstante, la estación de la primavera, el gusto por los placeres como el vino y la comida, y también los placeres sensuales. Esta composición posee una estructura melódica, armónica y rítmica bien compleja, influenciada además por la música atonal y el serialismo musical del siglo XX.
La composición de Orff consta de 7 partes, donde la última es la repetición de la primera:
🎵 Fortuna Emperatrix Mundi
🎵 Primo Vere
🎵 Uf Dem Anger
🎵 In Taberna
🎵 Cours Damour
🎵 Blanziflor et Helena
🎵 Fortuna Emperatrix Mundi
La misma posee una estructura armónica y melódica compleja, y su atención central fue el de crear patrones rítmicos impresionantes y llamativos al espectador, con una ambientación sonora que prepararía el clima de la trama encontrada en su Lírica, que se centraría en el amor y el gusto por los placeres mundanos.
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O FORTUNA
O Fortuna es un poema goliardo escrito en latín medieval a principios del siglo XIII que forma parte de la colección conocida como Cármina Burana.
Carl Orff compuso Carmina Burana entre 1935 y 1936, apoyándose de 24 poemas del códice original que encontró Johann Christoph von Aretin en Benediktbeuern, Alemania en 1803.
Carl Orff compuso la música, de inspiración medieval, con amplia cantidad de recursos: gran orquesta y coro, con melodías que contienen fuertes cambios de intensidad, impetuosos contrastes tímbricos -vocales e instrumentales-, y un uso destacado de instrumentos de percusión. La obra fue estrenada en 1937, en Frankfurt.
Carmina Burana es una cantata escénica que pertenece a una trilogía que se encuentra dividida en tres actos: Catulli, Carmina, y El triunfo de Afrodita, donde Carmina es sin duda la más conocida.
Carmina Burana significa literalmente "Cánticos de Beuran" (Carmina en latín significa "cánticos"). Los temas de los poemas son cantos al amor, a la naturaleza, al destino (como en el caso de ¡Oh, Fortuna!), a la bebida; contiene, también, danzas de los goliardos y cantos sacros. Todos ellos escritos en latín medieval mezclado con alemán antiguo y francés. Se dice que en la Edad Media eran cantados por los goliardos (monjes y estudiantes errantes) de aldea en aldea.
Esta composición representa la lujuria, el poder, la vida y la muerte, el destino, los vicios, el deleite por la naturaleza, los deseos mundanos y la desesperación por pedir a la diosa de la Fortuna que tenga piedad e intervenga en el destino y felicidad del hombre. Todo lo cual se contrapone al pensamiento conservador de la época medieval, pues el propósito de la cantata es mantener una posición crítica frente a quienes ejercían el poder, como eran el clero y los reyes; y satírica hacia los estamentos sociales y eclesiásticos de aquel tiempo.
Carmina Burana está concebida en la forma musical “Cantata”, que traducido significa “Cantada”. Esta forma musical involucra a coros, solistas y orquesta, y la misma se puede concebir de manera sacra o profana.
La forma Cantata posee un estilo similar al de la ópera italiana, la diferencia radica en que no existe mayor movimiento de escena en esta. En Carmina Burana, Orff se centraría en el ritmo y su expresión fundamental como elemento inherente y primitivo del ser humano.
Carl Orff, para concebir Carmina Burana, escogería los temas centrados en la suerte inconstante, la estación de la primavera, el gusto por los placeres como el vino y la comida, y también los placeres sensuales. Esta composición posee una estructura melódica, armónica y rítmica bien compleja, influenciada además por la música atonal y el serialismo musical del siglo XX.
La composición de Orff consta de 7 partes, donde la última es la repetición de la primera:
🎵 Fortuna Emperatrix Mundi
🎵 Primo Vere
🎵 Uf Dem Anger
🎵 In Taberna
🎵 Cours Damour
🎵 Blanziflor et Helena
🎵 Fortuna Emperatrix Mundi
La misma posee una estructura armónica y melódica compleja, y su atención central fue el de crear patrones rítmicos impresionantes y llamativos al espectador, con una ambientación sonora que prepararía el clima de la trama encontrada en su Lírica, que se centraría en el amor y el gusto por los placeres mundanos.
La estructura de las partes de esta obra supone un ciclo que se repite, ya que el final es el principio mismo, es decir, la vida misma.
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#OFortuna #CarminaBurana #AndréRieu
Título: O Fortuna (Carmina Burana)
Autor: Carl Orff
Movimientos:
🎵 Fortuna Emperatrix Mundi
🎵 Primo Vere
🎵 Uf Dem Anger
🎵 In Taberna
🎵 Cours Damour
🎵 Blanziflor et Helena
🎵 Fortuna Emperatrix Mundi
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Galicia
Director:
André Rieu
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Título: O Fortuna (Carmina Burana)
Autor: Carl Orff
Movimientos:
🎵 Fortuna Emperatrix Mundi
🎵 Primo Vere
🎵 Uf Dem Anger
🎵 In Taberna
🎵 Cours Damour
🎵 Blanziflor et Helena
🎵 Fortuna Emperatrix Mundi
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Galicia
Director:
André Rieu
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#Sinfonía #LudwigvanBeethoven #AndrésOrozcoEstrada
LA SINFONÍA N.º 7 EN LA MAYOR, OP. 92
La Sinfonía n.º 7 en la mayor, Op. 92 fue compuesta por Ludwig van Beethoven entre 1811 y 1812. Es la séptima de sus nueve sinfonías. La partitura está dedicada al conde Moritz von Fries. Se estrenó el 8 de diciembre 1813 en la _Universitätsaal_ de Viena, dirigida por el propio autor, en un concierto benéfico destinado a los soldados austríacos y bávaros heridos en la batalla napoleónica de Hanau del 30 de octubre. El concierto fue muy bien acogido por el público y la interpretación fue excelente al contar con grandes profesionales como instrumentistas.
La sinfonía tiene cuatro movimientos:
🎵 I. Poco sostenuto 4/4 – Vivace, en la mayor 6/8
🎵 II. Allegretto, en la menor 2/4
🎵 III. Presto, en fa mayor 3/4
🎵 IV. Allegro con brio, en la mayor 2/4
Su orquestación comprende dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagots, dos trompas, dos trompetas, timbales y la cuerda habitual. Wagner la llamó apoteosis de la danza, debido al dominio de la estructura rítmica, especialmente en los movimientos extremos.
El primer movimiento, poco sostenuto, vivace, escrito en forma sonata empieza con una introducción lenta, con acentos secos de la orquesta, que contiene una bucólica frase del oboe, repetida por los violines. Luego se presenta el primer tema del vivace de modo rítmico e impetuoso. Un segundo tema menos característico sirve de contraste. En la reexposición, el tema principal se transforma en una variación serena y hermosa. La coda concluye el movimiento solemnemente.
El segundo movimiento, allegretto, posee una estructura de marcha, en forma ternaria. Un motivo triste, que contrasta con la alegría del primer movimiento, va recorriendo los distintos grupos instrumentales hasta llegar a un vibrante tutti de la orquesta. La parte central consiste en un tranquilo diálogo de los vientos. Llegamos a la repetición de la primera parte. Se producen unos momentos de inquietud cuando se desarrolla un fugato sobre el tema principal.
El tercer movimiento, presto, assai meno presto, tiene forma de scherzo volviendo nuevamente el ritmo. Aquí Beethoven emplea la técnica de la repetición. El tema inicial es brusco y brioso, jugando con la repetición de las notas. El trío usa un tema de raíz popular sobre un pedal, nota larga sin interrupción, de los violines. Este tema se repite dos veces de forma grandiosa y solemne por el tutti de la orquesta. Luego se vuelve, como era de esperar, al primer tema del scherzo, pero la repetición continúa al escucharse de nuevo completamente el trío y volver al scherzo. Cuando todo parece indicar que se va a repetir el trío por tercera vez, es abreviado drásticamente en forma de coda.
El cuarto movimiento, allegro con brio, posee el ritmo frenético de una danza húngara. En la sección de desarrollo, el tema principal se presenta quebrado por la inserción de acordes graves y oscuros, pero pronto vuelve a presentarse de modo limpio. Antes de la repetición, la flauta nos anticipa el primer tema. La sinfonía acaba con una coda brillante de una gran fuerza rítmica.
De acuerdo con el historiador de la música Glenn Stanley, Beethoven "explotó la posibilidad de que una sección de cuerda pueda realizar tanto angularidad como contraste rítmico si se utiliza como fondo obbligato", particularmente en la coda, que contiene un ejemplo, poco frecuente en la música de Beethoven, de la indicación dinámica fff.
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LA SINFONÍA N.º 7 EN LA MAYOR, OP. 92
La Sinfonía n.º 7 en la mayor, Op. 92 fue compuesta por Ludwig van Beethoven entre 1811 y 1812. Es la séptima de sus nueve sinfonías. La partitura está dedicada al conde Moritz von Fries. Se estrenó el 8 de diciembre 1813 en la _Universitätsaal_ de Viena, dirigida por el propio autor, en un concierto benéfico destinado a los soldados austríacos y bávaros heridos en la batalla napoleónica de Hanau del 30 de octubre. El concierto fue muy bien acogido por el público y la interpretación fue excelente al contar con grandes profesionales como instrumentistas.
La sinfonía tiene cuatro movimientos:
🎵 I. Poco sostenuto 4/4 – Vivace, en la mayor 6/8
🎵 II. Allegretto, en la menor 2/4
🎵 III. Presto, en fa mayor 3/4
🎵 IV. Allegro con brio, en la mayor 2/4
Su orquestación comprende dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagots, dos trompas, dos trompetas, timbales y la cuerda habitual. Wagner la llamó apoteosis de la danza, debido al dominio de la estructura rítmica, especialmente en los movimientos extremos.
El primer movimiento, poco sostenuto, vivace, escrito en forma sonata empieza con una introducción lenta, con acentos secos de la orquesta, que contiene una bucólica frase del oboe, repetida por los violines. Luego se presenta el primer tema del vivace de modo rítmico e impetuoso. Un segundo tema menos característico sirve de contraste. En la reexposición, el tema principal se transforma en una variación serena y hermosa. La coda concluye el movimiento solemnemente.
El segundo movimiento, allegretto, posee una estructura de marcha, en forma ternaria. Un motivo triste, que contrasta con la alegría del primer movimiento, va recorriendo los distintos grupos instrumentales hasta llegar a un vibrante tutti de la orquesta. La parte central consiste en un tranquilo diálogo de los vientos. Llegamos a la repetición de la primera parte. Se producen unos momentos de inquietud cuando se desarrolla un fugato sobre el tema principal.
El tercer movimiento, presto, assai meno presto, tiene forma de scherzo volviendo nuevamente el ritmo. Aquí Beethoven emplea la técnica de la repetición. El tema inicial es brusco y brioso, jugando con la repetición de las notas. El trío usa un tema de raíz popular sobre un pedal, nota larga sin interrupción, de los violines. Este tema se repite dos veces de forma grandiosa y solemne por el tutti de la orquesta. Luego se vuelve, como era de esperar, al primer tema del scherzo, pero la repetición continúa al escucharse de nuevo completamente el trío y volver al scherzo. Cuando todo parece indicar que se va a repetir el trío por tercera vez, es abreviado drásticamente en forma de coda.
El cuarto movimiento, allegro con brio, posee el ritmo frenético de una danza húngara. En la sección de desarrollo, el tema principal se presenta quebrado por la inserción de acordes graves y oscuros, pero pronto vuelve a presentarse de modo limpio. Antes de la repetición, la flauta nos anticipa el primer tema. La sinfonía acaba con una coda brillante de una gran fuerza rítmica.
De acuerdo con el historiador de la música Glenn Stanley, Beethoven "explotó la posibilidad de que una sección de cuerda pueda realizar tanto angularidad como contraste rítmico si se utiliza como fondo obbligato", particularmente en la coda, que contiene un ejemplo, poco frecuente en la música de Beethoven, de la indicación dinámica fff.
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#Sinfonía #LudwigvanBeethoven #AndrésOrozcoEstrada
Título: La Sinfonía n.º 7 en la mayor, Op. 92
Autor: Ludwig van Beethoven
Movimientos:
🎵 I. Poco sostenuto 4/4 – Vivace, en la mayor 6/8
🎵 II. Allegretto, en la menor 2/4
🎵 III. Presto, en fa mayor 3/4
🎵 IV. Allegro con brio, en la mayor 2/4
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Andrés Orozco-Estrada
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Título: La Sinfonía n.º 7 en la mayor, Op. 92
Autor: Ludwig van Beethoven
Movimientos:
🎵 I. Poco sostenuto 4/4 – Vivace, en la mayor 6/8
🎵 II. Allegretto, en la menor 2/4
🎵 III. Presto, en fa mayor 3/4
🎵 IV. Allegro con brio, en la mayor 2/4
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Andrés Orozco-Estrada
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer