#Capricho24 #Paganini #Perlman
Título: Capricho No 24 en La menor, Op.1
Autor: Niccolò Paganini
Interpretación: Izthak Perlmam
@ClasicaAlAtardecer
Título: Capricho No 24 en La menor, Op.1
Autor: Niccolò Paganini
Interpretación: Izthak Perlmam
@ClasicaAlAtardecer
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#Capricho24 #Paganini #Perlman
Título: Capricho No 24 en La menor, Op. 1
Autor: Niccolò Paganini
Movimientos:
🎵 Capricho n.º 1 en mi mayor "Arpegios"
🎵 Capricho n.º 2 en si menor
🎵 Capricho n.º 3 en mi menor "Octavas"
🎵 Capricho n.º 4 en do menor "Terceras"
🎵 Capricho n.º 5 en la menor
🎵 Capricho n.º 6 en sol menor "El Trino / Trémolo"
🎵 Capricho n.º 7 en la edad
🎵 Capricho n.º 8 en mi♭ mayo
🎵 Capricho n.º 9 en mi mayor "La Caza / La chasse
🎵 Capricho n.º 10 en sol menor
🎵 Capricho n.º 11 en do mayor
🎵 Capricho n.º 12 en la♭ mayor
🎵 Capricho n.º 13 en si♭ mayor, "El Diablo de la Risa"
🎵 Capricho n.º 14 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 15 en mi menor
🎵 Capricho n.º 16 en sol menor
🎵 Capricho n.º 17 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 18 in do mayor
🎵 Capricho n.º 19 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 20 en re mayor
🎵 Capricho n.º 21 en la mayor
🎵 Capricho n.º 22 en fa mayor
🎵 Capricho n.º 23 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 24 en la menor
Interpretación:
Izthak Perlmam
Fuente: 🎼
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Título: Capricho No 24 en La menor, Op. 1
Autor: Niccolò Paganini
Movimientos:
🎵 Capricho n.º 1 en mi mayor "Arpegios"
🎵 Capricho n.º 2 en si menor
🎵 Capricho n.º 3 en mi menor "Octavas"
🎵 Capricho n.º 4 en do menor "Terceras"
🎵 Capricho n.º 5 en la menor
🎵 Capricho n.º 6 en sol menor "El Trino / Trémolo"
🎵 Capricho n.º 7 en la edad
🎵 Capricho n.º 8 en mi♭ mayo
🎵 Capricho n.º 9 en mi mayor "La Caza / La chasse
🎵 Capricho n.º 10 en sol menor
🎵 Capricho n.º 11 en do mayor
🎵 Capricho n.º 12 en la♭ mayor
🎵 Capricho n.º 13 en si♭ mayor, "El Diablo de la Risa"
🎵 Capricho n.º 14 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 15 en mi menor
🎵 Capricho n.º 16 en sol menor
🎵 Capricho n.º 17 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 18 in do mayor
🎵 Capricho n.º 19 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 20 en re mayor
🎵 Capricho n.º 21 en la mayor
🎵 Capricho n.º 22 en fa mayor
🎵 Capricho n.º 23 en mi♭ mayor
🎵 Capricho n.º 24 en la menor
Interpretación:
Izthak Perlmam
Fuente: 🎼
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#Concierto1 #Paganini #DimaSlobodeniouk #MariaDueñas
EL CONCIERTO PARA VIOLÍN Y ORQUESTA NO. 1
El Concierto para violín y orquesta No. 1 de Paganini es un virtuoso tour de force, pero no sólo revela la increíble capacidad técnica de Paganini, sino también su sensibilidad melódica y su habilidad para explotar las estructuras dramáticas. Al igual que muchas de sus otras obras, este concierto se inspira en el lenguaje musical de las óperas de Gioachino Rossini, que eran muy populares en la época. Paganini compuso originalmente el Concierto Nº 1 en la inusual clave de mi bemol mayor, para lograr un tono más brillante para el violín. Sin embargo, como la afinación en los conciertos modernos es mucho más alta de lo que era norma en la época de Paganini, la versión estándar moderna de la pieza se transpone a la tonalidad de re mayor, lo cual también hace que la fina cuerda del Mi del violín sea menos susceptible a la rotura (Paganini a menudo rompía varias cuerdas durante un concierto).
El Concierto No. 1 sólo se publicó tras su muerte, y pronto se convirtió en un fijo en el repertorio de virtuosos de menor categoría, tan expertos, más o menos, en el aspecto técnico, pero no tan convincentes musicalmente como Paganini. Afortunadamente, muchos grandes solistas del siglo XX se han concentrado tanto en la musicalidad de la pieza como en el virtuosismo.
El concierto posee tres movimientos:
🎶 Allegro maestoso - Tempo giusto (en Re mayor ; o Mi bemol mayor con scordatura)
🎶 Adagio (en la versión Si menor que termina en Si mayor ; o, Do menor que termina en Do mayor con escordatura)
🎶 Rondó. Allegro spirituoso - Un poco più presto (en Re mayor; o Mi bemol mayor con scordatura)
Paganini quería que el Concierto se escuchara en mi bemol mayor: las partes orquestales estaban escritas en mi bemol, y la parte solista estaba escrita en mi mayor con instrucciones para que el violín fuera afinado un semitono alto (una técnica conocida como escordatura) de modo que, por lo tanto, sonaría en mi bemol mayor. Esto permite que el solista logre efectos que suenan en mi bemol, lo que no sería posible con la afinación normal.
Un ejemplo de esto es la introducción del tercer movimiento, donde el violín toca una rápida escala descendente la-sol-fa♯-mi-re, tanto arqueada como en pizzicato, que es posible en una cuerda abierta en re, pero extremadamente difícil en la clave de mi bemol (es decir, tocar si♭-la♭-sol-fa-mi♭) porque se necesitarían dos cuerdas para tocar esta escala hacia abajo, mientras que solo se requiere una cuerda para tocarla en re.
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EL CONCIERTO PARA VIOLÍN Y ORQUESTA NO. 1
El Concierto para violín y orquesta No. 1 de Paganini es un virtuoso tour de force, pero no sólo revela la increíble capacidad técnica de Paganini, sino también su sensibilidad melódica y su habilidad para explotar las estructuras dramáticas. Al igual que muchas de sus otras obras, este concierto se inspira en el lenguaje musical de las óperas de Gioachino Rossini, que eran muy populares en la época. Paganini compuso originalmente el Concierto Nº 1 en la inusual clave de mi bemol mayor, para lograr un tono más brillante para el violín. Sin embargo, como la afinación en los conciertos modernos es mucho más alta de lo que era norma en la época de Paganini, la versión estándar moderna de la pieza se transpone a la tonalidad de re mayor, lo cual también hace que la fina cuerda del Mi del violín sea menos susceptible a la rotura (Paganini a menudo rompía varias cuerdas durante un concierto).
El Concierto No. 1 sólo se publicó tras su muerte, y pronto se convirtió en un fijo en el repertorio de virtuosos de menor categoría, tan expertos, más o menos, en el aspecto técnico, pero no tan convincentes musicalmente como Paganini. Afortunadamente, muchos grandes solistas del siglo XX se han concentrado tanto en la musicalidad de la pieza como en el virtuosismo.
El concierto posee tres movimientos:
🎶 Allegro maestoso - Tempo giusto (en Re mayor ; o Mi bemol mayor con scordatura)
🎶 Adagio (en la versión Si menor que termina en Si mayor ; o, Do menor que termina en Do mayor con escordatura)
🎶 Rondó. Allegro spirituoso - Un poco più presto (en Re mayor; o Mi bemol mayor con scordatura)
Paganini quería que el Concierto se escuchara en mi bemol mayor: las partes orquestales estaban escritas en mi bemol, y la parte solista estaba escrita en mi mayor con instrucciones para que el violín fuera afinado un semitono alto (una técnica conocida como escordatura) de modo que, por lo tanto, sonaría en mi bemol mayor. Esto permite que el solista logre efectos que suenan en mi bemol, lo que no sería posible con la afinación normal.
Un ejemplo de esto es la introducción del tercer movimiento, donde el violín toca una rápida escala descendente la-sol-fa♯-mi-re, tanto arqueada como en pizzicato, que es posible en una cuerda abierta en re, pero extremadamente difícil en la clave de mi bemol (es decir, tocar si♭-la♭-sol-fa-mi♭) porque se necesitarían dos cuerdas para tocar esta escala hacia abajo, mientras que solo se requiere una cuerda para tocarla en re.
Adicionalmente, la orquesta tocando en mi bemol mayor parece silenciar su sonido en comparación con el del violín solista, porque la sección de cuerdas toca con menos frecuencia con cuerdas abiertas, dando como resultado que la parte de violín solista emerge más clara y brillantemente del acompañamiento orquestal.@ClasicaAlAtardecer
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#Concierto1 #Paganini #DimaSlobodeniouk #MariaDueñas
Título: El Concierto para violín y orquesta No. 1
Autor: Niccolo Paganini
Movimentos:
🎵 Allegro maestoso - Tempo giusto (en Re mayor ; o Mi bemol mayor con scordatura)
🎵Adagio (en la versión Si menor que termina en Si mayor ; o, Do menor que termina en Do mayor con escordatura)
🎵 Rondó. Allegro spirituoso - Un poco più presto (en Re mayor; o Mi bemol mayor con scordatura)
Interpretación:
Maria Dueñas - Violín
Orquesta Sinfónica de Lahti
Director:
Dima Slobodeniouk
Fuente: 🎼
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Título: El Concierto para violín y orquesta No. 1
Autor: Niccolo Paganini
Movimentos:
🎵 Allegro maestoso - Tempo giusto (en Re mayor ; o Mi bemol mayor con scordatura)
🎵Adagio (en la versión Si menor que termina en Si mayor ; o, Do menor que termina en Do mayor con escordatura)
🎵 Rondó. Allegro spirituoso - Un poco più presto (en Re mayor; o Mi bemol mayor con scordatura)
Interpretación:
Maria Dueñas - Violín
Orquesta Sinfónica de Lahti
Director:
Dima Slobodeniouk
Fuente: 🎼
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#LaMer #LaMar #ClaudeDebussy #CristianMăcelaru
LA MER, TROIS ESQUISSES SYMPHONIQUES POUR ORCHESTRE, O SIMPLEMENTE LA MER. L 109.
La mer, trois esquisses symphoniques pour orchestre (El mar, tres bocetos sinfónicos para orquesta), o simplemente La mer (La mar) (números de catálogo L 109 y CD 111) es una obra para orquesta del compositor francés Claude Debussy (1862-1918). Comenzada en 1903 en Francia, la composición de La mer se completó en 1905 durante la estancia de Debussy en la costa del canal de la Mancha, en Eastbourne. Fue estrenada por la orquesta Lamoureux, bajo la dirección de Camille Chevillard, el 15 de octubre de 1905 en París. La obra no fue muy bien recibida, sobre todo a causa de una mala ejecución, pero con el tiempo se convirtió en una de las composiciones orquestales de Debussy más interpretadas.
La partitura está anotada para dos flautas, un flautín, dos oboes, un corno inglés, dos clarinetes, tres fagotes, un contrafagot, cuatro trompas, tres trompetas, dos cornetas, tres trombones, una tuba, timbales, percusión —platillos, lira, triángulo, xilófono y bombo—, dos arpas y cuerdas.
Una ejecución «estándar» dura alrededor de 23-24 minutos.
🎵 I. De l'aube à midi sur la mer [Desde el amanecer hasta el mediodía en el mar] - Très lent (Si menor).
🎵 II. Jeux de vagues [Juegos de olas] - Allegro (Do sostenido menor).
🎵 III. Dialogue du vent et de la mer [Diálogo del viento y el mar] - Animé et tumultueux (Do sostenido menor).
Por su factura, la obra se asemeja a una sinfonía, aunque no lleve el título de tal.
La obra se inicia en un contexto enseguida modal y presenta el tema cíclico en el corno inglés y en la trompeta, en el Modo Eolio o Modo de La. Del alba al mediodía sobre el mar no es sólo el mejor de los tres movimientos para observar el nuevo concepto de forma, pues en este fragmento descubriremos, además, el nuevo concepto de desarrollo de Debussy. Ante la necesidad de hacer progresar el material temático escogido, todo compositor, desde Beethoven, tiene sobre todo la tarea de apartar la obra de todo arquetipo ideal. Con El Mar, Debussy inventa realmente un procedimiento de desarrollo en el cual, las mismas nociones de exposición y de desarrollo coexisten en algo ininterrumpido, que hacen que la obra se impulse por sí misma, sin necesidad de un modelo preestablecido.
En El mar, Debussy logra esa imposibilidad por parte del oyente de percibir los puntos de unión, las transiciones, pasándose de una zona a otra como si fluyese de forma sencilla y natural. En este tercer movimiento, al ser un diálogo de dos fuerzas distintas, ese ensamblaje se hace aún más sutil: se observa en el paso de la sección primera a la segunda, cambiando la armadura de un Mi Mayor a un Re Bemol Mayor aunque para el oyente se llegue al nuevo tema, en flautas y oboe, y de corte melódico, sin percibir un puente marcado; sólo hay una “tranquilidad” precedente (del compás nº 48 en adelante).
Debussy subtituló La mer como «Tres bocetos sinfónicos», evitando el término más formal de «sinfonía». La mer es ostensiblemente una secuencia de tres impresiones, sin embargo la construcción de la obra es sinfónica, ya que consta de dos poderosos movimientos externos enmarcando a uno más ligero, más rápido, que actúa a modo de scherzo.
La mer está ampliamente considerada como una de las más grandes obras orquestales del siglo XX. Es una obra maestra de sugestión y sutileza en su rica descripción del océano, que combina una orquestación inusual con audaces armonías impresionistas. La obra está considerada entre las más importantes, a pesar de no ser de las más conocidas de Debussy.
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LA MER, TROIS ESQUISSES SYMPHONIQUES POUR ORCHESTRE, O SIMPLEMENTE LA MER. L 109.
La mer, trois esquisses symphoniques pour orchestre (El mar, tres bocetos sinfónicos para orquesta), o simplemente La mer (La mar) (números de catálogo L 109 y CD 111) es una obra para orquesta del compositor francés Claude Debussy (1862-1918). Comenzada en 1903 en Francia, la composición de La mer se completó en 1905 durante la estancia de Debussy en la costa del canal de la Mancha, en Eastbourne. Fue estrenada por la orquesta Lamoureux, bajo la dirección de Camille Chevillard, el 15 de octubre de 1905 en París. La obra no fue muy bien recibida, sobre todo a causa de una mala ejecución, pero con el tiempo se convirtió en una de las composiciones orquestales de Debussy más interpretadas.
La partitura está anotada para dos flautas, un flautín, dos oboes, un corno inglés, dos clarinetes, tres fagotes, un contrafagot, cuatro trompas, tres trompetas, dos cornetas, tres trombones, una tuba, timbales, percusión —platillos, lira, triángulo, xilófono y bombo—, dos arpas y cuerdas.
Una ejecución «estándar» dura alrededor de 23-24 minutos.
La mer tiene tres movimientos:🎵 I. De l'aube à midi sur la mer [Desde el amanecer hasta el mediodía en el mar] - Très lent (Si menor).
🎵 II. Jeux de vagues [Juegos de olas] - Allegro (Do sostenido menor).
🎵 III. Dialogue du vent et de la mer [Diálogo del viento y el mar] - Animé et tumultueux (Do sostenido menor).
Por su factura, la obra se asemeja a una sinfonía, aunque no lleve el título de tal.
La obra se inicia en un contexto enseguida modal y presenta el tema cíclico en el corno inglés y en la trompeta, en el Modo Eolio o Modo de La. Del alba al mediodía sobre el mar no es sólo el mejor de los tres movimientos para observar el nuevo concepto de forma, pues en este fragmento descubriremos, además, el nuevo concepto de desarrollo de Debussy. Ante la necesidad de hacer progresar el material temático escogido, todo compositor, desde Beethoven, tiene sobre todo la tarea de apartar la obra de todo arquetipo ideal. Con El Mar, Debussy inventa realmente un procedimiento de desarrollo en el cual, las mismas nociones de exposición y de desarrollo coexisten en algo ininterrumpido, que hacen que la obra se impulse por sí misma, sin necesidad de un modelo preestablecido.
En El mar, Debussy logra esa imposibilidad por parte del oyente de percibir los puntos de unión, las transiciones, pasándose de una zona a otra como si fluyese de forma sencilla y natural. En este tercer movimiento, al ser un diálogo de dos fuerzas distintas, ese ensamblaje se hace aún más sutil: se observa en el paso de la sección primera a la segunda, cambiando la armadura de un Mi Mayor a un Re Bemol Mayor aunque para el oyente se llegue al nuevo tema, en flautas y oboe, y de corte melódico, sin percibir un puente marcado; sólo hay una “tranquilidad” precedente (del compás nº 48 en adelante).
Debussy subtituló La mer como «Tres bocetos sinfónicos», evitando el término más formal de «sinfonía». La mer es ostensiblemente una secuencia de tres impresiones, sin embargo la construcción de la obra es sinfónica, ya que consta de dos poderosos movimientos externos enmarcando a uno más ligero, más rápido, que actúa a modo de scherzo.
La mer está ampliamente considerada como una de las más grandes obras orquestales del siglo XX. Es una obra maestra de sugestión y sutileza en su rica descripción del océano, que combina una orquestación inusual con audaces armonías impresionistas. La obra está considerada entre las más importantes, a pesar de no ser de las más conocidas de Debussy.
La mer es quizás uno de los mejores ejemplos del uso por parte de Debussy de una estructura matemática, la proporción áurea. El musicólogo Roy Howat ha escrito un libro titulado Debussy in Proportion donde muestra el uso de esta relación en La mer y en otras obras.
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#LaMer #LaMar #ClaudeDebussy #CristianMăcelaru
Título: La Mer
Autor: Claude Debussy
Movimientos:
🎵 I. De l'aube à midi sur la mer [Desde el amanecer hasta el mediodía en el mar] - Très lent (Si menor).
🎵 II. Jeux de vagues [Juegos de olas] - Allegro (Do sostenido menor).
🎵 III. Dialogue du vent et de la mer [Diálogo del viento y el mar] - Animé et tumultueux (Do sostenido menor).
Interpretación:
La Orquesta Nacional de Francia.
Director:
Cristian Măcelaru
Fuente: 🎼
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Título: La Mer
Autor: Claude Debussy
Movimientos:
🎵 I. De l'aube à midi sur la mer [Desde el amanecer hasta el mediodía en el mar] - Très lent (Si menor).
🎵 II. Jeux de vagues [Juegos de olas] - Allegro (Do sostenido menor).
🎵 III. Dialogue du vent et de la mer [Diálogo del viento y el mar] - Animé et tumultueux (Do sostenido menor).
Interpretación:
La Orquesta Nacional de Francia.
Director:
Cristian Măcelaru
Fuente: 🎼
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#Arte #Música #Tango #Piazzolla
ADIÓS NONINO - ASTOR PIAZZOLLA
Encontrándose de gira en Puerto Rico por el año 1959, el artista argentino Astor Piazzolla sufría por la añoranza a su país y los problemas económicos causados por la fracasada gira.
Allí mismo recibiría la trágica noticia de la muerte de su padre en la ciudad argentina de Mar del Plata debido a un accidente en su bicicleta.
Sumergiéndose en una gran depresión, compone la pieza »Adiós Nonino», apodo por el cual se le conocía a su padre al cual ya le había compuesto una pieza titulada justamente »Nonino».
La pieza fue su despedida y homenaje a su padre. Forjó la composición con acordes y timbres frecuentemente utilizados por Brian Wilson, y cadencias y variaciones de George Gershwin, autor predilecto de Nonino.
ADIÓS NONINO - ASTOR PIAZZOLLA
Encontrándose de gira en Puerto Rico por el año 1959, el artista argentino Astor Piazzolla sufría por la añoranza a su país y los problemas económicos causados por la fracasada gira.
Allí mismo recibiría la trágica noticia de la muerte de su padre en la ciudad argentina de Mar del Plata debido a un accidente en su bicicleta.
Sumergiéndose en una gran depresión, compone la pieza »Adiós Nonino», apodo por el cual se le conocía a su padre al cual ya le había compuesto una pieza titulada justamente »Nonino».
La pieza fue su despedida y homenaje a su padre. Forjó la composición con acordes y timbres frecuentemente utilizados por Brian Wilson, y cadencias y variaciones de George Gershwin, autor predilecto de Nonino.
La obra se caracteriza por diferentes pasajes alegres, sombríos, tristes y nostálgicos. Siempre cargada de amor, estremece tanto nuestro cuerpo como nuestra alma, lo que es emblema propio de esta pieza icónica.@SonataLife
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#Arte #Música #Tango #Piazzolla
ADIÓS NONINO - ASTOR PIAZZOLLA
Artista: Astor Piazzolla; Orquesta de la Radio de Colonia
Pieza: Adiós Nonino
Estilo: Tango
Año: 1985
Lugar: Alemania
@SonataLife
ADIÓS NONINO - ASTOR PIAZZOLLA
Artista: Astor Piazzolla; Orquesta de la Radio de Colonia
Pieza: Adiós Nonino
Estilo: Tango
Año: 1985
Lugar: Alemania
Fuente: 🎼@SonataLife
#SinfoníaDante #FranzLiszt #DimaSlobodeniouk
LA SINFONÍA DE LA DIVINA COMEDIA DE DANTE, S.109, “SINFONÍA DANTE ”
La Sinfonía de la Divina Comedia de Dante (S.109), o simplemente la “Sinfonía Dante”, es una sinfonía programática compuesta por Franz Liszt.
Escrita en estilo romántico, representa el viaje de Dante a través del infierno y del purgatorio. Fue estrenada en Dresde, en noviembre de 1857, con el propio Liszt como director, y supuestamente dedicada al amigo y futuro yerno Richard Wagner. La sinfonía completa dura aproximadamente 50 minutos. Los temas principales habían sido bosquejados desde 1847; sin embargo, no comenzó a trabajar seriamente en la sinfonía hasta mediados de 1855, y la mayor parte fue terminada al año siguiente. Así, la composición de la Sinfonía Dante coincidió en el tiempo con la otra obra maestra sinfónica de Liszt, la Sinfonía Fausto, inspirada por el drama de Goethe. Por esta razón, y porque son las únicas sinfonías a gran escala de Liszt (aunque compuso otras obras sinfónicas), las sinfonías Dante y Fausto suelen grabarse juntas.
La Sinfonía "Dante" ( Eine Symphonie zu Dantes Divina Commedia) fue compuesta durante el mismo período en que Liszt compuso su Sinfonía "Fausto" . Liszt tenía la intención de escribir un movimiento separado para cada sección de la Divina Comedia: "Inferno", "Purgatorio" y "Paradiso". Sin embargo, amigo de Liszt y que pronto se convertiría en yerno, Richard Wagner convenció a Liszt de que no era posible que un simple mortal representara el Paraíso en la música.
Liszt dejó caer el tercer movimiento, pero añadió un coro Magnificat al final del segundo movimiento. Esta acción, algunos críticos afirman que, efectivamente destruye el equilibrio del trabajo, dejando al oyente, como Dante, mirando hacia arriba en las alturas del cielo y escuchar su música desde lejos. Por otra parte, Liszt académico Humphrey Searle sostiene que aunque Liszt pudo haber sentido más en casa que retrata las regiones infernales que los celestes, la tarea de retratar el paraíso en la música no hubiera sido superior a sus fuerzas.
@ClasicaAlAtardecer
LA SINFONÍA DE LA DIVINA COMEDIA DE DANTE, S.109, “SINFONÍA DANTE ”
La Sinfonía de la Divina Comedia de Dante (S.109), o simplemente la “Sinfonía Dante”, es una sinfonía programática compuesta por Franz Liszt.
Escrita en estilo romántico, representa el viaje de Dante a través del infierno y del purgatorio. Fue estrenada en Dresde, en noviembre de 1857, con el propio Liszt como director, y supuestamente dedicada al amigo y futuro yerno Richard Wagner. La sinfonía completa dura aproximadamente 50 minutos. Los temas principales habían sido bosquejados desde 1847; sin embargo, no comenzó a trabajar seriamente en la sinfonía hasta mediados de 1855, y la mayor parte fue terminada al año siguiente. Así, la composición de la Sinfonía Dante coincidió en el tiempo con la otra obra maestra sinfónica de Liszt, la Sinfonía Fausto, inspirada por el drama de Goethe. Por esta razón, y porque son las únicas sinfonías a gran escala de Liszt (aunque compuso otras obras sinfónicas), las sinfonías Dante y Fausto suelen grabarse juntas.
La Sinfonía "Dante" ( Eine Symphonie zu Dantes Divina Commedia) fue compuesta durante el mismo período en que Liszt compuso su Sinfonía "Fausto" . Liszt tenía la intención de escribir un movimiento separado para cada sección de la Divina Comedia: "Inferno", "Purgatorio" y "Paradiso". Sin embargo, amigo de Liszt y que pronto se convertiría en yerno, Richard Wagner convenció a Liszt de que no era posible que un simple mortal representara el Paraíso en la música.
Liszt dejó caer el tercer movimiento, pero añadió un coro Magnificat al final del segundo movimiento. Esta acción, algunos críticos afirman que, efectivamente destruye el equilibrio del trabajo, dejando al oyente, como Dante, mirando hacia arriba en las alturas del cielo y escuchar su música desde lejos. Por otra parte, Liszt académico Humphrey Searle sostiene que aunque Liszt pudo haber sentido más en casa que retrata las regiones infernales que los celestes, la tarea de retratar el paraíso en la música no hubiera sido superior a sus fuerzas.
La Sinfonía Dante es un trabajo innovador, que ofrece numerosos avances orquestales y armónicos: los efectos del viento, armonías progresistas que generalmente evitan el sesgo tónica dominante de la música contemporánea, experimentos en la atonalidad , inusuales firmas de clave y el tiempo firmas , fluctuante tempi , interludios de música de cámara, y el uso de formas musicales inusuales. La sinfonía es también uno de los primeros en hacer uso de la tonalidad progresiva.@ClasicaAlAtardecer
#SinfoníaDante #FranzLiszt #DimaSlobodeniouk
LA SINFONÍA DE LA DIVINA COMEDIA DE DANTE, S.109, “SINFONÍA DANTE ”
Consiste en dos movimientos:
🎵 I. Infierno
🎵 II. Purgatorio - Magnificat
La obra carece significativamente de un tercer movimiento "Paraíso". Esto es debido a que Richard Wagner convenció a Liszt de que tal lugar estaba fuera del alcance de las habilidades humanas de cualquier compositor. En su lugar, la sinfonía concluye con un Magnificat para coro de voces femeninas.
Primer movimiento: Infierno
El primer movimiento está en forma ternaria (ABA), y se abre con una línea melódica en el metal y la cuerda, sin acompañamiento. Se introduce un redoble suavemente, que crece hasta culminar en fortissimo, y tras un breve silencio, se une la orquesta al completo. De acuerdo con la partitura, que en muchos lugares está anotada con pasajes de Dante, esto sería la versión musical de las palabras inscritas sobre las puertas del infierno: Abandona toda esperanza, tú que entras aquí; la música es, de acuerdo con esto, sombría, oscura y turbulenta. Tras pasar las puertas, las cuerdas introducen el primer tema, una escala cromática descendente:
El tema descendente
Debido a su ambigüedad tonal, esta línea cromática transmite urgencia y tensión. El tema suena dos veces antes de pasar a la orquesta, y representa el descenso de Dante a los infiernos. Volverá periódicamente a través del movimiento (en varias formas) y proporciona una fuerza conductora tras la música, empujando a la sinfonía hacia su clima literario, el suelo helado del infierno.
El tempo crece gradualmente desde Lento a Allegro frenetico, con lo cual los violines introducen un segundo tema.
Este tema es luego brevemente repetido por el metal, mientras las cuerdas retoman de nuevo el primer tema. Ambos destacan en la música y circulan por toda la orquesta como si fuera en un torbellino, mientras el tempo continúa acelerándose hasta alcanzar finalmente un Presto molto.
En la cúspide de la tormenta, aparece el tercer y último tema de la parte A.
Es contestado con fiereza por los dos temas anteriores, hasta alcanzar el clímax con un gran efecto de la orquesta completa. La música empieza a disiparse y se reafirma el tempo Lento original.
El segundo movimiento, Purgatorio
El Purgatorio es mucho más tranquilo y reflexivo cuando Dante pasa del aterrador Infierno, en el relativamente feliz en comparación con el Purgatorio. Liszt emplea una fuga reverente basada en gran medida en el motivo melódico descendente utilizado en el primer movimiento. Después de que las voces de las mujeres emiten el Magnificat final, el movimiento termina en un estado de tranquilidad. Liszt finalmente compuso una versión que termina con un pasaje fortísimo, sin embargo, se considera una alternativa radical a la primera versión.
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LA SINFONÍA DE LA DIVINA COMEDIA DE DANTE, S.109, “SINFONÍA DANTE ”
Consiste en dos movimientos:
🎵 I. Infierno
🎵 II. Purgatorio - Magnificat
La obra carece significativamente de un tercer movimiento "Paraíso". Esto es debido a que Richard Wagner convenció a Liszt de que tal lugar estaba fuera del alcance de las habilidades humanas de cualquier compositor. En su lugar, la sinfonía concluye con un Magnificat para coro de voces femeninas.
Primer movimiento: Infierno
El primer movimiento está en forma ternaria (ABA), y se abre con una línea melódica en el metal y la cuerda, sin acompañamiento. Se introduce un redoble suavemente, que crece hasta culminar en fortissimo, y tras un breve silencio, se une la orquesta al completo. De acuerdo con la partitura, que en muchos lugares está anotada con pasajes de Dante, esto sería la versión musical de las palabras inscritas sobre las puertas del infierno: Abandona toda esperanza, tú que entras aquí; la música es, de acuerdo con esto, sombría, oscura y turbulenta. Tras pasar las puertas, las cuerdas introducen el primer tema, una escala cromática descendente:
El tema descendente
Debido a su ambigüedad tonal, esta línea cromática transmite urgencia y tensión. El tema suena dos veces antes de pasar a la orquesta, y representa el descenso de Dante a los infiernos. Volverá periódicamente a través del movimiento (en varias formas) y proporciona una fuerza conductora tras la música, empujando a la sinfonía hacia su clima literario, el suelo helado del infierno.
El tempo crece gradualmente desde Lento a Allegro frenetico, con lo cual los violines introducen un segundo tema.
Este tema es luego brevemente repetido por el metal, mientras las cuerdas retoman de nuevo el primer tema. Ambos destacan en la música y circulan por toda la orquesta como si fuera en un torbellino, mientras el tempo continúa acelerándose hasta alcanzar finalmente un Presto molto.
En la cúspide de la tormenta, aparece el tercer y último tema de la parte A.
Es contestado con fiereza por los dos temas anteriores, hasta alcanzar el clímax con un gran efecto de la orquesta completa. La música empieza a disiparse y se reafirma el tempo Lento original.
El segundo movimiento, Purgatorio
El Purgatorio es mucho más tranquilo y reflexivo cuando Dante pasa del aterrador Infierno, en el relativamente feliz en comparación con el Purgatorio. Liszt emplea una fuga reverente basada en gran medida en el motivo melódico descendente utilizado en el primer movimiento. Después de que las voces de las mujeres emiten el Magnificat final, el movimiento termina en un estado de tranquilidad. Liszt finalmente compuso una versión que termina con un pasaje fortísimo, sin embargo, se considera una alternativa radical a la primera versión.
Liszt escribió una tremenda cantidad de música programática, es decir, música destinada a contar una historia. De hecho, probablemente escribió más de este tipo de música que cualquier otro compositor. Se le considera el padre de la forma ahora popular del Poema Sinfónico. De hecho, fue un verdadero maestro en el uso de su música para retratar diferentes historias o imágenes.@ClasicaAlAtardecer
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#SinfoníaDante #FranzLiszt #DimaSlobodeniouk
Título: Sinfonía de Dante, S.109
Autor: Franz Liszt
Movimientos:
🎵 I. Infierno
🎵 II. Purgatorio - Magnificat
Interpretación: La Orquesta Sinfónica de Galicia
- Coro de la OSG
Director:
Dima Slobodeniouk
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: Sinfonía de Dante, S.109
Autor: Franz Liszt
Movimientos:
🎵 I. Infierno
🎵 II. Purgatorio - Magnificat
Interpretación: La Orquesta Sinfónica de Galicia
- Coro de la OSG
Director:
Dima Slobodeniouk
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
#Sinfonía2 #LaMontañaMisteriosa #AlanHovhaness #ChristopherRussell
LA “SINFONÍA Nº 2”, OP.132 (LA MONTAÑA MISTERIOSA)
La “Sinfonía Nº 2” (Mysterious Mountain) Op.132 escrita por Alan Hovhaness y que fue terminada en 1955 cumpliendo un pedido de Leopold Stokowski, para su concierto de presentación con la Houston Symphony. La montaña a la que se refiere la obra pertenece en el misterio, como un lugar imaginario. Un modo de expresar la filosofía propia de su autor como nos dice en el siguiente párrafo.
“Las montañas son símbolos, como las pirámides, en el intento del hombre de conocer a Dios. Las montañas son lugares de reunión simbólicos entre las naturalezas mundanas y espirituales. En resumen, la Montaña Misteriosa puede ser el pico fantasma, inmensurable, pensando ser más alto que el Everest, como es visto desde largas distancias por los aviadores en el Tibet. En suma, puede ser la montaña solitaria, la fortaleza erguida sobre un territorio, como el Fujiyama, Ararat, Monadnock, Shasta o el Grand Teton”.
La Montaña Misterioso consta de 3 movimientos
🎵 Andante con moto
🎵 Double fugue
🎵 Andante espressivo
El primer movimiento, andante con moto, nos presenta un primer tema en forma de himno. Se desarrolla usando una métrica irregular. Un segundo tema en forma de arabescos nos comunica un sentimiento oriental. Algo como contemplar la Alhambra de Granada al pié de las montañas nevadas de Sierra Nevada. El retorno del tema inicial nos muestra la fuerza de occidente.
El segundo movimiento, double fugue, consiste en dos temas que se desarrollan en forma de una doble fuga. El primer tema se desarrolla lentamente en forma de un himno religioso. El segundo tema es rápido, presentado por la cuerda en un modo contrapuntístico. Con los dos temas se construye una brillante fuga.
El último movimiento, andante espressivo, muestra un tema en forma de himno, presentado por las trompas y trombones en sordina. El tema va creciendo hasta alcanzar su climax. Luego se retorna a la tranquilidad del himno inicial. Los oboes y clarinetes presentan una nueva melodía lenta, acompañada por una suave percusión, hasta que los violines en sordina nos devuelven el tema inicial, que aumenta en intensidad cuando pasa a la orquesta.
@ClasicaAlAtardecer
LA “SINFONÍA Nº 2”, OP.132 (LA MONTAÑA MISTERIOSA)
La “Sinfonía Nº 2” (Mysterious Mountain) Op.132 escrita por Alan Hovhaness y que fue terminada en 1955 cumpliendo un pedido de Leopold Stokowski, para su concierto de presentación con la Houston Symphony. La montaña a la que se refiere la obra pertenece en el misterio, como un lugar imaginario. Un modo de expresar la filosofía propia de su autor como nos dice en el siguiente párrafo.
“Las montañas son símbolos, como las pirámides, en el intento del hombre de conocer a Dios. Las montañas son lugares de reunión simbólicos entre las naturalezas mundanas y espirituales. En resumen, la Montaña Misteriosa puede ser el pico fantasma, inmensurable, pensando ser más alto que el Everest, como es visto desde largas distancias por los aviadores en el Tibet. En suma, puede ser la montaña solitaria, la fortaleza erguida sobre un territorio, como el Fujiyama, Ararat, Monadnock, Shasta o el Grand Teton”.
La Montaña Misterioso consta de 3 movimientos
🎵 Andante con moto
🎵 Double fugue
🎵 Andante espressivo
El primer movimiento, andante con moto, nos presenta un primer tema en forma de himno. Se desarrolla usando una métrica irregular. Un segundo tema en forma de arabescos nos comunica un sentimiento oriental. Algo como contemplar la Alhambra de Granada al pié de las montañas nevadas de Sierra Nevada. El retorno del tema inicial nos muestra la fuerza de occidente.
El segundo movimiento, double fugue, consiste en dos temas que se desarrollan en forma de una doble fuga. El primer tema se desarrolla lentamente en forma de un himno religioso. El segundo tema es rápido, presentado por la cuerda en un modo contrapuntístico. Con los dos temas se construye una brillante fuga.
El último movimiento, andante espressivo, muestra un tema en forma de himno, presentado por las trompas y trombones en sordina. El tema va creciendo hasta alcanzar su climax. Luego se retorna a la tranquilidad del himno inicial. Los oboes y clarinetes presentan una nueva melodía lenta, acompañada por una suave percusión, hasta que los violines en sordina nos devuelven el tema inicial, que aumenta en intensidad cuando pasa a la orquesta.
La obra nos presenta una nueva síntesis espiritual entre Oriente y Occidente, desarrollándose mediante una forma barroca, con una estructura formada por dos movimientos lentos enmarcando uno rápido, como si se quisiera envolver la frivolidad con la espiritualidad inspirada en la majestad natural de la montaña.@ClasicaAlAtardecer
