#Gloria #Vivaldi #HidemiSuzuki
GLORIA RV 589
Antonio Vivaldi compuso varios Gloria, un tipo de obra religiosa. La que está catalogada como de RV 589 es la más conocida y popular de la música sacra de Vivaldi, pero se sabe que al menos escribió dos Glorias más. Además de la mencionada RV 589, ha llegado a nosotros la RV 588 y hay otra que se ha perdido (RV 590), que sólo se menciona en el catálogo Kreuzherren. El RV 589 fue compuesto hacia 1713 y el RV 588 hacia 1717.
El repertorio coral de Vivaldi fue descubierto a principios del siglo XX. _A_ Alfredo Casella se le atribuye el estreno del Gloria RV 589, en 1939, tras más de 200 años (1713), desde que fuera escrito.
El Gloria RV 589, en re mayor, tiene una duración aproximada de un poco más de media hora y se compone de once o doce movimientos (dependiendo de si el cuarto y el quinto son contados como uno o son contados como un pasaje solamente).
🎵I. Gloria en excelsis Deo (Coro) Gloria, gloria, a Dios en lo más alto.
🎵II. Et en terra pax (Coro) y en la tierra paz y buena voluntad a los hombres.
🎵III. Laudamus te (Sopranos) Te alabamos, te bendecimos. Te adoramos, te glorificamos.
🎵IV. Gratias agimus tibi (Coro) Te damos gracias.
🎵V. Propter magnam gloriam (Coro) por tu gran gloria.
🎵VI. Domine Deus (Soprano) Señor Dios, Rey del cielo, Dios Padre Todopoderoso.
🎵VII. Domine, Fili unigenite (Coro) Señor, el hijo unigénito, Jesucristo.
🎵VIII. Domine Deus, Agnus Dei (Contralto) y coro Señor Dios, Cordero de Dios, Hijo del Padre. Quien quita los pecados del mundo Ten piedad de nosotros.
🎵IX. Qui tollis peccata mundi (Coro) que quita los pecados del mundo Recibe nuestra súplica.
🎵X. Qui sedes ad dexteram Patris (Contralto) Quien está sentado a la diestra del Padre, ten piedad de nosotros.
🎵XI. Quoniam tu solus sanctus (Coro) Porque solo tú eres santo, solo Tú eres el Señor, solo tú eres el más elevado Jesucristo.
🎵XII. Cum Sancto Spiritu (Coro) Con el Espíritu Santo, En la gloria de Dios el Padre, Amén.
Al componer, Vivaldi fragmentó el texto oratorio del Gloria en 11 secciones, cada una de las cuales tiene un ambiente musical propio, por lo cual, si se quiere, puede interpretarse aisladamente una sola pieza.
Todas las partes vocales, desde los dos solistas de soprano y alto hasta el tenor y el bajo, fueron escritos originalmente para voces de mujeres, ya que no se permitía a hombres en el Pio Ospedale della Pietà, exclusivamente femenino (Vivaldi y el resto del personal masculino eran , por supuesto, miembros del sacerdocio); de vez en cuando la parte del bajo se mueve tan bajo que incluso los bajos femeninos notables de la Pietà deben haber tenido que transponer una octava. Solo dos instrumentos de viento -un oboe y una trompeta- se agregan al habitual contingente barroco de cuerdas, y el bajo continuo probablemente se habría reproducido por órgano.
@ClasicaAlAtardecer
GLORIA RV 589
Antonio Vivaldi compuso varios Gloria, un tipo de obra religiosa. La que está catalogada como de RV 589 es la más conocida y popular de la música sacra de Vivaldi, pero se sabe que al menos escribió dos Glorias más. Además de la mencionada RV 589, ha llegado a nosotros la RV 588 y hay otra que se ha perdido (RV 590), que sólo se menciona en el catálogo Kreuzherren. El RV 589 fue compuesto hacia 1713 y el RV 588 hacia 1717.
El repertorio coral de Vivaldi fue descubierto a principios del siglo XX. _A_ Alfredo Casella se le atribuye el estreno del Gloria RV 589, en 1939, tras más de 200 años (1713), desde que fuera escrito.
El Gloria RV 589, en re mayor, tiene una duración aproximada de un poco más de media hora y se compone de once o doce movimientos (dependiendo de si el cuarto y el quinto son contados como uno o son contados como un pasaje solamente).
🎵I. Gloria en excelsis Deo (Coro) Gloria, gloria, a Dios en lo más alto.
🎵II. Et en terra pax (Coro) y en la tierra paz y buena voluntad a los hombres.
🎵III. Laudamus te (Sopranos) Te alabamos, te bendecimos. Te adoramos, te glorificamos.
🎵IV. Gratias agimus tibi (Coro) Te damos gracias.
🎵V. Propter magnam gloriam (Coro) por tu gran gloria.
🎵VI. Domine Deus (Soprano) Señor Dios, Rey del cielo, Dios Padre Todopoderoso.
🎵VII. Domine, Fili unigenite (Coro) Señor, el hijo unigénito, Jesucristo.
🎵VIII. Domine Deus, Agnus Dei (Contralto) y coro Señor Dios, Cordero de Dios, Hijo del Padre. Quien quita los pecados del mundo Ten piedad de nosotros.
🎵IX. Qui tollis peccata mundi (Coro) que quita los pecados del mundo Recibe nuestra súplica.
🎵X. Qui sedes ad dexteram Patris (Contralto) Quien está sentado a la diestra del Padre, ten piedad de nosotros.
🎵XI. Quoniam tu solus sanctus (Coro) Porque solo tú eres santo, solo Tú eres el Señor, solo tú eres el más elevado Jesucristo.
🎵XII. Cum Sancto Spiritu (Coro) Con el Espíritu Santo, En la gloria de Dios el Padre, Amén.
Al componer, Vivaldi fragmentó el texto oratorio del Gloria en 11 secciones, cada una de las cuales tiene un ambiente musical propio, por lo cual, si se quiere, puede interpretarse aisladamente una sola pieza.
Todas las partes vocales, desde los dos solistas de soprano y alto hasta el tenor y el bajo, fueron escritos originalmente para voces de mujeres, ya que no se permitía a hombres en el Pio Ospedale della Pietà, exclusivamente femenino (Vivaldi y el resto del personal masculino eran , por supuesto, miembros del sacerdocio); de vez en cuando la parte del bajo se mueve tan bajo que incluso los bajos femeninos notables de la Pietà deben haber tenido que transponer una octava. Solo dos instrumentos de viento -un oboe y una trompeta- se agregan al habitual contingente barroco de cuerdas, y el bajo continuo probablemente se habría reproducido por órgano.
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#Gloria #Vivaldi #HidemiSuzuki
Titulo: Gloria RV 589
Autor: Antonio Vivaldi
Movimientos:
🎵I. Gloria en excelsis Deo
🎵II. Et en terra pax
🎵III. Laudamus te
🎵IV. Gratias agimus tibi
🎵V. Propter magnam gloriam
🎵VI. Domine Deus
🎵VII. Domine, Fili unigenite
🎵VIII. Domine Deus, Agnus Dei
🎵IX. Qui tollis peccata mundi
🎵X. Qui sedes ad dexteram Patris
🎵XI. Quoniam tu solus sanctus
🎵XII. Cum Sancto Spiritu
Interpretación:
Conjunto barroco croata y solistas de la Orquesta Libera Classica (Japón)
El Coro Ángelus
Midori Suzuki - Soprano
Netsuko Someya - Soprano
Sumihito Uesugi - Contratenor
Director:
Hidemi Suzuki
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: Gloria RV 589
Autor: Antonio Vivaldi
Movimientos:
🎵I. Gloria en excelsis Deo
🎵II. Et en terra pax
🎵III. Laudamus te
🎵IV. Gratias agimus tibi
🎵V. Propter magnam gloriam
🎵VI. Domine Deus
🎵VII. Domine, Fili unigenite
🎵VIII. Domine Deus, Agnus Dei
🎵IX. Qui tollis peccata mundi
🎵X. Qui sedes ad dexteram Patris
🎵XI. Quoniam tu solus sanctus
🎵XII. Cum Sancto Spiritu
Interpretación:
Conjunto barroco croata y solistas de la Orquesta Libera Classica (Japón)
El Coro Ángelus
Midori Suzuki - Soprano
Netsuko Someya - Soprano
Sumihito Uesugi - Contratenor
Director:
Hidemi Suzuki
Fuente: 🎼
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#LeJardinClos #GabrielFauré #EllyAmeling #DaltonBaldwin
LE JARDIN CLOS , OP . 106
Le jardin clos, Op. 106, es un ciclo de canciones de Gabriel Fauré, de ocho mélodies para voz y piano. Se basa en ocho poemas de la colección Entrevisions por Charles van Lerberghe.
Fauré compuso el ciclo en 1914, comenzando en Alemania y continuando en Suiza y Francia después de que huyó de Alemania en el estallido de la Primera Guerra Mundial.
Le jardin clos tuvo su estreno en los Conciertos Casella el 28 de enero de 1915, cantada por Claire Croiza. El pianista fue el mismo Fauré.
El ciclo de canciones fue publicado por Durand en mayo de 1915. Fauré dio a las canciones dedicatorias individuales; "Dans la nymphée" estuvo dedicado a Croiza.
Esta pieza se presenta en 8 melodías:
🎵 I. "Exaucement"
🎵 II. "Quand tu plonges dans tes yeux mes yeux"
🎵 III. "La messagère"
🎵 IV. "Je me poserai sur ton coeur"
🎵 V. "Dans la nymphée"
🎵 VI. "Dans la pénombre"
🎵 VII. "Il cher m'est, amour, le cinta para el pelo"
🎵 VIII. "Inscripción sur le sable"
La primera melodía del ciclo, "Exaucement", crea una red de significado a través del equívoco. En el poema, por ejemplo, los labios son palabras de oración y expresión de amor carnal. Y es difícil determinar exactamente cuándo tiene lugar el paso de una dirección a otra. Podemos decir que el poema cultiva la homogeneidad no por la unicidad del significado, sino por la yuxtaposición continua de los diversos significados.
Musicalmente, Fauré también procede por yuxtaposición. El telón de fondo sobre el que se desarrollará el discurso armónico es relativamente homogéneo: se enuncian patrones neutros que se mantienen hasta el final, aunque se modifican de forma muy paulatina.
Además, las ambigüedades armónicas causadas por notas extranjeras, los cambios entre voces y secuencias imprevistas contribuyen a la sensación de uniformidad. Estos elementos superficiales favorecen las condiciones que permitirán la coexistencia de diferentes niveles armónicos y contrapuntísticos.
Faure no abandonó completamente las progresiones armónicas tradicionales. Más bien, combinó lo viejo y lo nuevo para crear su estilo personal.
Tanto la ambigüedad armónica como el uso de la novela terciana las estructuras se vuelven más pronunciadas con el aumento de la austeridad visto en las obras posteriores de Faure.
A medida que los detalles ornamentales se vuelven más raro, la importancia de las notas individuales y los acordes aumenta. Estos no se reiteran continuamente como sería común en más piezas tradicionales.
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LE JARDIN CLOS , OP . 106
Le jardin clos, Op. 106, es un ciclo de canciones de Gabriel Fauré, de ocho mélodies para voz y piano. Se basa en ocho poemas de la colección Entrevisions por Charles van Lerberghe.
Fauré compuso el ciclo en 1914, comenzando en Alemania y continuando en Suiza y Francia después de que huyó de Alemania en el estallido de la Primera Guerra Mundial.
Le jardin clos tuvo su estreno en los Conciertos Casella el 28 de enero de 1915, cantada por Claire Croiza. El pianista fue el mismo Fauré.
El ciclo de canciones fue publicado por Durand en mayo de 1915. Fauré dio a las canciones dedicatorias individuales; "Dans la nymphée" estuvo dedicado a Croiza.
Esta pieza se presenta en 8 melodías:
🎵 I. "Exaucement"
🎵 II. "Quand tu plonges dans tes yeux mes yeux"
🎵 III. "La messagère"
🎵 IV. "Je me poserai sur ton coeur"
🎵 V. "Dans la nymphée"
🎵 VI. "Dans la pénombre"
🎵 VII. "Il cher m'est, amour, le cinta para el pelo"
🎵 VIII. "Inscripción sur le sable"
La primera melodía del ciclo, "Exaucement", crea una red de significado a través del equívoco. En el poema, por ejemplo, los labios son palabras de oración y expresión de amor carnal. Y es difícil determinar exactamente cuándo tiene lugar el paso de una dirección a otra. Podemos decir que el poema cultiva la homogeneidad no por la unicidad del significado, sino por la yuxtaposición continua de los diversos significados.
Musicalmente, Fauré también procede por yuxtaposición. El telón de fondo sobre el que se desarrollará el discurso armónico es relativamente homogéneo: se enuncian patrones neutros que se mantienen hasta el final, aunque se modifican de forma muy paulatina.
Además, las ambigüedades armónicas causadas por notas extranjeras, los cambios entre voces y secuencias imprevistas contribuyen a la sensación de uniformidad. Estos elementos superficiales favorecen las condiciones que permitirán la coexistencia de diferentes niveles armónicos y contrapuntísticos.
Faure no abandonó completamente las progresiones armónicas tradicionales. Más bien, combinó lo viejo y lo nuevo para crear su estilo personal.
Tanto la ambigüedad armónica como el uso de la novela terciana las estructuras se vuelven más pronunciadas con el aumento de la austeridad visto en las obras posteriores de Faure.
A medida que los detalles ornamentales se vuelven más raro, la importancia de las notas individuales y los acordes aumenta. Estos no se reiteran continuamente como sería común en más piezas tradicionales.
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#LeJardinClos #GabrielFauré #EllyAmeling #DaltonBaldwin
Título: Le jardin clos, Op. 106
Autor: Gabriel Fauré
Movimientos:
🎵 I. "Exaucement"
🎵 II. "Quand tu plonges dans tes yeux mes yeux"
🎵 III. "La messagère"
🎵 IV. "Je me poserai sur ton coeur"
🎵 V. "Dans la nymphée"
🎵 VI. "Dans la pénombre"
🎵 VII. "Il cher m'est, amour, le cinta para el pelo"
🎵 VIII. "Inscripción sur le sable"
Interpretación:
Elly Ameling - Soprano
Dalton Baldwin - Piano
Fuente: 🎼
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Título: Le jardin clos, Op. 106
Autor: Gabriel Fauré
Movimientos:
🎵 I. "Exaucement"
🎵 II. "Quand tu plonges dans tes yeux mes yeux"
🎵 III. "La messagère"
🎵 IV. "Je me poserai sur ton coeur"
🎵 V. "Dans la nymphée"
🎵 VI. "Dans la pénombre"
🎵 VII. "Il cher m'est, amour, le cinta para el pelo"
🎵 VIII. "Inscripción sur le sable"
Interpretación:
Elly Ameling - Soprano
Dalton Baldwin - Piano
Fuente: 🎼
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#Albinoni #Zenobia #Barroco #Ópera
TOMASO GIOVANNI ALBINONI
Tomaso Albinoni nació el 8 de Junio de 1671 en Venecia (República de Venecia) dónde también muere el 17 de enero de 1751. Hijo de Antonio Albinoni un fabricante de Papel y Lucretia Fabris, perteneciente a una conocida familia veneciana. Sus padres le costarían los estudios de violín y canto. Comenzó su carrera como dilettante. Fue un conocido compositor de Óperas (unas 50 de una producción de más de 200 obras)pese a que hoy es más conocido por sus sonatas, cantatas serenatas y conciertos.
Domenico, su hermano fue poeta y frecuentaba la alta sociedad de su tiempo lo que le hizo conocer a través de este al Cardenal Pietro Ottoboni (sobrino del papa Alejandro VIII, amigo de las artes y propector de músicos como Arcangelo Corelli)
En 1694 inauguró su catálogo de Óperas con Zenobia, Regina dei Palmironi; dedicándosela al Cardenal.
Es probable que Albinoni fuera contratado en 1700 como violinista por Fernando Carlo, Duque de Mantua, a quien le dedicó su colección de piezas instrumentales Opus 2.
A diferencia de otros compositores de la época, era un hombre con recursos y nunca buscó un puesto en la iglesia o una corte de la nobleza. Aunque parece que sus necesidades económicas aumentan tras la muerte de su padre en 1708.
En 1701 escribió sus muy populares suites Opus 3, y dedicó tal colección al Gran Duque Fernando III de Toscana.
En 1705 se casó con Margherita Rimondi con quien tuvo seis hijos. Antonino Biffi, el maestro di cappella de San Marcos de Venecia fue testigo de su boda, y evidentemente era amigo de Albinoni. Sin embargo, no parece que Albinoni tuviera ninguna otra relación con ese establecimiento que tanto destacaba musicalmente en Venecia. Logró su temprana fama como compositor de ópera en muchas ciudades de Italia, incluyendo Venecia, Génova, Bolonia, Mantua, Udine, Piacenza y Nápoles. Durante esta época compuso abundante música instrumental:
En 1722 es invitado por Maximiliano II Manuel de Baviera para dos de sus óperas en Múnich.
De las 50 óperas que compuso 28 se representaron en Venecia entre 1723 y 1740.
Actualmente es más reconocido por su música instrumental, en especial los conciertos de Oboe.
Johan Sebastian Bach escribió dos fugas sobre temas de Albinoni y usaba sus bajos como ejercicios de armonía en sus clases.
Parte de las obras se perdieron durante el bombardeo de Dresden en la WWII, al destruirse la Biblioteca estatal de Dresden.
Sebastián Bach admiraba sus obras instrumentales. Entre ellas hay que destacar:
-las Sonatas en trío
-los conciertos para uno y dos oboes
-El Concerto de 1710 para violín y orquesta.
Hoy en día es más conocido por su obra instrumental (sonatas y conciertos).
Según el registro de la parroquia Dei Carmini el 17 de enero de 1750, a los 84 años, murió de "diabetes, fiebre y catarro".
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TOMASO GIOVANNI ALBINONI
Tomaso Albinoni nació el 8 de Junio de 1671 en Venecia (República de Venecia) dónde también muere el 17 de enero de 1751. Hijo de Antonio Albinoni un fabricante de Papel y Lucretia Fabris, perteneciente a una conocida familia veneciana. Sus padres le costarían los estudios de violín y canto. Comenzó su carrera como dilettante. Fue un conocido compositor de Óperas (unas 50 de una producción de más de 200 obras)pese a que hoy es más conocido por sus sonatas, cantatas serenatas y conciertos.
Domenico, su hermano fue poeta y frecuentaba la alta sociedad de su tiempo lo que le hizo conocer a través de este al Cardenal Pietro Ottoboni (sobrino del papa Alejandro VIII, amigo de las artes y propector de músicos como Arcangelo Corelli)
En 1694 inauguró su catálogo de Óperas con Zenobia, Regina dei Palmironi; dedicándosela al Cardenal.
Es probable que Albinoni fuera contratado en 1700 como violinista por Fernando Carlo, Duque de Mantua, a quien le dedicó su colección de piezas instrumentales Opus 2.
A diferencia de otros compositores de la época, era un hombre con recursos y nunca buscó un puesto en la iglesia o una corte de la nobleza. Aunque parece que sus necesidades económicas aumentan tras la muerte de su padre en 1708.
En 1701 escribió sus muy populares suites Opus 3, y dedicó tal colección al Gran Duque Fernando III de Toscana.
En 1705 se casó con Margherita Rimondi con quien tuvo seis hijos. Antonino Biffi, el maestro di cappella de San Marcos de Venecia fue testigo de su boda, y evidentemente era amigo de Albinoni. Sin embargo, no parece que Albinoni tuviera ninguna otra relación con ese establecimiento que tanto destacaba musicalmente en Venecia. Logró su temprana fama como compositor de ópera en muchas ciudades de Italia, incluyendo Venecia, Génova, Bolonia, Mantua, Udine, Piacenza y Nápoles. Durante esta época compuso abundante música instrumental:
En 1722 es invitado por Maximiliano II Manuel de Baviera para dos de sus óperas en Múnich.
De las 50 óperas que compuso 28 se representaron en Venecia entre 1723 y 1740.
Actualmente es más reconocido por su música instrumental, en especial los conciertos de Oboe.
Johan Sebastian Bach escribió dos fugas sobre temas de Albinoni y usaba sus bajos como ejercicios de armonía en sus clases.
Parte de las obras se perdieron durante el bombardeo de Dresden en la WWII, al destruirse la Biblioteca estatal de Dresden.
Sebastián Bach admiraba sus obras instrumentales. Entre ellas hay que destacar:
-las Sonatas en trío
-los conciertos para uno y dos oboes
-El Concerto de 1710 para violín y orquesta.
Hoy en día es más conocido por su obra instrumental (sonatas y conciertos).
Según el registro de la parroquia Dei Carmini el 17 de enero de 1750, a los 84 años, murió de "diabetes, fiebre y catarro".
En 1945 Remo Giazotto reconstruiría a partir de las partituras que encontró un investigador en 1910 en un antiguo momasterio, la obra que llamaría Adagio de Albinoni. En aquella partitura tan sólo se apreciaba el bajo continuo y seis compases de melodía.
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#Albinoni #Zenobia #Barroco #Ópera
ZENOBIA, REGINA DE PALMIRA
Música de Tomasso Albinoni
Libreto de Antonio Marchi.
Dedicada a Francesco Serra, Marqués de Génova.
Fue estrenada en el Teatro Sainti Giovanni e Paolo en Venecia.
Es una de las pocas obras de Albinoni que nos han llegado completas. Es, también, la primera ópera dedicada a Zenobia.
Es un drama en tres actos:
Acto I Allegro
Acto II Grave
Acto III Allegro
@ClasicaAlAtardecer
ZENOBIA, REGINA DE PALMIRA
Música de Tomasso Albinoni
Libreto de Antonio Marchi.
Dedicada a Francesco Serra, Marqués de Génova.
Fue estrenada en el Teatro Sainti Giovanni e Paolo en Venecia.
Es una de las pocas obras de Albinoni que nos han llegado completas. Es, también, la primera ópera dedicada a Zenobia.
Es un drama en tres actos:
Acto I Allegro
Acto II Grave
Acto III Allegro
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#Albinoni #Zenobia #Barroco #Ópera
Título: Zenobia Regina de Palmireni , Op.1
Autor: Tommaso Albinoni
Movimientos:
🎵 Acto I: Allegro
🎵 Acto II: Grave
🎵 Acto III: Allegro
Interpretación:
La ópera de Damasco
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: Zenobia Regina de Palmireni , Op.1
Autor: Tommaso Albinoni
Movimientos:
🎵 Acto I: Allegro
🎵 Acto II: Grave
🎵 Acto III: Allegro
Interpretación:
La ópera de Damasco
Fuente: 🎼
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#Suite1 #SuiteParaViolonchelo #Bach #LucíaSwarts
SUITE PARA VIOLONCHELO N.º 1 EN SOL MAYOR, BWV 1007
Suites para violonchelo solo, BWV 1007, La obra (Suite n1 en sol mayor de Bach) tiene un compas de 4/4 y es la primera de las suites para violonchelo solo, tiene la función de preludio a las demás suites. La obra fue considerada un ejercicio por algunos críticos, debido a que al comienzo se basa en unos arpegios en Semicorcheas, pero seguido a esto hay varios pasajes donde los arpegios comienzan a ascender. En tal punto se rompe la línea, por lo cual no hay posibilidad de que a partir de aquí sea un estudio. Después vienen unos compases donde se usa un Re como nota pedal y una ascensión cromática que genera cierta tensión, que después se resolverá en un acorde.
Otro aspecto que importa mucho sobre la obra es la gran cantidad y forma de interpretaciones que se han realizado de esta obra, lo cual le da campo a un amplio campo de evaluación sobre el tema, Siempre hay campo para la discusión sobre la técnica del arco, de la posición, de la mano izquierda. Las mejores interpretaciones son muy limpias realmente, no se usa mucho el Vibrato, no tiene Gissandos y en un buen número de interpretaciones se toca el chelo con la técnica barroca, consistente en tener el chelo entre las piernas. Lo más importante de la obra, así como de las suites, es que le dio una importancia al chelo que no se le había reconocido antes.
La suite N1 para Violonchelo De Bach hace parte del grupo de 6 Suites:
▫ Suite n1 En sol mayor
▫ Suite n2 En Re menor
▫ Suite n3 en Do mayor
▫ Suite n4 en Mi bemol mayor
▫ Suite n5 En do menor
▫ Suite n6 en Re mayor
Estas obras son consideras unas de las más importantes y mayores obras compuestas para Violonchelo, con el paso del tiempo se han convertido en parte habitual del repertorio y auténtica piedra de toque para los chelistas.
Dichas obras tienen gran importancia ya que contiene gran cantidad de dispositivos técnicos, una amplia gama emocional y las interacciones entre voces propias del contrapunto de Bach, tales características en la obra, les permite demostrar a los Chelistas demostrar su habilidad y dominio del instrumento.
@ClasicaAlAtardecer
SUITE PARA VIOLONCHELO N.º 1 EN SOL MAYOR, BWV 1007
Suites para violonchelo solo, BWV 1007, La obra (Suite n1 en sol mayor de Bach) tiene un compas de 4/4 y es la primera de las suites para violonchelo solo, tiene la función de preludio a las demás suites. La obra fue considerada un ejercicio por algunos críticos, debido a que al comienzo se basa en unos arpegios en Semicorcheas, pero seguido a esto hay varios pasajes donde los arpegios comienzan a ascender. En tal punto se rompe la línea, por lo cual no hay posibilidad de que a partir de aquí sea un estudio. Después vienen unos compases donde se usa un Re como nota pedal y una ascensión cromática que genera cierta tensión, que después se resolverá en un acorde.
Otro aspecto que importa mucho sobre la obra es la gran cantidad y forma de interpretaciones que se han realizado de esta obra, lo cual le da campo a un amplio campo de evaluación sobre el tema, Siempre hay campo para la discusión sobre la técnica del arco, de la posición, de la mano izquierda. Las mejores interpretaciones son muy limpias realmente, no se usa mucho el Vibrato, no tiene Gissandos y en un buen número de interpretaciones se toca el chelo con la técnica barroca, consistente en tener el chelo entre las piernas. Lo más importante de la obra, así como de las suites, es que le dio una importancia al chelo que no se le había reconocido antes.
La suite N1 para Violonchelo De Bach hace parte del grupo de 6 Suites:
▫ Suite n1 En sol mayor
▫ Suite n2 En Re menor
▫ Suite n3 en Do mayor
▫ Suite n4 en Mi bemol mayor
▫ Suite n5 En do menor
▫ Suite n6 en Re mayor
Estas obras son consideras unas de las más importantes y mayores obras compuestas para Violonchelo, con el paso del tiempo se han convertido en parte habitual del repertorio y auténtica piedra de toque para los chelistas.
Dichas obras tienen gran importancia ya que contiene gran cantidad de dispositivos técnicos, una amplia gama emocional y las interacciones entre voces propias del contrapunto de Bach, tales características en la obra, les permite demostrar a los Chelistas demostrar su habilidad y dominio del instrumento.
Otro punto que le da mucha importancia a las Suites De Bach es que Gracias a esta obra, como lo son otras tantas, el Violonchelo fue adquiriendo el reconocimiento que se merecía como instrumento Solista.
@ClasicaAlAtardecer
#Suite1 #SuiteParaViolonchelo #Bach #LucíaSwarts
SUITE PARA VIOLONCHELO N.º 1 EN SOL MAYOR, BWV 1007
La obra está organizada así:
🎵 I. Prélude
🎵 II. Allemande
🎵 III. Courante
🎵 IV. Sarabande
🎵 V. Minuetto
🎵 VI. Giga Final
El preludio (4/4) de la primera suite puede responder en un principio al carácter de estudio o ejercicio con el que muchos críticos y músicos del pasado querían identificar todas las suites. Su sencillo comienzo de arpegios en semicorcheas así nos pueden hacer pensar, pero en la parte central un arpegio ascendente muere en un calderón y a partir de aquí hay unos compases de tránsito hacia un pasaje de «bariolage» y otro seguido de punto de pedal en re y ascensión cromática que provocan una tensión dramática tal que no cabe hablar de simple estudio. Tras estos compases (33-38) se libera parte de la tensión acumulada y el movimiento acaba de forma brillante con un amplio acorde.
La allemande (4/4) posee equilibrio en las proporciones y una escritura limpia y ligera, poco usual en las allemandes de Bach.
La courante (3/4) también posee estas características, y es de notar la rápida presentación de su tema.
La sarabande (3/4), muy equilibrada estructuralmente, tiene uno de los puntos de más interés en el paso de la última parte del compás 13 a la primera del 14, en el amplio intervalo del dos primera línea adicional en la parte superior al sol primera línea (recordemos que la clave utilizada es fa en cuarta).
El menuetto y su doble (3/4), son movimientos (junto con las bourrées y las gavotas en las cuatro últimas suites) que colaboran al equilibrio de las suites (de por sí graves y severas) con sus ritmos y melodías amables. Eso no significa que, como en el caso del doble del menuetto de esta primera suite, no puedan ser de bellísima factura.
La giga final (6/8) muestra estrechamiento de los períodos además de un detalle llamativo: la segunda parte tendría que acabar en el compás 28, pero Bach de repente realiza una variación que lleva al final del movimiento y de toda la suite.
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SUITE PARA VIOLONCHELO N.º 1 EN SOL MAYOR, BWV 1007
La obra está organizada así:
🎵 I. Prélude
🎵 II. Allemande
🎵 III. Courante
🎵 IV. Sarabande
🎵 V. Minuetto
🎵 VI. Giga Final
El preludio (4/4) de la primera suite puede responder en un principio al carácter de estudio o ejercicio con el que muchos críticos y músicos del pasado querían identificar todas las suites. Su sencillo comienzo de arpegios en semicorcheas así nos pueden hacer pensar, pero en la parte central un arpegio ascendente muere en un calderón y a partir de aquí hay unos compases de tránsito hacia un pasaje de «bariolage» y otro seguido de punto de pedal en re y ascensión cromática que provocan una tensión dramática tal que no cabe hablar de simple estudio. Tras estos compases (33-38) se libera parte de la tensión acumulada y el movimiento acaba de forma brillante con un amplio acorde.
La allemande (4/4) posee equilibrio en las proporciones y una escritura limpia y ligera, poco usual en las allemandes de Bach.
La courante (3/4) también posee estas características, y es de notar la rápida presentación de su tema.
La sarabande (3/4), muy equilibrada estructuralmente, tiene uno de los puntos de más interés en el paso de la última parte del compás 13 a la primera del 14, en el amplio intervalo del dos primera línea adicional en la parte superior al sol primera línea (recordemos que la clave utilizada es fa en cuarta).
El menuetto y su doble (3/4), son movimientos (junto con las bourrées y las gavotas en las cuatro últimas suites) que colaboran al equilibrio de las suites (de por sí graves y severas) con sus ritmos y melodías amables. Eso no significa que, como en el caso del doble del menuetto de esta primera suite, no puedan ser de bellísima factura.
La giga final (6/8) muestra estrechamiento de los períodos además de un detalle llamativo: la segunda parte tendría que acabar en el compás 28, pero Bach de repente realiza una variación que lleva al final del movimiento y de toda la suite.
Son unánimemente consideradas como una de las mayores obras para violonchelo jamás escritas. Prácticamente relegadas a una mera función didáctica hasta su "redescubrimiento" por parte de Pau Casals a finales del siglo XIX, se han convertido con el paso de las décadas en parte habitual del repertorio y auténtica piedra de toque para los violonchelistas.
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#Suite1 #SuiteParaViolonchelo #Bach #LucíaSwarts
Título: Suite para Violonchelo N.º 1 en Sok Mayor, BWV 1007
Autor: Johann Sebastian Bach
Movimientos:
🎵 I. Prélude
_🎵_ II. Allemande
🎵 III. Courante
🎵 IV. Sarabande
🎵 V. Minuetto
🎵 VI. Giga Final
Interpretación:
Sociedad de Bach de los Países Bajos
Lucía Swarts - Violonchelo
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: Suite para Violonchelo N.º 1 en Sok Mayor, BWV 1007
Autor: Johann Sebastian Bach
Movimientos:
🎵 I. Prélude
_🎵_ II. Allemande
🎵 III. Courante
🎵 IV. Sarabande
🎵 V. Minuetto
🎵 VI. Giga Final
Interpretación:
Sociedad de Bach de los Países Bajos
Lucía Swarts - Violonchelo
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
#ConciertoParaViolín #Bach #EmilyDeans #ShunskeSato
El CONCIERTO PARA DOS VIOLINES EN RE MENOR O DOBLE CONCIERTO PARA VIOLÍN, BWV 1043
El Concierto para dos violines en re menor o Doble concierto para violín, BWV 1043, es un concierto para dos violines, compuesto por Johann Sebastian Bach en Leipzig entre 1717 y 1723, cuando era maestro de capilla en la corte de Anhalt-Köthen. En 1739, en Leipzig, creó un arreglo para dos clavicémbalos, transpuesta a la tonalidad de do menor catalogada como BWV 1062. El concierto está escrito para los dos violines solistas, cuerdas y bajo continuo. Es tal vez una de las piezas más reconocidas de Bach y considerada una de las obras maestras del Barroco.
El único manuscrito que tenemos hoy es una copia de los años de Leipzig, entre 1730 y 1731, que el mismo Bach realizó para una ejecución del concierto en el Collegium Musicum, una activa sociedad musical de estudiantes universitarios locales. En los mismos años, Bach llegó incluso a realizar una transcripción del concierto para 2 instrumentos de tecla, en do menor. Pero la fecha de composición sigue siendo aun desconocida aunque muy probablemente este concierto haya sido compuesto entre 1717 y 1723, durante la estancia en Kothen. Más allá del contexto histórico, una obra de este nivel nos obliga a pasar inmediatamente a la música.
La orquesta se apodera por lapsos del protagonismo para crear una mayor sonoridad, es la parte que deleitó a cientos de aristócratas, otorgándoles experiencias inolvidables cuando fueron testigos de la maravillosa mente creadora de Johann Sebastian Bach.
@ClasicaAlAtardecer
El CONCIERTO PARA DOS VIOLINES EN RE MENOR O DOBLE CONCIERTO PARA VIOLÍN, BWV 1043
El Concierto para dos violines en re menor o Doble concierto para violín, BWV 1043, es un concierto para dos violines, compuesto por Johann Sebastian Bach en Leipzig entre 1717 y 1723, cuando era maestro de capilla en la corte de Anhalt-Köthen. En 1739, en Leipzig, creó un arreglo para dos clavicémbalos, transpuesta a la tonalidad de do menor catalogada como BWV 1062. El concierto está escrito para los dos violines solistas, cuerdas y bajo continuo. Es tal vez una de las piezas más reconocidas de Bach y considerada una de las obras maestras del Barroco.
El único manuscrito que tenemos hoy es una copia de los años de Leipzig, entre 1730 y 1731, que el mismo Bach realizó para una ejecución del concierto en el Collegium Musicum, una activa sociedad musical de estudiantes universitarios locales. En los mismos años, Bach llegó incluso a realizar una transcripción del concierto para 2 instrumentos de tecla, en do menor. Pero la fecha de composición sigue siendo aun desconocida aunque muy probablemente este concierto haya sido compuesto entre 1717 y 1723, durante la estancia en Kothen. Más allá del contexto histórico, una obra de este nivel nos obliga a pasar inmediatamente a la música.
La orquesta se apodera por lapsos del protagonismo para crear una mayor sonoridad, es la parte que deleitó a cientos de aristócratas, otorgándoles experiencias inolvidables cuando fueron testigos de la maravillosa mente creadora de Johann Sebastian Bach.
El concierto se caracteriza por la relación entre los dos violines solistas, que es más notable en el movimiento más famoso, el expresivo Largo ma non tanto. En este movimiento, la orquesta de cuerdas se limita a tocar acordes para dejar todo el protagonismo a los solistas.
@ClasicaAlAtardecer
#ConciertoParaViolín #Bach #EmilyDeans #ShunskeSato
El CONCIERTO PARA DOS VIOLINES EN RE MENOR O DOBLE CONCIERTO PARA VIOLÍN, BWV 1043
Consta de los siguientes movimientos:
🎵 I. Vivace
🎵 II. Largo ma non tanto
🎵 III. Allegro
El concierto se caracteriza por la relación entre los dos violines solistas, que es más notable en el movimiento largo ma non tanto.
El primer movimiento se abre con los segundos violines que inician con una amplia y brillante fuga, a la cual, siguiendo la tradicional estructura que Bach conocía perfectamente, responden, enlazando un complejo y majestuoso diálogo, los primeros violines. Todo calla cuando entran los dos solistas, acompañados por un sencillo y linear bajo continuo, y rara vez por toda la orquesta. Los solistas hacen todo: construyen estructuras armónicas, rítmicas y melódicas de extraordinaria belleza y encanto, constantemente caracterizadas por un magistral uso del contrapunto.
Sin embargo, el centro de este concierto es el segundo movimiento. Un movimiento donde la música habla por sí misma. Bach pasa del cuadrado 4/4 del primer movimiento en re menor, a una amable y suave indicación rítmica de 12/8, cambiando totalmente la impostación armónica en fa mayor. Y con un fa del segundo
Con el tercer movimiento, Bach nos sacude, nos mueve el tapete debajo de los pies. Nos desorienta completamente. En la severa y viva tonalidad de re menor, la misma del primer movimiento, Bach nos abre este movimiento de repente, sin un momento de descanso, con un nuevo diálogo entre primer y segundo violín: un diálogo tenso y nervioso en donde solo el bajo continuo nos logra dar una base sólida y tranquila.
La primera parte del diálogo (y del movimiento en general) termina con una inmediata modulación que abre las puertas a un “tutti” orquestal casi titánico y protoromántico, mismo que Bach repite al final del movimiento. Esta vez alterándolo con extraordinaria sensibilidad en una seria de modulaciones armónicas que le permiten cerrar el concierto en un severo y místico re.
En fin, un gran concierto, uno de los mejores de toda la literatura barroca europea. En estas piezas Bach aparece aún más claramente por lo que es y, creo, siempre será, como dice Max Reger: “el principio y el fin de toda la música”.
@ClasicaAlAtardecer
El CONCIERTO PARA DOS VIOLINES EN RE MENOR O DOBLE CONCIERTO PARA VIOLÍN, BWV 1043
Consta de los siguientes movimientos:
🎵 I. Vivace
🎵 II. Largo ma non tanto
🎵 III. Allegro
El concierto se caracteriza por la relación entre los dos violines solistas, que es más notable en el movimiento largo ma non tanto.
El primer movimiento se abre con los segundos violines que inician con una amplia y brillante fuga, a la cual, siguiendo la tradicional estructura que Bach conocía perfectamente, responden, enlazando un complejo y majestuoso diálogo, los primeros violines. Todo calla cuando entran los dos solistas, acompañados por un sencillo y linear bajo continuo, y rara vez por toda la orquesta. Los solistas hacen todo: construyen estructuras armónicas, rítmicas y melódicas de extraordinaria belleza y encanto, constantemente caracterizadas por un magistral uso del contrapunto.
Sin embargo, el centro de este concierto es el segundo movimiento. Un movimiento donde la música habla por sí misma. Bach pasa del cuadrado 4/4 del primer movimiento en re menor, a una amable y suave indicación rítmica de 12/8, cambiando totalmente la impostación armónica en fa mayor. Y con un fa del segundo
violín se abre este movimiento: un fa delicado, tierno, melancólico que va creciendo en un tema de conmovedora belleza. Y cuando el primer violín retoma el mismo tema una quinta arriba, en este momento inicia la magia: con sencillez y elegancia Bach construye uno de los mejores duetos instrumentales de la historia de la música. El equilibrio entre las dos voces es perfecto, impecable: aún realizando las mismas estructuras melódicas (y aún siendo, parece descontado pero no lo es, instrumentos idénticos), ambos parecen dialogar con su propio lenguaje, con su propia gramática, con su propia estética. Una belleza definitivamente no humana.Con el tercer movimiento, Bach nos sacude, nos mueve el tapete debajo de los pies. Nos desorienta completamente. En la severa y viva tonalidad de re menor, la misma del primer movimiento, Bach nos abre este movimiento de repente, sin un momento de descanso, con un nuevo diálogo entre primer y segundo violín: un diálogo tenso y nervioso en donde solo el bajo continuo nos logra dar una base sólida y tranquila.
La primera parte del diálogo (y del movimiento en general) termina con una inmediata modulación que abre las puertas a un “tutti” orquestal casi titánico y protoromántico, mismo que Bach repite al final del movimiento. Esta vez alterándolo con extraordinaria sensibilidad en una seria de modulaciones armónicas que le permiten cerrar el concierto en un severo y místico re.
En fin, un gran concierto, uno de los mejores de toda la literatura barroca europea. En estas piezas Bach aparece aún más claramente por lo que es y, creo, siempre será, como dice Max Reger: “el principio y el fin de toda la música”.
@ClasicaAlAtardecer
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#ConciertoParaViolín #Bach #EmilyDeans #ShunskeSato
Título: Concierto para Dos violines en Re menor, BWV 1043
Autor: Johann Sebastian Bach
Movimientos:
🎵 I. Vivace
🎵 II. Largo ma non tanto
🎵 III. Allegro
Interpretación:
Sociedad de Bach de los Países Bajos
Emily Deans - Violín
Director y Violinista:
Shunske Sato
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: Concierto para Dos violines en Re menor, BWV 1043
Autor: Johann Sebastian Bach
Movimientos:
🎵 I. Vivace
🎵 II. Largo ma non tanto
🎵 III. Allegro
Interpretación:
Sociedad de Bach de los Países Bajos
Emily Deans - Violín
Director y Violinista:
Shunske Sato
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
#Capricho24 #Paganini #Perlman
EL CAPRICHO No 24 PARA VIOLÍN, OP. 1, DE NICCOLÒ PAGANINI
Los 24 Caprichos para violín fueron escritos en grupos (seis, seis y doce) por Niccolò Paganini entre 1802 y 1817. También son designadas como M. S. 25 en el Catalogo tematico delle musiche di Niccolò Paganini de Maria Rosa Moretti y Anna de Sorrento, que fue publicada en 1982. Los Caprichos están escritos en forma de estudios, y cada número explora diferentes técnicas del violín (trinos en dobles cuerdas, cambio extremadamente rápido de posiciones y cuerdas, etc.)
Aunque escribió mucha música de cámara y conciertos, el genovés Nicolò Paganini compuso, entre los años de 1801 y 1807, su célebre colección de 24 Caprichos para violín, Op. 1, obra con la que inaugura la técnica violinística moderna y la que lo convierte en una de los violinistas más famosos de la historia. Desde entonces, ha tenido una enorme influencia, no sólo entre los violinistas –que aún hoy la siguen considerando su biblia-, sino en todos aquellos compositores que, como los pianistas, intentaron imitar su virtuosismo técnico.
Aunque inspirados en L’arte del violino compuesto por Pietro Locatelli en 1733, Paganini reinventa el género del Capriccio y lo convierte en la breve pieza de imaginativa musicalidad y ambiciosa técnica que es hoy.
El Capricho número 24 en La menor es un tema con variaciones que ha dado origen a varias obras de renombrados compositores como la Grande Fantaisie de bravoure sur La Clochette (1834) y los Grandes Études de Paganini (1838) de Franz Liszt, las Variaciones sobre un tema de Paganini op. 35 (1863) de Johannes Brahms, la impresionante Rapsodia sobre un tema de Paganini op. 43 (1934) de Serguei Rachmaninov o las Variaciones sobre un tema de Paganini (1941) de Witold Roman Lutoslawski.
@ClasicaAlAtardecer
EL CAPRICHO No 24 PARA VIOLÍN, OP. 1, DE NICCOLÒ PAGANINI
Los 24 Caprichos para violín fueron escritos en grupos (seis, seis y doce) por Niccolò Paganini entre 1802 y 1817. También son designadas como M. S. 25 en el Catalogo tematico delle musiche di Niccolò Paganini de Maria Rosa Moretti y Anna de Sorrento, que fue publicada en 1982. Los Caprichos están escritos en forma de estudios, y cada número explora diferentes técnicas del violín (trinos en dobles cuerdas, cambio extremadamente rápido de posiciones y cuerdas, etc.)
Aunque escribió mucha música de cámara y conciertos, el genovés Nicolò Paganini compuso, entre los años de 1801 y 1807, su célebre colección de 24 Caprichos para violín, Op. 1, obra con la que inaugura la técnica violinística moderna y la que lo convierte en una de los violinistas más famosos de la historia. Desde entonces, ha tenido una enorme influencia, no sólo entre los violinistas –que aún hoy la siguen considerando su biblia-, sino en todos aquellos compositores que, como los pianistas, intentaron imitar su virtuosismo técnico.
Aunque inspirados en L’arte del violino compuesto por Pietro Locatelli en 1733, Paganini reinventa el género del Capriccio y lo convierte en la breve pieza de imaginativa musicalidad y ambiciosa técnica que es hoy.
El Capricho número 24 en La menor es un tema con variaciones que ha dado origen a varias obras de renombrados compositores como la Grande Fantaisie de bravoure sur La Clochette (1834) y los Grandes Études de Paganini (1838) de Franz Liszt, las Variaciones sobre un tema de Paganini op. 35 (1863) de Johannes Brahms, la impresionante Rapsodia sobre un tema de Paganini op. 43 (1934) de Serguei Rachmaninov o las Variaciones sobre un tema de Paganini (1941) de Witold Roman Lutoslawski.
Por todo ello, Paganini es el paradigma del virtuoso romántico, hombre de una personalidad apasionada y músico de extraordinaria agilidad. Aunque otros compositores contemporáneos, posiblemente menos dotados para la música que los anteriores, extendieran la creencia de que su altísima técnica e inventiva debía ser obra del mismísimo diablo.
@ClasicaAlAtardecer
#Capricho24 #Paganini #Perlman
EL CAPRICHO No 24 PARA VIOLÍN, OP. 1, DE NICCOLÒ PAGANINI
🎵 Capricho n.º 1 en mi mayor "Arpegios" (Andante)
🎵 Capricho n.º 2 en si menor (Moderato)
🎵 Capricho n.º 3 en mi menor "Octavas" (Sostenuto – Presto – Sostenuto)
🎵 Capricho n.º 4 en do menor "Terceras" (Maestoso)
🎵 Capricho n.º 5 en la menor (Agitato)
🎵 Capricho n.º 6 en sol menor "El Trino / Trémolo" (Lento)
🎵 Capricho n.º 7 en la edad (Posato)
🎵 Capricho n.º 8 en mi♭ mayor (Maestoso)
🎵 Capricho n.º 9 en mi mayor "La Caza / La chasse" (Allegretto)
🎵 Capricho n.º 10 en sol menor (Vivace)
🎵 Capricho n.º 11 en do mayor (Andante – Presto – Andante)
🎵 Capricho n.º 12 en la♭ mayor (Allegro)
🎵 Capricho n.º 13 en si♭ mayor, "El Diablo de la Risa" (Allegro)
🎵 Capricho n.º 14 en mi♭ mayor (Moderato)
🎵 Capricho n.º 15 en mi menor (Posato)
🎵 Capricho n.º 16 en sol menor (Presto)
🎵 Capricho n.º 17 en mi♭ mayor (Sostenuto – Andante)
🎵 Capricho n.º 18 in do mayor (Corrente – Allegro)
🎵 Capricho n.º 19 en mi♭ mayor (Lento – Allegro assai)
🎵 Capricho n.º 20 en re mayor (Allegretto)
🎵 Capricho n.º 21 en la mayor (Amoroso – Presto)
🎵 Capricho n.º 22 en fa mayor (Marcato)
🎵 Capricho n.º 23 en mi♭ mayor (Posato – Minore – Posato)
🎵 Capricho n.º 24 en la menor (Tema. Quasi presto – Variazioni I–XI – Finale)
@ClasicaAlAtardecer
EL CAPRICHO No 24 PARA VIOLÍN, OP. 1, DE NICCOLÒ PAGANINI
🎵 Capricho n.º 1 en mi mayor "Arpegios" (Andante)
🎵 Capricho n.º 2 en si menor (Moderato)
🎵 Capricho n.º 3 en mi menor "Octavas" (Sostenuto – Presto – Sostenuto)
🎵 Capricho n.º 4 en do menor "Terceras" (Maestoso)
🎵 Capricho n.º 5 en la menor (Agitato)
🎵 Capricho n.º 6 en sol menor "El Trino / Trémolo" (Lento)
🎵 Capricho n.º 7 en la edad (Posato)
🎵 Capricho n.º 8 en mi♭ mayor (Maestoso)
🎵 Capricho n.º 9 en mi mayor "La Caza / La chasse" (Allegretto)
🎵 Capricho n.º 10 en sol menor (Vivace)
🎵 Capricho n.º 11 en do mayor (Andante – Presto – Andante)
🎵 Capricho n.º 12 en la♭ mayor (Allegro)
🎵 Capricho n.º 13 en si♭ mayor, "El Diablo de la Risa" (Allegro)
🎵 Capricho n.º 14 en mi♭ mayor (Moderato)
🎵 Capricho n.º 15 en mi menor (Posato)
🎵 Capricho n.º 16 en sol menor (Presto)
🎵 Capricho n.º 17 en mi♭ mayor (Sostenuto – Andante)
🎵 Capricho n.º 18 in do mayor (Corrente – Allegro)
🎵 Capricho n.º 19 en mi♭ mayor (Lento – Allegro assai)
🎵 Capricho n.º 20 en re mayor (Allegretto)
🎵 Capricho n.º 21 en la mayor (Amoroso – Presto)
🎵 Capricho n.º 22 en fa mayor (Marcato)
🎵 Capricho n.º 23 en mi♭ mayor (Posato – Minore – Posato)
🎵 Capricho n.º 24 en la menor (Tema. Quasi presto – Variazioni I–XI – Finale)
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