#Concierto5 #Emperador #Beethoven #MaurizioPollini #DanielePollini
EL CONCIERTO PARA PIANO N.º 5 EN MI BEMOL MAYOR, OP. 73
El concierto para piano n.º 5 en mi bemol mayor, op. 73, conocido popularmente como «Emperador», fue el último concierto para piano del compositor Ludwig van Beethoven. Fue escrito entre 1809 y 1811 en Viena y está dedicado a Rodolfo de Austria, protector y pupilo de Beethoven. En 1812 Carl Czerny, alumno del compositor, estrenó la obra en Viena. El sobrenombre de «Emperador» no fue asignado por el propio Beethoven sino por Johann Baptist Cramer, el editor inglés del concierto.
El Emperador está dividido en los tres movimientos tradicionales de los conciertos:
🎵 I. Allegro
🎵 II. Adagio un poco mosso
🎵 III. Rondo - Allegro ma non troppo
El primer movimiento se abre con un grandioso acorde de MI bemol para toda la orquesta, interrumpido por una serie de arpegios igualmente imponentes para el solo, sugiriendo una cadencia temprana. Pero en lugar de ello, Beethoven alterna pronunciamientos poderosos para la orquesta y el piano. La introducción terminó, el piano ofrece un tema amplio y arrogante del cual (y del subsiguiente, más tenue, segundo tema) Donald Francis Tovey escribió: "La orquesta no sólo es sinfónica, sino que está capacitada por la necesidad misma de acompañar ligeramente al solo para producir efectos orquestales etéreos que están en una categoría bastante diferente de cualquier cosa en las sinfonías. Por otra parte, la parte solista desarrolla la técnica de su instrumento con una libertad y brillantez para la que Beethoven no tiene ocio en las sonatas y la música de cámara".
El segundo movimiento es una de las inspiraciones sublimes del compositor. Las cuerdas silenciadas tocan un tema de incomparable belleza y triste ternura, la piano respuesta en trillizos silenciosos y descendentes, creando una sutil tensión hasta que el tema queda totalmente expuesto. El carácter nocturno del movimiento se ve favorecido por un delicado equilibrio de suaves vientos de madera, cuerdas y el solo, a medida que la música se desvanece misteriosamente. Luego, sobre una nota de trompeta sostenida, el piano introduce, suave y tranquilo andante, el tema del rondó final. De repente, dramáticamente, el tema final piano se precipita, un grandioso y exuberante allegro.
El tercer movimiento sigue ininterrumpidamente al segundo y es un típico rondó italiano, de la forma (ABACABA). El tema principal es interpretado por el piano y luego respondido por la orquesta. Escalas en el piano introducen el segundo tema, que también es respondido por la orquesta. En la sección C, mucho más larga, se presenta el tema A en tres tonalidades diferentes.
En ella, Beethoven nos enseña el tema principal en tres tonalidades diferentes, demostración inequívoca de su pericia en el arte de la modulación y el juego formal. De igual modo, mención especial cabríahacer del final del concierto, donde un solitario dúo entre el solista y el timbal parece generar un diálogo a punto de detenerseen una mansa quietud que será rápidamente desquebrajada por el piano, cuyo explosivo final contagiará de su brioso ímpetu a toda la orquesta
@ClasicaAlAtardecer
EL CONCIERTO PARA PIANO N.º 5 EN MI BEMOL MAYOR, OP. 73
El concierto para piano n.º 5 en mi bemol mayor, op. 73, conocido popularmente como «Emperador», fue el último concierto para piano del compositor Ludwig van Beethoven. Fue escrito entre 1809 y 1811 en Viena y está dedicado a Rodolfo de Austria, protector y pupilo de Beethoven. En 1812 Carl Czerny, alumno del compositor, estrenó la obra en Viena. El sobrenombre de «Emperador» no fue asignado por el propio Beethoven sino por Johann Baptist Cramer, el editor inglés del concierto.
El Emperador está dividido en los tres movimientos tradicionales de los conciertos:
🎵 I. Allegro
🎵 II. Adagio un poco mosso
🎵 III. Rondo - Allegro ma non troppo
El primer movimiento se abre con un grandioso acorde de MI bemol para toda la orquesta, interrumpido por una serie de arpegios igualmente imponentes para el solo, sugiriendo una cadencia temprana. Pero en lugar de ello, Beethoven alterna pronunciamientos poderosos para la orquesta y el piano. La introducción terminó, el piano ofrece un tema amplio y arrogante del cual (y del subsiguiente, más tenue, segundo tema) Donald Francis Tovey escribió: "La orquesta no sólo es sinfónica, sino que está capacitada por la necesidad misma de acompañar ligeramente al solo para producir efectos orquestales etéreos que están en una categoría bastante diferente de cualquier cosa en las sinfonías. Por otra parte, la parte solista desarrolla la técnica de su instrumento con una libertad y brillantez para la que Beethoven no tiene ocio en las sonatas y la música de cámara".
El segundo movimiento es una de las inspiraciones sublimes del compositor. Las cuerdas silenciadas tocan un tema de incomparable belleza y triste ternura, la piano respuesta en trillizos silenciosos y descendentes, creando una sutil tensión hasta que el tema queda totalmente expuesto. El carácter nocturno del movimiento se ve favorecido por un delicado equilibrio de suaves vientos de madera, cuerdas y el solo, a medida que la música se desvanece misteriosamente. Luego, sobre una nota de trompeta sostenida, el piano introduce, suave y tranquilo andante, el tema del rondó final. De repente, dramáticamente, el tema final piano se precipita, un grandioso y exuberante allegro.
El tercer movimiento sigue ininterrumpidamente al segundo y es un típico rondó italiano, de la forma (ABACABA). El tema principal es interpretado por el piano y luego respondido por la orquesta. Escalas en el piano introducen el segundo tema, que también es respondido por la orquesta. En la sección C, mucho más larga, se presenta el tema A en tres tonalidades diferentes.
En ella, Beethoven nos enseña el tema principal en tres tonalidades diferentes, demostración inequívoca de su pericia en el arte de la modulación y el juego formal. De igual modo, mención especial cabríahacer del final del concierto, donde un solitario dúo entre el solista y el timbal parece generar un diálogo a punto de detenerseen una mansa quietud que será rápidamente desquebrajada por el piano, cuyo explosivo final contagiará de su brioso ímpetu a toda la orquesta
Así pues, podemos afirmar sin miedo a caer en ninguna ponderación desmesurada que el concierto “Emperador” de Beethoven es mucho más que una obra icónica en el repertorio para piano y orquesta. Su quinto concierto no solo abre la puerta hacia el concierto romántico, sino que la traspasa. La nobleza de sus exhalaciones y el sentido triunfal de las mismas hacen que esta partitura siga deslumbrando doscientos años después de ser concebida. Un sentido triunfal que, paradójicamente, en su vida apenas hallamos; quizá por este motivo, Beethoven nos legó este concierto como el mejor de los consuelos para las derrotas de nuestra propia condición humana.@ClasicaAlAtardecer
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#Concierto5 #Emperador #Beethoven #MaurizioPollini #DanielePollini
Título: Concierto para piano y orquesta nº 5, en mi bemol mayor, op. 73, "Emperador"
Autor: Ludwig van Beethoven
Movimientos:
🎵 00:35 I. Allegro
🎵 21:00 II. Adagio un poco mosso
🎵 28:53 III. Allegro ma non troppo
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Galicia
Maurizio Pollini - Piano
Director: Daniele Pollini
Fuente: 🎼
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Título: Concierto para piano y orquesta nº 5, en mi bemol mayor, op. 73, "Emperador"
Autor: Ludwig van Beethoven
Movimientos:
🎵 00:35 I. Allegro
🎵 21:00 II. Adagio un poco mosso
🎵 28:53 III. Allegro ma non troppo
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Galicia
Maurizio Pollini - Piano
Director: Daniele Pollini
Fuente: 🎼
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#Toccata #Adagio #Fuga #Bach #YuyaTonouchi #ClaraGerdes
TOCCATA, ADAGIO Y FUGA EN DO MAYOR, BWV 564
Toccata, adagio y fuga en do mayor, BWV 564 es una pieza escrita para órgano por el compositor barroco alemán Johann Sebastian Bach en 1716 durante su estancia en Weimar. Se trata de una de las obras más destacadas del repertorio del instrumento y uno de los mayores logros del autor en el ámbito de la música organística.
La obra está escrita a tres voces y está estructurada en tres secciones principales:
🎵 Toccata
🎵 Adagio
🎵 Fuga
La Toccata es una sección de invención y temática muy libre, muy improvisada y virtuosística, donde el pedal participa mucho y hace destacadas entradas a solo.
El Adagio es una sección tranquila y serena, donde se advierte una gran influencia italiana.
La Fuga, una de las primeras grandes fugas del autor, como la BWV 565, en la que se aprecia el virtuosismo que el autor tenía en ésta forma musical.
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TOCCATA, ADAGIO Y FUGA EN DO MAYOR, BWV 564
Toccata, adagio y fuga en do mayor, BWV 564 es una pieza escrita para órgano por el compositor barroco alemán Johann Sebastian Bach en 1716 durante su estancia en Weimar. Se trata de una de las obras más destacadas del repertorio del instrumento y uno de los mayores logros del autor en el ámbito de la música organística.
La obra está escrita a tres voces y está estructurada en tres secciones principales:
🎵 Toccata
🎵 Adagio
🎵 Fuga
La Toccata es una sección de invención y temática muy libre, muy improvisada y virtuosística, donde el pedal participa mucho y hace destacadas entradas a solo.
El Adagio es una sección tranquila y serena, donde se advierte una gran influencia italiana.
La Fuga, una de las primeras grandes fugas del autor, como la BWV 565, en la que se aprecia el virtuosismo que el autor tenía en ésta forma musical.
La música es su más fiel retrato; la música serena es el papel adecuado para el envoltorio del desasosiego. El segundo movimiento de la Toccata, adagio y fuga en Do menor de Bach (BWV 564) es una de las composiciones más hermosas, como en otras de su repertorio, las notas que la componen hablan, dicen, conversan, explican, convencen, deja en claro ese carácter conversatorio de las obras de Bach.
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#Toccata #Adagio #Fuga #Bach #ClaraGerdes
Título: Toccata, adagio y fuga en do mayor, BWV 564
Autor: Johann Sebastian Bach
Movimientos:
🎵 Toccata
🎵 Adagio
🎵 Fuga
Interpretación:
Clara Gerdes
- Versión Órgano
Fuente: 🎼
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Título: Toccata, adagio y fuga en do mayor, BWV 564
Autor: Johann Sebastian Bach
Movimientos:
🎵 Toccata
🎵 Adagio
🎵 Fuga
Interpretación:
Clara Gerdes
- Versión Órgano
Fuente: 🎼
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#Toccata #Adagio #Fuga #Bach #YuyaTonouchi
Título: Toccata, adagio y fuga en do mayor, BWV 564
Autor: Johann Sebastian Bach
Movimientos:
🎵 Toccata
🎵 Adagio
🎵 Fuga
Interpretación:
Yuya Tonouchi
- Versión piano
Fuente: 🎼
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Título: Toccata, adagio y fuga en do mayor, BWV 564
Autor: Johann Sebastian Bach
Movimientos:
🎵 Toccata
🎵 Adagio
🎵 Fuga
Interpretación:
Yuya Tonouchi
- Versión piano
Fuente: 🎼
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#Concierto2 #Brahms #YujaWang #ValeryGergiev
CONCIERTO PARA PIANO N.º 2
El concierto para piano n.º 2 en si bemol mayor, Op. 83, de Johannes Brahms se separa en alrededor de veinte años de su primer concierto para piano. Brahms inició su composición en 1878 y la completó sólo tres años más tarde, en 1881, en Pressbaum, en las cercanías de Viena.
Este concierto está dedicado a su maestro, Eduard Marxsen. El estreno público del concierto se dio en Budapest el 9 de noviembre de 1881, con Brahms como solista y la Orquesta Filarmónica de Budapest, y fue un éxito inmediato.
La pieza tiene cuatro movimientos , en lugar de los tres típicos de los conciertos de los períodos clásico y romántico :
🎵 I. Allegro non troppo (B ♭ major)
🎵 II. Allegro appassionato (Re menor)
🎵III. Andante (B ♭ major-F ♯ importante-B ♭ major)
🎵 IV. Allegretto grazioso-Un poco più presto (B ♭ major)
La apertura es engañosamente benigna: un solitario cuerno grita una simple melodía de ocho notas, que es respondida por la piano subida silenciosa desde las profundidades más bajas. Una cadencia subsiguiente abarca todo el teclado.
El "pequeño scherzo" es a su vez turbulento y atractivo. El movimiento lento comienza con una maravillosa canción interpretada por un solo de violonchelo, más tarde con el oboe.
La elegancia exuberante y el encanto marcan el tema principal del final. Aquí la creatividad de Brahms es virtualmente infinita.
Aunque Brahms calificó el segundo movimiento como un scherzo (o "pequeño, diminuto scherzo") -una forma poco común en un concierto- es de hecho el más dramático y tempestuoso de los cuatro movimientos, al principio un entrenamiento estrepitoso y agotador para el piano, seguido y contrastado por un anhelado y melodioso tema para los violines y una noble sección de trío, antes de la repetición del histrionismo de apertura.
El movimiento lento nocturno, exquisitamente cantado, se basa enteramente en la frase de ocho compases del violonchelo solista, que posteriormente pasa a los violines y se amplía con la piano melodía a la que Brahms volvería más tarde para una de sus canciones más inolvidables, "Immer leiser wird mein Schlummer" (Cada vez más suave me hace dormir).
La impresión del rondó final es, como se ha sugerido anteriormente, de graciosa relajación; pero no se trata de una sola pieza o estado de ánimo, a saber, la creciente brillantez construyendo un par de clímax agresivos del solo, antes de volver al tema de apertura que se salta, y el crujiente crescendo orquestal final, para entonces el estado de ánimo ha cambiado de lo gracioso a lo estruendoso, en qué vena termina el concierto.
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CONCIERTO PARA PIANO N.º 2
El concierto para piano n.º 2 en si bemol mayor, Op. 83, de Johannes Brahms se separa en alrededor de veinte años de su primer concierto para piano. Brahms inició su composición en 1878 y la completó sólo tres años más tarde, en 1881, en Pressbaum, en las cercanías de Viena.
Este concierto está dedicado a su maestro, Eduard Marxsen. El estreno público del concierto se dio en Budapest el 9 de noviembre de 1881, con Brahms como solista y la Orquesta Filarmónica de Budapest, y fue un éxito inmediato.
La pieza tiene cuatro movimientos , en lugar de los tres típicos de los conciertos de los períodos clásico y romántico :
🎵 I. Allegro non troppo (B ♭ major)
🎵 II. Allegro appassionato (Re menor)
🎵III. Andante (B ♭ major-F ♯ importante-B ♭ major)
🎵 IV. Allegretto grazioso-Un poco più presto (B ♭ major)
La apertura es engañosamente benigna: un solitario cuerno grita una simple melodía de ocho notas, que es respondida por la piano subida silenciosa desde las profundidades más bajas. Una cadencia subsiguiente abarca todo el teclado.
El "pequeño scherzo" es a su vez turbulento y atractivo. El movimiento lento comienza con una maravillosa canción interpretada por un solo de violonchelo, más tarde con el oboe.
La elegancia exuberante y el encanto marcan el tema principal del final. Aquí la creatividad de Brahms es virtualmente infinita.
Aunque Brahms calificó el segundo movimiento como un scherzo (o "pequeño, diminuto scherzo") -una forma poco común en un concierto- es de hecho el más dramático y tempestuoso de los cuatro movimientos, al principio un entrenamiento estrepitoso y agotador para el piano, seguido y contrastado por un anhelado y melodioso tema para los violines y una noble sección de trío, antes de la repetición del histrionismo de apertura.
El movimiento lento nocturno, exquisitamente cantado, se basa enteramente en la frase de ocho compases del violonchelo solista, que posteriormente pasa a los violines y se amplía con la piano melodía a la que Brahms volvería más tarde para una de sus canciones más inolvidables, "Immer leiser wird mein Schlummer" (Cada vez más suave me hace dormir).
La impresión del rondó final es, como se ha sugerido anteriormente, de graciosa relajación; pero no se trata de una sola pieza o estado de ánimo, a saber, la creciente brillantez construyendo un par de clímax agresivos del solo, antes de volver al tema de apertura que se salta, y el crujiente crescendo orquestal final, para entonces el estado de ánimo ha cambiado de lo gracioso a lo estruendoso, en qué vena termina el concierto.
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#Concierto2 #Brahms #YujaWang #ValeryGergiev
Título: El concierto para piano n.º 2 en si bemol mayor, Op. 83
Autor: Johannes Brahms
Movimientos:
🎵 0:00 I. Allegro non troppo
🎵 18:04 II. Allegro appassionato
🎵 27:38 III. Andante
🎵 40:02 IV. Allegretto grazioso
Interpretación:
La Orquesta Filarmónica de Múnich
Piano - Yuja Wang
Director:
Valery Gergiev
Fuente: 🎼
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Título: El concierto para piano n.º 2 en si bemol mayor, Op. 83
Autor: Johannes Brahms
Movimientos:
🎵 0:00 I. Allegro non troppo
🎵 18:04 II. Allegro appassionato
🎵 27:38 III. Andante
🎵 40:02 IV. Allegretto grazioso
Interpretación:
La Orquesta Filarmónica de Múnich
Piano - Yuja Wang
Director:
Valery Gergiev
Fuente: 🎼
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#LaRapsodia #Dvořák #HansZimmer
LA RAPSODIA EN LA MENOR OPUS. 14
La Rapsodia en La menor, numerada diversamente Opus 14, 15, 18 o 19, fue concebida como un poema sinfónico, un título que a veces lleva, en el modelo de Vy šehrad de Smetana. La obra se completó en el otoño de 1874 y se publicó póstumamente en 1912. En orden de composición sigue la cuarta de las nueve sinfonías de Dvořák y la primera media docena de sus catorce cuartetos de cuerda, y de ninguna manera es obra de un novicio. La Rapsodia, abiertamente nacionalista en contenido melódico, muestra un manejo firme de la orquesta en una forma que ocasionalmente se inclina hacia lo episódico.
Rapsodia en La menor probablemente se escribió bajo la influencia de las Rapsodias húngaras de Liszt, con la diferencia natural de que, en lugar de canciones nacionales húngaras, se derivaría de la música folclórica de las naciones eslavas. Dvořák planeó todo un ciclo de piezas similares, pero finalmente solo hizo este intento: la pieza no evolucionó como había imaginado, particularmente desde un punto de vista estructural, por lo que abandonó la idea de una serie completa. Revivió su plan cuatro años después con su Slavonic Rhapsodies Op. 45, esta vez con gran éxito. La Rapsodia en La menor, que Dvorak también describió como un poema sinfónico, surge de dos temas fundamentales contrastantes (más tarde también se introduce un tema secundario) que experimentan varios cambios de humor.
La obra no se estructura en torno a ninguna forma de aplicación general, sino que comprende varias secciones interconectadas que gradualmente se vuelven más brillantes y vivaces a medida que la música avanza hacia su conclusión triunfante. La pieza nunca se presentó durante la vida de Dvorak; el estreno tuvo lugar el 3 de noviembre de 1904, interpretado por la Filarmónica Checa bajo la dirección de Oskar Nedbal, y no fue hasta mucho más tarde, en 1912, que la Rapsodia fue finalmente publicada por la firma berlinesa Simrock.
En 1874 le había valido a Dvořák el premio del Estipendio del Estado de Austria, que había solicitado durante el verano al comité de Viena que incluía a Brahms y Hanslick. Quizás fue el éxito oficial lo que le llevó a intentar la composición de la ópera en cinco actos Vanda, terminado a finales de 1875 y presentado en el Teatro Nacional Provisional al año siguiente. La ópera, que trata sobre la vida de una princesa polaca pagana que jura sacrificar su vida si los polacos derrotan una invasión alemana, tiene una evidente relevancia nacional, mientras que la propia Vanda presume una relación con Libus, heroína de la ópera de Smetana de ese nombre escrita tres años antes.
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LA RAPSODIA EN LA MENOR OPUS. 14
La Rapsodia en La menor, numerada diversamente Opus 14, 15, 18 o 19, fue concebida como un poema sinfónico, un título que a veces lleva, en el modelo de Vy šehrad de Smetana. La obra se completó en el otoño de 1874 y se publicó póstumamente en 1912. En orden de composición sigue la cuarta de las nueve sinfonías de Dvořák y la primera media docena de sus catorce cuartetos de cuerda, y de ninguna manera es obra de un novicio. La Rapsodia, abiertamente nacionalista en contenido melódico, muestra un manejo firme de la orquesta en una forma que ocasionalmente se inclina hacia lo episódico.
Rapsodia en La menor probablemente se escribió bajo la influencia de las Rapsodias húngaras de Liszt, con la diferencia natural de que, en lugar de canciones nacionales húngaras, se derivaría de la música folclórica de las naciones eslavas. Dvořák planeó todo un ciclo de piezas similares, pero finalmente solo hizo este intento: la pieza no evolucionó como había imaginado, particularmente desde un punto de vista estructural, por lo que abandonó la idea de una serie completa. Revivió su plan cuatro años después con su Slavonic Rhapsodies Op. 45, esta vez con gran éxito. La Rapsodia en La menor, que Dvorak también describió como un poema sinfónico, surge de dos temas fundamentales contrastantes (más tarde también se introduce un tema secundario) que experimentan varios cambios de humor.
La obra no se estructura en torno a ninguna forma de aplicación general, sino que comprende varias secciones interconectadas que gradualmente se vuelven más brillantes y vivaces a medida que la música avanza hacia su conclusión triunfante. La pieza nunca se presentó durante la vida de Dvorak; el estreno tuvo lugar el 3 de noviembre de 1904, interpretado por la Filarmónica Checa bajo la dirección de Oskar Nedbal, y no fue hasta mucho más tarde, en 1912, que la Rapsodia fue finalmente publicada por la firma berlinesa Simrock.
En 1874 le había valido a Dvořák el premio del Estipendio del Estado de Austria, que había solicitado durante el verano al comité de Viena que incluía a Brahms y Hanslick. Quizás fue el éxito oficial lo que le llevó a intentar la composición de la ópera en cinco actos Vanda, terminado a finales de 1875 y presentado en el Teatro Nacional Provisional al año siguiente. La ópera, que trata sobre la vida de una princesa polaca pagana que jura sacrificar su vida si los polacos derrotan una invasión alemana, tiene una evidente relevancia nacional, mientras que la propia Vanda presume una relación con Libus, heroína de la ópera de Smetana de ese nombre escrita tres años antes.
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#LaRapsodia #Dvořák #HansZimmer
Título: La Rapsodia en la Menor OPUS. 14
Autor: Antonín Dvořák
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Radio Berlín
Director:
Hans Zimmer
Fuente: 🎼
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Título: La Rapsodia en la Menor OPUS. 14
Autor: Antonín Dvořák
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Radio Berlín
Director:
Hans Zimmer
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#SinfoníaFantástica #Berlioz #DimaSlobodeniouk
LA SINFONÍA FANTÁSTICA, OP. 14
La Sinfonía fantástica, cuyo nombre completo en francés es Symphonie fantastique: Épisode de la vie d'un artiste ... en cinq parties (Sinfonía fantástica: Episodio de la vida de un artista, en cinco partes), Op. 14, es una sinfonía programática del compositor francés Hector Berlioz, compuesta en 1830. Es una pieza importante del período romántico temprano. Su estreno tuvo lugar en el Conservatorio de París el 5 de diciembre de 1830. Franz Liszt realizó una transcripción para piano de la sinfonía en 1833.
La composición consta de cinco movimientos, en vez de los cuatro habituales para las sinfonías de la época:
🎵 I. Rêveries – Passions (Sueños – Pasiones) - do menor/do mayor
🎵 II. Un bal (Un baile) - la mayor
🎵 III. Scène aux champs (Escena en los campos) - fa mayor
🎵 IV. Marche au supplice (Marcha al cadalso) - sol menor
🎵 V. Songe d'une nuit du sabbat (Sueño de una noche de sabbat) - do mayor
La sinfonía posee un argumento muy detallado. Es por esta razón que se suele decir que es uno de los mejores ejemplos de la música programática; también es quizás uno de los primeros argumentos.
La primera parte es titulada por Berlioz como Ensueños y Pasiones. Empieza con un largo mediante un melancólico tema presentado por los primeros violines, llamado por su autor el malestar del ánimo. Sigue el allegro agitato y appassionato assai, con su tema principal y leitmotiv de toda la sinfonía, la idée fixe, cuya primera parte, pertenece al principio de la cantata Herminie que ya se ha mencionado en el párrafo sobre el Prix de Rome. Está presentada por los primeros violines y la flauta. El tema secundario es una modificación del propio tema principal. La reexposición termina con imitaciones de los instrumentos de viento de la idée fixe que se va diluyendo hasta acabar con una cadencia religiosa o sea en el estilo de la música de la Iglesia.
La segunda parte está titulada Un baile. Se trata de un scherzo en forma de un elegante vals. En su instrumentación las arpas le dan un color delicado. En el trío aparece nuevamente la idée fixe, primero interpretada por la flauta y el oboe y luego por la flauta y el clarinete. Se repite el vals con nueva instrumentación y en la coda aparece otra vez la idée fixe, ahora interpretada por el clarinete solo.
La tercera parte se titula Escena en los campos. Es un adagio que empieza con un dúo pastoral interpretado por el corno inglés y el oboe solistas. Luego los violines primeros y la flauta presentan el idílico tema principal. Este tema pertenece al Gratias de su “Messe Solennelle” de 1824. Después de varias variaciones del tema que terminan en un crescendo, se encuentra un fragmento de canto de pájaros, efecto producido por varios instrumentos de viento. Luego se repite el tema principal y vuelve a presentarse la idée fixe, respondiendo a un recitativo dramático de los bajos de la orquesta. Termina escuchándose truenos lejanos producidos por los timbales, mientras resurge de nuevo la idée fixe.
La cuarta parte se titula Marcha hacia el suplicio. Es un allegretto non troppo en forma de marcha trágica. Empieza con redobles rítmicos de los timbales, siguiendo con la introducción de la sombría marcha por los violoncelos y contrabajos. Se repite varias veces aumentando la tensión. En una especie de trío, los vientos presentan un segundo tema brillante y solemne.
En este último movimiento apreciamos esta multiplicidad de transformaciones y sonoridades extrañas; hay un sonido de campanas, un clarinete, el golpeteo de las cuerdas de los violines y las violas con el arco de madera y glissandos en los alientos. En las dinámicas hay cambios bruscos de fortissimo a pianissimo construyendo la imaginería grotesca del aquelarre y la ensoñación. La coda final está basada en el tema del Sabbat deformado rítmicamente, en una especie de danza diabólica.
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LA SINFONÍA FANTÁSTICA, OP. 14
La Sinfonía fantástica, cuyo nombre completo en francés es Symphonie fantastique: Épisode de la vie d'un artiste ... en cinq parties (Sinfonía fantástica: Episodio de la vida de un artista, en cinco partes), Op. 14, es una sinfonía programática del compositor francés Hector Berlioz, compuesta en 1830. Es una pieza importante del período romántico temprano. Su estreno tuvo lugar en el Conservatorio de París el 5 de diciembre de 1830. Franz Liszt realizó una transcripción para piano de la sinfonía en 1833.
La composición consta de cinco movimientos, en vez de los cuatro habituales para las sinfonías de la época:
🎵 I. Rêveries – Passions (Sueños – Pasiones) - do menor/do mayor
🎵 II. Un bal (Un baile) - la mayor
🎵 III. Scène aux champs (Escena en los campos) - fa mayor
🎵 IV. Marche au supplice (Marcha al cadalso) - sol menor
🎵 V. Songe d'une nuit du sabbat (Sueño de una noche de sabbat) - do mayor
La sinfonía posee un argumento muy detallado. Es por esta razón que se suele decir que es uno de los mejores ejemplos de la música programática; también es quizás uno de los primeros argumentos.
La primera parte es titulada por Berlioz como Ensueños y Pasiones. Empieza con un largo mediante un melancólico tema presentado por los primeros violines, llamado por su autor el malestar del ánimo. Sigue el allegro agitato y appassionato assai, con su tema principal y leitmotiv de toda la sinfonía, la idée fixe, cuya primera parte, pertenece al principio de la cantata Herminie que ya se ha mencionado en el párrafo sobre el Prix de Rome. Está presentada por los primeros violines y la flauta. El tema secundario es una modificación del propio tema principal. La reexposición termina con imitaciones de los instrumentos de viento de la idée fixe que se va diluyendo hasta acabar con una cadencia religiosa o sea en el estilo de la música de la Iglesia.
La segunda parte está titulada Un baile. Se trata de un scherzo en forma de un elegante vals. En su instrumentación las arpas le dan un color delicado. En el trío aparece nuevamente la idée fixe, primero interpretada por la flauta y el oboe y luego por la flauta y el clarinete. Se repite el vals con nueva instrumentación y en la coda aparece otra vez la idée fixe, ahora interpretada por el clarinete solo.
La tercera parte se titula Escena en los campos. Es un adagio que empieza con un dúo pastoral interpretado por el corno inglés y el oboe solistas. Luego los violines primeros y la flauta presentan el idílico tema principal. Este tema pertenece al Gratias de su “Messe Solennelle” de 1824. Después de varias variaciones del tema que terminan en un crescendo, se encuentra un fragmento de canto de pájaros, efecto producido por varios instrumentos de viento. Luego se repite el tema principal y vuelve a presentarse la idée fixe, respondiendo a un recitativo dramático de los bajos de la orquesta. Termina escuchándose truenos lejanos producidos por los timbales, mientras resurge de nuevo la idée fixe.
La cuarta parte se titula Marcha hacia el suplicio. Es un allegretto non troppo en forma de marcha trágica. Empieza con redobles rítmicos de los timbales, siguiendo con la introducción de la sombría marcha por los violoncelos y contrabajos. Se repite varias veces aumentando la tensión. En una especie de trío, los vientos presentan un segundo tema brillante y solemne.
En este último movimiento apreciamos esta multiplicidad de transformaciones y sonoridades extrañas; hay un sonido de campanas, un clarinete, el golpeteo de las cuerdas de los violines y las violas con el arco de madera y glissandos en los alientos. En las dinámicas hay cambios bruscos de fortissimo a pianissimo construyendo la imaginería grotesca del aquelarre y la ensoñación. La coda final está basada en el tema del Sabbat deformado rítmicamente, en una especie de danza diabólica.
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#SinfoníaFantástica #Berlioz #DimaSlobodeniouk
Título: La Sinfonía fantástica, Op. 14
Autor: Hector Berlioz
Movimientos:
🎵 00:26 I. Rêveries, passions
🎵 15:45 II. Un bal
🎵 22:35 III. Scène aux champs
🎵 39:05 IV. Marche au supplice
🎵 44:20 V. Sogne d'une Nuit du Sabbat
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Galicia
Director:
Dima Slobodeniouk
Fuente: 🎼
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Título: La Sinfonía fantástica, Op. 14
Autor: Hector Berlioz
Movimientos:
🎵 00:26 I. Rêveries, passions
🎵 15:45 II. Un bal
🎵 22:35 III. Scène aux champs
🎵 39:05 IV. Marche au supplice
🎵 44:20 V. Sogne d'une Nuit du Sabbat
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Galicia
Director:
Dima Slobodeniouk
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
#Concierto2 #Campanella #Paganini #StefanMilenkovich #NicolaValentini
CONCIERTO PARA VIOLÍN N. ° 2 EN SI MENOR , OP. 7
El Concierto para violín n. ° 2 en si menor , Op. 7, fue compuesta por Niccolò Paganini en Italia en 1826 . En su Segundo Concierto, Paganini se retrae de la demostración de virtuosismo en favor de una mayor individualidad en el estilo melódico. El tercer movimiento del Segundo Concierto de Paganini debe su apodo "La Campanella" o "La Clochette" a la campanilla que Paganini prescribe para presagiar cada repetición del tema rondó. El carácter de la campana también se imita en la orquesta y en algunos pasajes del solista con armónicos. El resultado es una textura muy transparente, que gana un encanto extra de gitana coloración del tema rondo.
El concierto consta de tres movimientos:
🎵 Allegro maestoso (en si menor , terminando en si mayor)
🎵 Adagio (en re mayor)
🎵 Rondo à la clochette (en si menor), o "La Campanella"
El tercer movimiento se conoce como el rondó de la "campanella" debido al toque de campanillas que Paganini antepone a cada repetición del estribillo. El aire de campanillas también aparece en la orquesta y en algunos de los pasajes en armónicos del solista. El resultado de todo ello es una textura muy transparente con el encanto adicional del tema del rondó con aire agitanado. En definitiva, este tercer movimiento es representativo de la maestría compositiva que se le niega habitualmente a Paganini.
Aunque la personalidad, el magnetismo y la mística de Paganini fueron inimitables, los aspectos puramente técnicos de su interpretación fueron rápidamente analizados y copiados. De sus contemporáneos, Ernst llegó a ser su imagen más cercana, mientras que Berrito y Vieuxtemps resultaron tan influidos, como otros representantes de la tradición franco-belga establecida por la escuela de Viotti. En Alemania, sin embargo, la oposición de Spohr retardó el progreso de la interpretación del violín.
Pero los principales admiradores de Paganini fueron intérpretes y compositores no violinistas, siendo Chopin, Liszt, Schumann y Brahms algunos de ellos. Su Segundo Concierto es citado en las obras de otros compositores, como el Étude S.140 nº 3 "La Campanella", de Ferenç Liszt, o el Vals a la Paganini op. 11 de Johann Strauss.
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CONCIERTO PARA VIOLÍN N. ° 2 EN SI MENOR , OP. 7
El Concierto para violín n. ° 2 en si menor , Op. 7, fue compuesta por Niccolò Paganini en Italia en 1826 . En su Segundo Concierto, Paganini se retrae de la demostración de virtuosismo en favor de una mayor individualidad en el estilo melódico. El tercer movimiento del Segundo Concierto de Paganini debe su apodo "La Campanella" o "La Clochette" a la campanilla que Paganini prescribe para presagiar cada repetición del tema rondó. El carácter de la campana también se imita en la orquesta y en algunos pasajes del solista con armónicos. El resultado es una textura muy transparente, que gana un encanto extra de gitana coloración del tema rondo.
El concierto consta de tres movimientos:
🎵 Allegro maestoso (en si menor , terminando en si mayor)
🎵 Adagio (en re mayor)
🎵 Rondo à la clochette (en si menor), o "La Campanella"
El tercer movimiento se conoce como el rondó de la "campanella" debido al toque de campanillas que Paganini antepone a cada repetición del estribillo. El aire de campanillas también aparece en la orquesta y en algunos de los pasajes en armónicos del solista. El resultado de todo ello es una textura muy transparente con el encanto adicional del tema del rondó con aire agitanado. En definitiva, este tercer movimiento es representativo de la maestría compositiva que se le niega habitualmente a Paganini.
Aunque la personalidad, el magnetismo y la mística de Paganini fueron inimitables, los aspectos puramente técnicos de su interpretación fueron rápidamente analizados y copiados. De sus contemporáneos, Ernst llegó a ser su imagen más cercana, mientras que Berrito y Vieuxtemps resultaron tan influidos, como otros representantes de la tradición franco-belga establecida por la escuela de Viotti. En Alemania, sin embargo, la oposición de Spohr retardó el progreso de la interpretación del violín.
Pero los principales admiradores de Paganini fueron intérpretes y compositores no violinistas, siendo Chopin, Liszt, Schumann y Brahms algunos de ellos. Su Segundo Concierto es citado en las obras de otros compositores, como el Étude S.140 nº 3 "La Campanella", de Ferenç Liszt, o el Vals a la Paganini op. 11 de Johann Strauss.
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#Concierto2 #Campanella #Paganini #StefanMilenkovich #NicolaValentini
Título: El Concierto para violín n. ° 2 en si menor , Op. 7
Autor: Niccolò Paganini
Movimientos:
🎵 00:00 Allegro maestoso (en si menor , terminando en si mayor)
🎵 14:31 Adagio (en re mayor)
🎵 20:59 Rondo à la clochette (en si menor), o "La Campanella"
Interpretación:
Orquesta de Europa Central
Stefan Milenkovich - Violín
Director:
Nicola Valentini
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: El Concierto para violín n. ° 2 en si menor , Op. 7
Autor: Niccolò Paganini
Movimientos:
🎵 00:00 Allegro maestoso (en si menor , terminando en si mayor)
🎵 14:31 Adagio (en re mayor)
🎵 20:59 Rondo à la clochette (en si menor), o "La Campanella"
Interpretación:
Orquesta de Europa Central
Stefan Milenkovich - Violín
Director:
Nicola Valentini
Fuente: 🎼
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#Overture1812 #Obertura1812 #Tchaikovsky #ManuelLópezGómez
LA OBERTURA 1812, OP. 49
La Obertura 1812, Op. 49 es una obertura romántica escrita por el compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovsky en 1880.
Esta obra nace con el encargo del Zar Alejandro II, que a punto de concluir la construcción de la catedral de Cristo el Salvador, quiere conmemorar la victoria rusa, y además quiere unir también el 25 aniversario de su coronación. Es el amigo y mentor de Tchaikovsky, Nikolai Rubinstein quien le sugiere componer esta gran obra conmemorativa. Tchaikovsky que comenzó a trabajar en la composición el 12 de octubre de 1880, en seis semanas ya tenia la obra lista.
La obertura se estrenó en Moscú el 20 de agosto de 1882, dirigida por Ippolit Al'tani bajo una carpa cerca de la entonces inacabada Catedral de Cristo Salvador.
La obra comienza con una melodía religiosa de la iglesia ortodoxa rusa, la "Plegaria al Salvador", que recuerda cómo la declaración de guerra contra Francia fue notificada al pueblo en los servicios religiosos de toda Rusia. Es inmediatamente seguida por un cántico solemne de deseo de victoria.
Estos anuncios y la reacción del pueblo están reflejados en la novela Guerra y paz, de Lev Tolstói (que también describe la batalla de Borodino el 7 de septiembre de 1812, donde Napoleón Bonaparte vence a las fuerzas rusas e invade Moscú). Continúa con una marcha presentada por los cornos, donde se oye cargar a los ejércitos.
El himno nacional francés, La Marsellesa, sirve para denotar el carácter francés del ejército invasor y la victoria de Napoleón sobre los rusos. Un tema folklórico ruso conmemora la batalla donde los moscovitas vencen a Napoleón. La retirada de Moscú a fines de octubre de 1812 está reflejada por un diminuendo en la música.
El fuego de los cañones muestra el avance de los rusos casi hasta las fronteras del imperio francés. Al final del conflicto se oyen campanas y fuegos artificiales por la victoria y liberación de Rusia de la ocupación francesa. Por debajo de los cañones y los cornos se oye el himno nacional ruso, Dios salve al Zar. Este himno es un contrapunto del himno francés que se escuchó anteriormente.
Esta obertura muestra un anacronismo curioso, ya que ni La marsellesa, ni Dios salve al Zar, eran en 1812 los himnos de Francia y Rusia respectivamente, sino que lo eran en la época en la que Peter Illich Tchaikovsky compuso la obra.
Tchaikovsky expreso su desencanto de la obra debido a su estreno e interpretación no fue lo que él esperó diciendo que: "la Obertura 1812 sería «muy fuerte y ruidosa, pero carente de mérito artístico, porque la escribí sin calidez ni cariño»", sumándose así a la legión de artistas que de tiempo en tiempo han menospreciado su propia obra.
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LA OBERTURA 1812, OP. 49
La Obertura 1812, Op. 49 es una obertura romántica escrita por el compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovsky en 1880.
Esta obra nace con el encargo del Zar Alejandro II, que a punto de concluir la construcción de la catedral de Cristo el Salvador, quiere conmemorar la victoria rusa, y además quiere unir también el 25 aniversario de su coronación. Es el amigo y mentor de Tchaikovsky, Nikolai Rubinstein quien le sugiere componer esta gran obra conmemorativa. Tchaikovsky que comenzó a trabajar en la composición el 12 de octubre de 1880, en seis semanas ya tenia la obra lista.
La obertura se estrenó en Moscú el 20 de agosto de 1882, dirigida por Ippolit Al'tani bajo una carpa cerca de la entonces inacabada Catedral de Cristo Salvador.
La obra comienza con una melodía religiosa de la iglesia ortodoxa rusa, la "Plegaria al Salvador", que recuerda cómo la declaración de guerra contra Francia fue notificada al pueblo en los servicios religiosos de toda Rusia. Es inmediatamente seguida por un cántico solemne de deseo de victoria.
Estos anuncios y la reacción del pueblo están reflejados en la novela Guerra y paz, de Lev Tolstói (que también describe la batalla de Borodino el 7 de septiembre de 1812, donde Napoleón Bonaparte vence a las fuerzas rusas e invade Moscú). Continúa con una marcha presentada por los cornos, donde se oye cargar a los ejércitos.
El himno nacional francés, La Marsellesa, sirve para denotar el carácter francés del ejército invasor y la victoria de Napoleón sobre los rusos. Un tema folklórico ruso conmemora la batalla donde los moscovitas vencen a Napoleón. La retirada de Moscú a fines de octubre de 1812 está reflejada por un diminuendo en la música.
El fuego de los cañones muestra el avance de los rusos casi hasta las fronteras del imperio francés. Al final del conflicto se oyen campanas y fuegos artificiales por la victoria y liberación de Rusia de la ocupación francesa. Por debajo de los cañones y los cornos se oye el himno nacional ruso, Dios salve al Zar. Este himno es un contrapunto del himno francés que se escuchó anteriormente.
Esta obertura muestra un anacronismo curioso, ya que ni La marsellesa, ni Dios salve al Zar, eran en 1812 los himnos de Francia y Rusia respectivamente, sino que lo eran en la época en la que Peter Illich Tchaikovsky compuso la obra.
Tchaikovsky expreso su desencanto de la obra debido a su estreno e interpretación no fue lo que él esperó diciendo que: "la Obertura 1812 sería «muy fuerte y ruidosa, pero carente de mérito artístico, porque la escribí sin calidez ni cariño»", sumándose así a la legión de artistas que de tiempo en tiempo han menospreciado su propia obra.
Irónicamente, es esta pieza una de las obras más reconocidas de Tchaikovsky, una de las más interpretadas y grabadas de su catálogo.@ClasicaAlAtardecer
