#SerenataDeLasCallesDeMadrid #Boccherini #ManfredKraemer #PabloValentti #AngeloBartoletti #BrunoCocset #AntoineLadrete
MÚSICA NOCTURNA DE LAS CALLES DE MADRID
Serenata de las calles de Madrid (en italiano, Musica notturna delle strade di Madrid) Op. 30 n.º 6 (G. 324), es un quintettino (quinteto) para instrumentos de cuerda compuesto alrededor de 1780 por Luigi Boccherini, compositor italiano al servicio de la Corte española desde 1761 hasta 1805. La obra describe las bulliciosas calles de la noche de Madrid.
El compositor italiano Luigi Boccherini fue contratado para la Corte española por el infante Luis de Borbón y Farnesio, hermano del rey Carlos III de España. Por haberse casado el infante con María Teresa de Vallabriga, el rey Carlos exilió a éste de la Corte de Madrid al palacio de Arenas de San Pedro, provincia de Ávila. Boccherini se unió al exilio como cortesano de Luis Antonio y tuvo mucho tiempo para la composición, donde completó más de un centenar de piezas.
La obra describe las bulliciosas calles de la noche de Madrid. Sobre la composición, el crítico Jaume Tortella, escribe:
Tomando su inspiración de escenas nocturnas de la calle de Madrid, que parece mirar con nostalgia a la alegría y el bullicio de la capital de España, recordando el sonido de las campanas de las iglesias de la ciudad en su llamada para la oración vespertina, los bailes populares que fueron el deleite de sus jóvenes y los mendigos ciegos tocando sus típicas viellas de rueda hasta que los soldados de la guarnición local dan el toque de Retreta de medianoche con su recogida en los cuarteles.
La pieza se hizo famosa en España durante la vida de Boccherini. Sus versiones más conocidas son los arreglos de la Ritirata (Retreta), el movimiento incorporado al quinteto de piano (G. 418) y el quinteto de guitarras (G. 453). Música nocturna de las calles de Madrid fue publicada años después de la muerte de Boccherini, porque le dijo a su editor: «La obra es absolutamente inútil, incluso ridícula, fuera de España, porque el público no puede esperar entender su significado, ni los artistas que la desempeñan cómo debe ser interpretada».
La Ritirata se hizo muy conocida desde el renacimiento del interés por la música de Luigi Boccherini a mediados del siglo XX. Luciano Berio la utilizó como base para una composición que superponía los cuatro arreglos que se conocen de la Ritirata, todos interpretados al mismo tiempo, yendo y viniendo de forma sincrónica y asincrónica.
@ClasicaAlAtardecer
MÚSICA NOCTURNA DE LAS CALLES DE MADRID
Serenata de las calles de Madrid (en italiano, Musica notturna delle strade di Madrid) Op. 30 n.º 6 (G. 324), es un quintettino (quinteto) para instrumentos de cuerda compuesto alrededor de 1780 por Luigi Boccherini, compositor italiano al servicio de la Corte española desde 1761 hasta 1805. La obra describe las bulliciosas calles de la noche de Madrid.
El compositor italiano Luigi Boccherini fue contratado para la Corte española por el infante Luis de Borbón y Farnesio, hermano del rey Carlos III de España. Por haberse casado el infante con María Teresa de Vallabriga, el rey Carlos exilió a éste de la Corte de Madrid al palacio de Arenas de San Pedro, provincia de Ávila. Boccherini se unió al exilio como cortesano de Luis Antonio y tuvo mucho tiempo para la composición, donde completó más de un centenar de piezas.
La obra describe las bulliciosas calles de la noche de Madrid. Sobre la composición, el crítico Jaume Tortella, escribe:
Tomando su inspiración de escenas nocturnas de la calle de Madrid, que parece mirar con nostalgia a la alegría y el bullicio de la capital de España, recordando el sonido de las campanas de las iglesias de la ciudad en su llamada para la oración vespertina, los bailes populares que fueron el deleite de sus jóvenes y los mendigos ciegos tocando sus típicas viellas de rueda hasta que los soldados de la guarnición local dan el toque de Retreta de medianoche con su recogida en los cuarteles.
La pieza se hizo famosa en España durante la vida de Boccherini. Sus versiones más conocidas son los arreglos de la Ritirata (Retreta), el movimiento incorporado al quinteto de piano (G. 418) y el quinteto de guitarras (G. 453). Música nocturna de las calles de Madrid fue publicada años después de la muerte de Boccherini, porque le dijo a su editor: «La obra es absolutamente inútil, incluso ridícula, fuera de España, porque el público no puede esperar entender su significado, ni los artistas que la desempeñan cómo debe ser interpretada».
La Ritirata se hizo muy conocida desde el renacimiento del interés por la música de Luigi Boccherini a mediados del siglo XX. Luciano Berio la utilizó como base para una composición que superponía los cuatro arreglos que se conocen de la Ritirata, todos interpretados al mismo tiempo, yendo y viniendo de forma sincrónica y asincrónica.
A pesar de su carácter ligeramente humorístico, como los arreglos de canciones folk de Berio, su interpretación de la Ritirata es atractiva y accesible, reconociendo y ampliando la composición de Boccherini.@ClasicaAlAtardecer
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MÚSICA NOCTURNA DE LAS CALLES DE MADRID
La obra está instrumentada para dos violines, una viola y dos violonchelos. Está compuesta en do mayor y tiene una duración aproximada de 13 minutos.
Música nocturna de las calles de Madrid está formada por estos movimientos:
🎵 I. Le campane de l’Ave Maria (La campana del Ave María): la iglesia principal llama a los fieles para la oración del Ave María.
🎵 II. Il tamburo dei Soldati (El tambor de los soldados).
🎵 III. Minuetto dei Ciechi (Minueto de los mendigos ciegos): Boccherini indicó a los violonchelistas que colocaran sus instrumentos sobre sus rodillas y los rasguearan como guitarras.
🎵 IV. Il Rosario (El Rosario): una sección lenta no interpretada en tiempo estricto.
🎵 V. Passacaglia (Pasacalle), conocido como Los Manolos, bocazas de clase baja; no es un pasacalle en realidad, sino que imita su canto. En España, el pasacalle denota «pasar a través de la calle», cantando como diversión.
🎵 VI. Il tamburo (El tambor).
🎵 VII. Ritirata (Retreta): retirada de los militares de las calles de Madrid de su vigilia nocturna; la Banda de Guerra avisa a la tropa para que se recoja por la noche en el cuartel.
La obra comienza con Las Campanas del Ave María (Le campane dell'Ave Maria) con el segundo violín, la viola y los dos violonchelos tocando en pizzicato los acordes que emulan la llamada de las campanas. Los cuatro instrumentos (el primer violín descansa) atacan lentamente los tres compases iguales con tres acordes en corcheas cada uno (los violonchelos se adornan con la acciaccatura previa a cada acorde).
Del comienzo de la obra se encarga un violín que emite repetidamente un “do” enérgico y alegre, características que nos acompañarán en casi todos los momentos de la obra, aunque como puede observarse, el violoncello canta de forma homofónica con el violín en un tempo más calmado poco después (en la tonalidad de Sol Mayor).
Al finalizar esta parte, vuelve un fragmento enérgico y alegre para dar paso un poco más adelante a la entrada de los pizzicati (consiste en “pellizcar” las cuerdas) que otorgan a la obra un carácter divertido. Es aquí donde el cello lleva la parte cantada, Suponemos que el motivo por el que el cello tiene más protagonismo en dicho instante, fue debido a que Boccherini era cellista y quiso hacer resaltar a este instrumento de algún modo.
La Ritirata la parte más matizada dentro del esquema más rígido. Es un marcha en 2/4 que va doblando sus diferentes fragmentos en los que la frase melódica se va repitiendo con variaciones y matices que hacen que, por ejemplo, el ritmo (con los golpes de arco imitación del tambor) vaya saltando por los violonchelos, la viola y el segundo violín, mientras que la melodía que mantenida por el primer violín se va viendo apoyada alternativamente por el resto de instrumentos. El conjunto transmite ese aire marcial del desfile militar.
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MÚSICA NOCTURNA DE LAS CALLES DE MADRID
La obra está instrumentada para dos violines, una viola y dos violonchelos. Está compuesta en do mayor y tiene una duración aproximada de 13 minutos.
Música nocturna de las calles de Madrid está formada por estos movimientos:
🎵 I. Le campane de l’Ave Maria (La campana del Ave María): la iglesia principal llama a los fieles para la oración del Ave María.
🎵 II. Il tamburo dei Soldati (El tambor de los soldados).
🎵 III. Minuetto dei Ciechi (Minueto de los mendigos ciegos): Boccherini indicó a los violonchelistas que colocaran sus instrumentos sobre sus rodillas y los rasguearan como guitarras.
🎵 IV. Il Rosario (El Rosario): una sección lenta no interpretada en tiempo estricto.
🎵 V. Passacaglia (Pasacalle), conocido como Los Manolos, bocazas de clase baja; no es un pasacalle en realidad, sino que imita su canto. En España, el pasacalle denota «pasar a través de la calle», cantando como diversión.
🎵 VI. Il tamburo (El tambor).
🎵 VII. Ritirata (Retreta): retirada de los militares de las calles de Madrid de su vigilia nocturna; la Banda de Guerra avisa a la tropa para que se recoja por la noche en el cuartel.
La obra comienza con Las Campanas del Ave María (Le campane dell'Ave Maria) con el segundo violín, la viola y los dos violonchelos tocando en pizzicato los acordes que emulan la llamada de las campanas. Los cuatro instrumentos (el primer violín descansa) atacan lentamente los tres compases iguales con tres acordes en corcheas cada uno (los violonchelos se adornan con la acciaccatura previa a cada acorde).
Del comienzo de la obra se encarga un violín que emite repetidamente un “do” enérgico y alegre, características que nos acompañarán en casi todos los momentos de la obra, aunque como puede observarse, el violoncello canta de forma homofónica con el violín en un tempo más calmado poco después (en la tonalidad de Sol Mayor).
Al finalizar esta parte, vuelve un fragmento enérgico y alegre para dar paso un poco más adelante a la entrada de los pizzicati (consiste en “pellizcar” las cuerdas) que otorgan a la obra un carácter divertido. Es aquí donde el cello lleva la parte cantada, Suponemos que el motivo por el que el cello tiene más protagonismo en dicho instante, fue debido a que Boccherini era cellista y quiso hacer resaltar a este instrumento de algún modo.
La Ritirata la parte más matizada dentro del esquema más rígido. Es un marcha en 2/4 que va doblando sus diferentes fragmentos en los que la frase melódica se va repitiendo con variaciones y matices que hacen que, por ejemplo, el ritmo (con los golpes de arco imitación del tambor) vaya saltando por los violonchelos, la viola y el segundo violín, mientras que la melodía que mantenida por el primer violín se va viendo apoyada alternativamente por el resto de instrumentos. El conjunto transmite ese aire marcial del desfile militar.
Los ataques constantes sobre las notas interpretadas por los violines o los cellos, así como la viola, hacen que en todo momento el carácter de la obra sea el mismo. De esta forma Boccherini aunque nos deje momentos para la relajación, nos recuerda que esa sin embargo, no es la intención de su obra.@ClasicaAlAtardecer
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#SerenataDeLasCallesDeMadrid #Boccherini #ManfredKraemer #PabloValentti #AngeloBartoletti #BrunoCocset #AntoineLadrete
Título: Música nocturna de las calles de Madrid.
Autor: Luigi Boccherini
Movimientos:
🎵 I. Le campane de l’Ave Maria (La campana del Ave María): la iglesia principal llama a los fieles para la oración del Ave María.
🎵 II. Il tamburo dei Soldati (El tambor de los soldados).
🎵 III. Minuetto dei Ciechi (Minueto de los mendigos ciegos).
🎵 IV. Il Rosario (El Rosario): una sección lenta no interpretada en tiempo estricto.
🎵 V. Passacaglia (Pasacalle), conocido como Los Manolos.
🎵 VI. Il tamburo (El tambor).
🎵 VII. Ritirata (Retreta): retirada de los militares de las calles de Madrid de su vigilia nocturna.
Interpretación:
Manfred Kraemer - Violin I
Pablo Valentti - Violin II
Angelo Bartoletti - Viola
Bruno Cocset - Violoncello I
Antoine Ladrete - Violoncello II
Fuente: 🎼
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Título: Música nocturna de las calles de Madrid.
Autor: Luigi Boccherini
Movimientos:
🎵 I. Le campane de l’Ave Maria (La campana del Ave María): la iglesia principal llama a los fieles para la oración del Ave María.
🎵 II. Il tamburo dei Soldati (El tambor de los soldados).
🎵 III. Minuetto dei Ciechi (Minueto de los mendigos ciegos).
🎵 IV. Il Rosario (El Rosario): una sección lenta no interpretada en tiempo estricto.
🎵 V. Passacaglia (Pasacalle), conocido como Los Manolos.
🎵 VI. Il tamburo (El tambor).
🎵 VII. Ritirata (Retreta): retirada de los militares de las calles de Madrid de su vigilia nocturna.
Interpretación:
Manfred Kraemer - Violin I
Pablo Valentti - Violin II
Angelo Bartoletti - Viola
Bruno Cocset - Violoncello I
Antoine Ladrete - Violoncello II
Fuente: 🎼
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#LasGymnopédies #ErikSatie
LAS GYMNOPÉDIES
Las Gymnopédies son tres obras para piano compuestas por Erik Satie y publicadas en París en 1888. Estas piezas junto a Trois sarabandes y las Gnossiennes suelen clasificarse como danzas. Un gran número de producciones cinematográficas, televisivas e incluso videojuegos han incluido alguna o varias gymnopédies dentro de su banda sonora. Asimismo diversos artistas musicales han hecho sus propias versiones y adaptaciones de estas obras.
Después de haber leído la novela histórica Salammbô de Gustave Flaubert, Satie tiene la idea de crear piezas para piano inspiradas en las danzas de la antigüedad griega.
Otra fuente de inspiración fue posiblemente la obra de J. P. Contamine de Latour (1867–1926), que escribió el poema Les Antiques que contenía estos versos:
"Oblique et coupant l'ombre un torrent éclatant
Ruisselait en flots d'or sur la dalle polie
Où les atomes d'ambre au feu se miroitant
Mêlaient leur sarabande à la gymnopédie"
"Oblicua y cortada la sombra de un torrente brillante
Fluía en ondas de oro sobre la losa pulida
Donde los átomos de chispeante fuego ámbar
Mezclaban su zarabande a la gymnopédie."
«Gymnopédie» no era una palabra que se usase con frecuencia en el siglo XIX en Francia, hasta el punto de haber podido ser percibida como un neologismo por muchos.
Las gymnopédies son las primeras composiciones con las que Erik Satie intentó soltarse del entorno convencional de su padre y su madrastra de "música de salón" del siglo XIX. En septiembre de 1887 Satie compuso tres sarabandas (Trois sarabandes), tomando una cita de La Perdition de Contamine a modo de introducción. Por aquel tiempo Satie conoció personalmente a Contamine. Satie aparentemente usó la palabra gymnopédiste (gimnopedista), antes de haber escrito una nota de sus célebres gymnopédies posteriores.
La anécdota en la que Satie se presentó como gimnopedista en diciembre de 1887 ocurrió de la siguiente manera: la primera vez que Satie visitó el cabaré Le Chat Noir le presentaron a su director, Rodolphe Salis, que era famoso por hacer comentarios afilados. Satie fue coaccionado para hablar de su profesión y a falta de ocupación profesional reconocible se presentó a sí mismo como gimnopedista, supuestamente en un intento de burlar al director.
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LAS GYMNOPÉDIES
Las Gymnopédies son tres obras para piano compuestas por Erik Satie y publicadas en París en 1888. Estas piezas junto a Trois sarabandes y las Gnossiennes suelen clasificarse como danzas. Un gran número de producciones cinematográficas, televisivas e incluso videojuegos han incluido alguna o varias gymnopédies dentro de su banda sonora. Asimismo diversos artistas musicales han hecho sus propias versiones y adaptaciones de estas obras.
Después de haber leído la novela histórica Salammbô de Gustave Flaubert, Satie tiene la idea de crear piezas para piano inspiradas en las danzas de la antigüedad griega.
Otra fuente de inspiración fue posiblemente la obra de J. P. Contamine de Latour (1867–1926), que escribió el poema Les Antiques que contenía estos versos:
"Oblique et coupant l'ombre un torrent éclatant
Ruisselait en flots d'or sur la dalle polie
Où les atomes d'ambre au feu se miroitant
Mêlaient leur sarabande à la gymnopédie"
"Oblicua y cortada la sombra de un torrente brillante
Fluía en ondas de oro sobre la losa pulida
Donde los átomos de chispeante fuego ámbar
Mezclaban su zarabande a la gymnopédie."
«Gymnopédie» no era una palabra que se usase con frecuencia en el siglo XIX en Francia, hasta el punto de haber podido ser percibida como un neologismo por muchos.
Las gymnopédies son las primeras composiciones con las que Erik Satie intentó soltarse del entorno convencional de su padre y su madrastra de "música de salón" del siglo XIX. En septiembre de 1887 Satie compuso tres sarabandas (Trois sarabandes), tomando una cita de La Perdition de Contamine a modo de introducción. Por aquel tiempo Satie conoció personalmente a Contamine. Satie aparentemente usó la palabra gymnopédiste (gimnopedista), antes de haber escrito una nota de sus célebres gymnopédies posteriores.
La anécdota en la que Satie se presentó como gimnopedista en diciembre de 1887 ocurrió de la siguiente manera: la primera vez que Satie visitó el cabaré Le Chat Noir le presentaron a su director, Rodolphe Salis, que era famoso por hacer comentarios afilados. Satie fue coaccionado para hablar de su profesión y a falta de ocupación profesional reconocible se presentó a sí mismo como gimnopedista, supuestamente en un intento de burlar al director.
Las piezas fueron publicadas por primera vez por su padre Alfred Satie en 1888 en París, pero no conocieron una verdadera popularidad sino a partir de 1910 cuando la joven generación de compositores e intérpretes franceses de la época descubrieron su música.
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#LasGymnopédies #ErikSatie
LAS GYMNOPÉDIES
Aunque no se puede decir que se trate de tres movimientos de una sola obra, sí que es cierto que las tres piezas guardan una uniformidad estructural que justifica su nombre común:
🎵 Gymnopédie n.º 1: Lent et douloureux (lento y doloroso).
🎵 Gymnopédie n.º 2: Lent et triste (lento y triste).
🎵 Gymnopédie n.º 3: Lent et grave (lento y grave).
Las gymnopédies son unas piezas breves y atmosféricas que están escritas en compás de 3/4. Cada una de ellas presenta un tema y una estructura similar. Se trata de obras ligeras pero atípicas que desafían deliberadamente numerosas reglas de la música clásica y la contemporánea. Este rechazo desvergonzado por las convenciones es sin embargo poco perceptible para el oyente ya que la música es llevada por una fuerte carga emocional y la elegancia de la narración. Por ejemplo, los primeros compases de la Gymnopédie n.º 1 consisten en una progresión alternante de dos acordes mayores con séptima; el primero en la subdominante que es sol y el segundo sobre la tónica que es re. Las melodías de las piezas usan deliberadas aunque suaves disonancias contra la armonía. De esa manera producen un efecto picante y melancólico que encaja con las indicaciones de interpretación, que son respectivamente para tocar cada pieza "dolorosamente", "tristemente" o "gravemente".
A partir de la segunda mitad del siglo XX las gymnopédies han sido a menudo descritas erróneamente como parte de la música de mobiliario (musique d’ameublement) de Satie. Este término fue creado por el propio Satie en 1917 para definir algunas de sus obras, significando que podían realmente encajar como fondo sonoro. Pero en ningún momento llegó el compositor a aplicarlo a las gymnopédies. Probablemente este error se fundamenta en las interpretaciones musicales que hizo John Cage de estas obras.
En conjunto, las gymnopédies a veces son consideradas como precursoras del género musical conocido como ambient. De hecho, el emblemático pionero de este movimiento musical, Brian Eno, citó a Satie como una de sus mayores influencias.
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LAS GYMNOPÉDIES
Aunque no se puede decir que se trate de tres movimientos de una sola obra, sí que es cierto que las tres piezas guardan una uniformidad estructural que justifica su nombre común:
🎵 Gymnopédie n.º 1: Lent et douloureux (lento y doloroso).
🎵 Gymnopédie n.º 2: Lent et triste (lento y triste).
🎵 Gymnopédie n.º 3: Lent et grave (lento y grave).
Las gymnopédies son unas piezas breves y atmosféricas que están escritas en compás de 3/4. Cada una de ellas presenta un tema y una estructura similar. Se trata de obras ligeras pero atípicas que desafían deliberadamente numerosas reglas de la música clásica y la contemporánea. Este rechazo desvergonzado por las convenciones es sin embargo poco perceptible para el oyente ya que la música es llevada por una fuerte carga emocional y la elegancia de la narración. Por ejemplo, los primeros compases de la Gymnopédie n.º 1 consisten en una progresión alternante de dos acordes mayores con séptima; el primero en la subdominante que es sol y el segundo sobre la tónica que es re. Las melodías de las piezas usan deliberadas aunque suaves disonancias contra la armonía. De esa manera producen un efecto picante y melancólico que encaja con las indicaciones de interpretación, que son respectivamente para tocar cada pieza "dolorosamente", "tristemente" o "gravemente".
A partir de la segunda mitad del siglo XX las gymnopédies han sido a menudo descritas erróneamente como parte de la música de mobiliario (musique d’ameublement) de Satie. Este término fue creado por el propio Satie en 1917 para definir algunas de sus obras, significando que podían realmente encajar como fondo sonoro. Pero en ningún momento llegó el compositor a aplicarlo a las gymnopédies. Probablemente este error se fundamenta en las interpretaciones musicales que hizo John Cage de estas obras.
En conjunto, las gymnopédies a veces son consideradas como precursoras del género musical conocido como ambient. De hecho, el emblemático pionero de este movimiento musical, Brian Eno, citó a Satie como una de sus mayores influencias.
Las Gymnopédies, sin embargo, sí que reúnen varias de las principales características de la música impresionista, aunque adaptadas al solo de piano, con lo que la melodía se desgrana en notas sueltas que, como pinceladas aisladas, acaban creando un efecto emocional general.
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#LasGymnopédies #ErikSatie
Título: Las Gymnopédies
Autor: Erik Satie
Movimientos:
🎵 Gymnopédie n.º 1: Lent et douloureux (lento y doloroso).
🎵 Gymnopédie n.º 2: Lent et triste (lento y triste).
🎵 Gymnopédie n.º 3: Lent et grave (lento y grave).
Fuente: 🎼
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Título: Las Gymnopédies
Autor: Erik Satie
Movimientos:
🎵 Gymnopédie n.º 1: Lent et douloureux (lento y doloroso).
🎵 Gymnopédie n.º 2: Lent et triste (lento y triste).
🎵 Gymnopédie n.º 3: Lent et grave (lento y grave).
Fuente: 🎼
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#Gloria #Vivaldi #HidemiSuzuki
GLORIA RV 589
Antonio Vivaldi compuso varios Gloria, un tipo de obra religiosa. La que está catalogada como de RV 589 es la más conocida y popular de la música sacra de Vivaldi, pero se sabe que al menos escribió dos Glorias más. Además de la mencionada RV 589, ha llegado a nosotros la RV 588 y hay otra que se ha perdido (RV 590), que sólo se menciona en el catálogo Kreuzherren. El RV 589 fue compuesto hacia 1713 y el RV 588 hacia 1717.
El repertorio coral de Vivaldi fue descubierto a principios del siglo XX. _A_ Alfredo Casella se le atribuye el estreno del Gloria RV 589, en 1939, tras más de 200 años (1713), desde que fuera escrito.
El Gloria RV 589, en re mayor, tiene una duración aproximada de un poco más de media hora y se compone de once o doce movimientos (dependiendo de si el cuarto y el quinto son contados como uno o son contados como un pasaje solamente).
🎵I. Gloria en excelsis Deo (Coro) Gloria, gloria, a Dios en lo más alto.
🎵II. Et en terra pax (Coro) y en la tierra paz y buena voluntad a los hombres.
🎵III. Laudamus te (Sopranos) Te alabamos, te bendecimos. Te adoramos, te glorificamos.
🎵IV. Gratias agimus tibi (Coro) Te damos gracias.
🎵V. Propter magnam gloriam (Coro) por tu gran gloria.
🎵VI. Domine Deus (Soprano) Señor Dios, Rey del cielo, Dios Padre Todopoderoso.
🎵VII. Domine, Fili unigenite (Coro) Señor, el hijo unigénito, Jesucristo.
🎵VIII. Domine Deus, Agnus Dei (Contralto) y coro Señor Dios, Cordero de Dios, Hijo del Padre. Quien quita los pecados del mundo Ten piedad de nosotros.
🎵IX. Qui tollis peccata mundi (Coro) que quita los pecados del mundo Recibe nuestra súplica.
🎵X. Qui sedes ad dexteram Patris (Contralto) Quien está sentado a la diestra del Padre, ten piedad de nosotros.
🎵XI. Quoniam tu solus sanctus (Coro) Porque solo tú eres santo, solo Tú eres el Señor, solo tú eres el más elevado Jesucristo.
🎵XII. Cum Sancto Spiritu (Coro) Con el Espíritu Santo, En la gloria de Dios el Padre, Amén.
Al componer, Vivaldi fragmentó el texto oratorio del Gloria en 11 secciones, cada una de las cuales tiene un ambiente musical propio, por lo cual, si se quiere, puede interpretarse aisladamente una sola pieza.
Todas las partes vocales, desde los dos solistas de soprano y alto hasta el tenor y el bajo, fueron escritos originalmente para voces de mujeres, ya que no se permitía a hombres en el Pio Ospedale della Pietà, exclusivamente femenino (Vivaldi y el resto del personal masculino eran , por supuesto, miembros del sacerdocio); de vez en cuando la parte del bajo se mueve tan bajo que incluso los bajos femeninos notables de la Pietà deben haber tenido que transponer una octava. Solo dos instrumentos de viento -un oboe y una trompeta- se agregan al habitual contingente barroco de cuerdas, y el bajo continuo probablemente se habría reproducido por órgano.
@ClasicaAlAtardecer
GLORIA RV 589
Antonio Vivaldi compuso varios Gloria, un tipo de obra religiosa. La que está catalogada como de RV 589 es la más conocida y popular de la música sacra de Vivaldi, pero se sabe que al menos escribió dos Glorias más. Además de la mencionada RV 589, ha llegado a nosotros la RV 588 y hay otra que se ha perdido (RV 590), que sólo se menciona en el catálogo Kreuzherren. El RV 589 fue compuesto hacia 1713 y el RV 588 hacia 1717.
El repertorio coral de Vivaldi fue descubierto a principios del siglo XX. _A_ Alfredo Casella se le atribuye el estreno del Gloria RV 589, en 1939, tras más de 200 años (1713), desde que fuera escrito.
El Gloria RV 589, en re mayor, tiene una duración aproximada de un poco más de media hora y se compone de once o doce movimientos (dependiendo de si el cuarto y el quinto son contados como uno o son contados como un pasaje solamente).
🎵I. Gloria en excelsis Deo (Coro) Gloria, gloria, a Dios en lo más alto.
🎵II. Et en terra pax (Coro) y en la tierra paz y buena voluntad a los hombres.
🎵III. Laudamus te (Sopranos) Te alabamos, te bendecimos. Te adoramos, te glorificamos.
🎵IV. Gratias agimus tibi (Coro) Te damos gracias.
🎵V. Propter magnam gloriam (Coro) por tu gran gloria.
🎵VI. Domine Deus (Soprano) Señor Dios, Rey del cielo, Dios Padre Todopoderoso.
🎵VII. Domine, Fili unigenite (Coro) Señor, el hijo unigénito, Jesucristo.
🎵VIII. Domine Deus, Agnus Dei (Contralto) y coro Señor Dios, Cordero de Dios, Hijo del Padre. Quien quita los pecados del mundo Ten piedad de nosotros.
🎵IX. Qui tollis peccata mundi (Coro) que quita los pecados del mundo Recibe nuestra súplica.
🎵X. Qui sedes ad dexteram Patris (Contralto) Quien está sentado a la diestra del Padre, ten piedad de nosotros.
🎵XI. Quoniam tu solus sanctus (Coro) Porque solo tú eres santo, solo Tú eres el Señor, solo tú eres el más elevado Jesucristo.
🎵XII. Cum Sancto Spiritu (Coro) Con el Espíritu Santo, En la gloria de Dios el Padre, Amén.
Al componer, Vivaldi fragmentó el texto oratorio del Gloria en 11 secciones, cada una de las cuales tiene un ambiente musical propio, por lo cual, si se quiere, puede interpretarse aisladamente una sola pieza.
Todas las partes vocales, desde los dos solistas de soprano y alto hasta el tenor y el bajo, fueron escritos originalmente para voces de mujeres, ya que no se permitía a hombres en el Pio Ospedale della Pietà, exclusivamente femenino (Vivaldi y el resto del personal masculino eran , por supuesto, miembros del sacerdocio); de vez en cuando la parte del bajo se mueve tan bajo que incluso los bajos femeninos notables de la Pietà deben haber tenido que transponer una octava. Solo dos instrumentos de viento -un oboe y una trompeta- se agregan al habitual contingente barroco de cuerdas, y el bajo continuo probablemente se habría reproducido por órgano.
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#Gloria #Vivaldi #HidemiSuzuki
Titulo: Gloria RV 589
Autor: Antonio Vivaldi
Movimientos:
🎵I. Gloria en excelsis Deo
🎵II. Et en terra pax
🎵III. Laudamus te
🎵IV. Gratias agimus tibi
🎵V. Propter magnam gloriam
🎵VI. Domine Deus
🎵VII. Domine, Fili unigenite
🎵VIII. Domine Deus, Agnus Dei
🎵IX. Qui tollis peccata mundi
🎵X. Qui sedes ad dexteram Patris
🎵XI. Quoniam tu solus sanctus
🎵XII. Cum Sancto Spiritu
Interpretación:
Conjunto barroco croata y solistas de la Orquesta Libera Classica (Japón)
El Coro Ángelus
Midori Suzuki - Soprano
Netsuko Someya - Soprano
Sumihito Uesugi - Contratenor
Director:
Hidemi Suzuki
Fuente: 🎼
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Titulo: Gloria RV 589
Autor: Antonio Vivaldi
Movimientos:
🎵I. Gloria en excelsis Deo
🎵II. Et en terra pax
🎵III. Laudamus te
🎵IV. Gratias agimus tibi
🎵V. Propter magnam gloriam
🎵VI. Domine Deus
🎵VII. Domine, Fili unigenite
🎵VIII. Domine Deus, Agnus Dei
🎵IX. Qui tollis peccata mundi
🎵X. Qui sedes ad dexteram Patris
🎵XI. Quoniam tu solus sanctus
🎵XII. Cum Sancto Spiritu
Interpretación:
Conjunto barroco croata y solistas de la Orquesta Libera Classica (Japón)
El Coro Ángelus
Midori Suzuki - Soprano
Netsuko Someya - Soprano
Sumihito Uesugi - Contratenor
Director:
Hidemi Suzuki
Fuente: 🎼
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#LeJardinClos #GabrielFauré #EllyAmeling #DaltonBaldwin
LE JARDIN CLOS , OP . 106
Le jardin clos, Op. 106, es un ciclo de canciones de Gabriel Fauré, de ocho mélodies para voz y piano. Se basa en ocho poemas de la colección Entrevisions por Charles van Lerberghe.
Fauré compuso el ciclo en 1914, comenzando en Alemania y continuando en Suiza y Francia después de que huyó de Alemania en el estallido de la Primera Guerra Mundial.
Le jardin clos tuvo su estreno en los Conciertos Casella el 28 de enero de 1915, cantada por Claire Croiza. El pianista fue el mismo Fauré.
El ciclo de canciones fue publicado por Durand en mayo de 1915. Fauré dio a las canciones dedicatorias individuales; "Dans la nymphée" estuvo dedicado a Croiza.
Esta pieza se presenta en 8 melodías:
🎵 I. "Exaucement"
🎵 II. "Quand tu plonges dans tes yeux mes yeux"
🎵 III. "La messagère"
🎵 IV. "Je me poserai sur ton coeur"
🎵 V. "Dans la nymphée"
🎵 VI. "Dans la pénombre"
🎵 VII. "Il cher m'est, amour, le cinta para el pelo"
🎵 VIII. "Inscripción sur le sable"
La primera melodía del ciclo, "Exaucement", crea una red de significado a través del equívoco. En el poema, por ejemplo, los labios son palabras de oración y expresión de amor carnal. Y es difícil determinar exactamente cuándo tiene lugar el paso de una dirección a otra. Podemos decir que el poema cultiva la homogeneidad no por la unicidad del significado, sino por la yuxtaposición continua de los diversos significados.
Musicalmente, Fauré también procede por yuxtaposición. El telón de fondo sobre el que se desarrollará el discurso armónico es relativamente homogéneo: se enuncian patrones neutros que se mantienen hasta el final, aunque se modifican de forma muy paulatina.
Además, las ambigüedades armónicas causadas por notas extranjeras, los cambios entre voces y secuencias imprevistas contribuyen a la sensación de uniformidad. Estos elementos superficiales favorecen las condiciones que permitirán la coexistencia de diferentes niveles armónicos y contrapuntísticos.
Faure no abandonó completamente las progresiones armónicas tradicionales. Más bien, combinó lo viejo y lo nuevo para crear su estilo personal.
Tanto la ambigüedad armónica como el uso de la novela terciana las estructuras se vuelven más pronunciadas con el aumento de la austeridad visto en las obras posteriores de Faure.
A medida que los detalles ornamentales se vuelven más raro, la importancia de las notas individuales y los acordes aumenta. Estos no se reiteran continuamente como sería común en más piezas tradicionales.
@ClasicaAlAtardecer
LE JARDIN CLOS , OP . 106
Le jardin clos, Op. 106, es un ciclo de canciones de Gabriel Fauré, de ocho mélodies para voz y piano. Se basa en ocho poemas de la colección Entrevisions por Charles van Lerberghe.
Fauré compuso el ciclo en 1914, comenzando en Alemania y continuando en Suiza y Francia después de que huyó de Alemania en el estallido de la Primera Guerra Mundial.
Le jardin clos tuvo su estreno en los Conciertos Casella el 28 de enero de 1915, cantada por Claire Croiza. El pianista fue el mismo Fauré.
El ciclo de canciones fue publicado por Durand en mayo de 1915. Fauré dio a las canciones dedicatorias individuales; "Dans la nymphée" estuvo dedicado a Croiza.
Esta pieza se presenta en 8 melodías:
🎵 I. "Exaucement"
🎵 II. "Quand tu plonges dans tes yeux mes yeux"
🎵 III. "La messagère"
🎵 IV. "Je me poserai sur ton coeur"
🎵 V. "Dans la nymphée"
🎵 VI. "Dans la pénombre"
🎵 VII. "Il cher m'est, amour, le cinta para el pelo"
🎵 VIII. "Inscripción sur le sable"
La primera melodía del ciclo, "Exaucement", crea una red de significado a través del equívoco. En el poema, por ejemplo, los labios son palabras de oración y expresión de amor carnal. Y es difícil determinar exactamente cuándo tiene lugar el paso de una dirección a otra. Podemos decir que el poema cultiva la homogeneidad no por la unicidad del significado, sino por la yuxtaposición continua de los diversos significados.
Musicalmente, Fauré también procede por yuxtaposición. El telón de fondo sobre el que se desarrollará el discurso armónico es relativamente homogéneo: se enuncian patrones neutros que se mantienen hasta el final, aunque se modifican de forma muy paulatina.
Además, las ambigüedades armónicas causadas por notas extranjeras, los cambios entre voces y secuencias imprevistas contribuyen a la sensación de uniformidad. Estos elementos superficiales favorecen las condiciones que permitirán la coexistencia de diferentes niveles armónicos y contrapuntísticos.
Faure no abandonó completamente las progresiones armónicas tradicionales. Más bien, combinó lo viejo y lo nuevo para crear su estilo personal.
Tanto la ambigüedad armónica como el uso de la novela terciana las estructuras se vuelven más pronunciadas con el aumento de la austeridad visto en las obras posteriores de Faure.
A medida que los detalles ornamentales se vuelven más raro, la importancia de las notas individuales y los acordes aumenta. Estos no se reiteran continuamente como sería común en más piezas tradicionales.
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#LeJardinClos #GabrielFauré #EllyAmeling #DaltonBaldwin
Título: Le jardin clos, Op. 106
Autor: Gabriel Fauré
Movimientos:
🎵 I. "Exaucement"
🎵 II. "Quand tu plonges dans tes yeux mes yeux"
🎵 III. "La messagère"
🎵 IV. "Je me poserai sur ton coeur"
🎵 V. "Dans la nymphée"
🎵 VI. "Dans la pénombre"
🎵 VII. "Il cher m'est, amour, le cinta para el pelo"
🎵 VIII. "Inscripción sur le sable"
Interpretación:
Elly Ameling - Soprano
Dalton Baldwin - Piano
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: Le jardin clos, Op. 106
Autor: Gabriel Fauré
Movimientos:
🎵 I. "Exaucement"
🎵 II. "Quand tu plonges dans tes yeux mes yeux"
🎵 III. "La messagère"
🎵 IV. "Je me poserai sur ton coeur"
🎵 V. "Dans la nymphée"
🎵 VI. "Dans la pénombre"
🎵 VII. "Il cher m'est, amour, le cinta para el pelo"
🎵 VIII. "Inscripción sur le sable"
Interpretación:
Elly Ameling - Soprano
Dalton Baldwin - Piano
Fuente: 🎼
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#Albinoni #Zenobia #Barroco #Ópera
TOMASO GIOVANNI ALBINONI
Tomaso Albinoni nació el 8 de Junio de 1671 en Venecia (República de Venecia) dónde también muere el 17 de enero de 1751. Hijo de Antonio Albinoni un fabricante de Papel y Lucretia Fabris, perteneciente a una conocida familia veneciana. Sus padres le costarían los estudios de violín y canto. Comenzó su carrera como dilettante. Fue un conocido compositor de Óperas (unas 50 de una producción de más de 200 obras)pese a que hoy es más conocido por sus sonatas, cantatas serenatas y conciertos.
Domenico, su hermano fue poeta y frecuentaba la alta sociedad de su tiempo lo que le hizo conocer a través de este al Cardenal Pietro Ottoboni (sobrino del papa Alejandro VIII, amigo de las artes y propector de músicos como Arcangelo Corelli)
En 1694 inauguró su catálogo de Óperas con Zenobia, Regina dei Palmironi; dedicándosela al Cardenal.
Es probable que Albinoni fuera contratado en 1700 como violinista por Fernando Carlo, Duque de Mantua, a quien le dedicó su colección de piezas instrumentales Opus 2.
A diferencia de otros compositores de la época, era un hombre con recursos y nunca buscó un puesto en la iglesia o una corte de la nobleza. Aunque parece que sus necesidades económicas aumentan tras la muerte de su padre en 1708.
En 1701 escribió sus muy populares suites Opus 3, y dedicó tal colección al Gran Duque Fernando III de Toscana.
En 1705 se casó con Margherita Rimondi con quien tuvo seis hijos. Antonino Biffi, el maestro di cappella de San Marcos de Venecia fue testigo de su boda, y evidentemente era amigo de Albinoni. Sin embargo, no parece que Albinoni tuviera ninguna otra relación con ese establecimiento que tanto destacaba musicalmente en Venecia. Logró su temprana fama como compositor de ópera en muchas ciudades de Italia, incluyendo Venecia, Génova, Bolonia, Mantua, Udine, Piacenza y Nápoles. Durante esta época compuso abundante música instrumental:
En 1722 es invitado por Maximiliano II Manuel de Baviera para dos de sus óperas en Múnich.
De las 50 óperas que compuso 28 se representaron en Venecia entre 1723 y 1740.
Actualmente es más reconocido por su música instrumental, en especial los conciertos de Oboe.
Johan Sebastian Bach escribió dos fugas sobre temas de Albinoni y usaba sus bajos como ejercicios de armonía en sus clases.
Parte de las obras se perdieron durante el bombardeo de Dresden en la WWII, al destruirse la Biblioteca estatal de Dresden.
Sebastián Bach admiraba sus obras instrumentales. Entre ellas hay que destacar:
-las Sonatas en trío
-los conciertos para uno y dos oboes
-El Concerto de 1710 para violín y orquesta.
Hoy en día es más conocido por su obra instrumental (sonatas y conciertos).
Según el registro de la parroquia Dei Carmini el 17 de enero de 1750, a los 84 años, murió de "diabetes, fiebre y catarro".
@ClasicaAlAtardecer
TOMASO GIOVANNI ALBINONI
Tomaso Albinoni nació el 8 de Junio de 1671 en Venecia (República de Venecia) dónde también muere el 17 de enero de 1751. Hijo de Antonio Albinoni un fabricante de Papel y Lucretia Fabris, perteneciente a una conocida familia veneciana. Sus padres le costarían los estudios de violín y canto. Comenzó su carrera como dilettante. Fue un conocido compositor de Óperas (unas 50 de una producción de más de 200 obras)pese a que hoy es más conocido por sus sonatas, cantatas serenatas y conciertos.
Domenico, su hermano fue poeta y frecuentaba la alta sociedad de su tiempo lo que le hizo conocer a través de este al Cardenal Pietro Ottoboni (sobrino del papa Alejandro VIII, amigo de las artes y propector de músicos como Arcangelo Corelli)
En 1694 inauguró su catálogo de Óperas con Zenobia, Regina dei Palmironi; dedicándosela al Cardenal.
Es probable que Albinoni fuera contratado en 1700 como violinista por Fernando Carlo, Duque de Mantua, a quien le dedicó su colección de piezas instrumentales Opus 2.
A diferencia de otros compositores de la época, era un hombre con recursos y nunca buscó un puesto en la iglesia o una corte de la nobleza. Aunque parece que sus necesidades económicas aumentan tras la muerte de su padre en 1708.
En 1701 escribió sus muy populares suites Opus 3, y dedicó tal colección al Gran Duque Fernando III de Toscana.
En 1705 se casó con Margherita Rimondi con quien tuvo seis hijos. Antonino Biffi, el maestro di cappella de San Marcos de Venecia fue testigo de su boda, y evidentemente era amigo de Albinoni. Sin embargo, no parece que Albinoni tuviera ninguna otra relación con ese establecimiento que tanto destacaba musicalmente en Venecia. Logró su temprana fama como compositor de ópera en muchas ciudades de Italia, incluyendo Venecia, Génova, Bolonia, Mantua, Udine, Piacenza y Nápoles. Durante esta época compuso abundante música instrumental:
En 1722 es invitado por Maximiliano II Manuel de Baviera para dos de sus óperas en Múnich.
De las 50 óperas que compuso 28 se representaron en Venecia entre 1723 y 1740.
Actualmente es más reconocido por su música instrumental, en especial los conciertos de Oboe.
Johan Sebastian Bach escribió dos fugas sobre temas de Albinoni y usaba sus bajos como ejercicios de armonía en sus clases.
Parte de las obras se perdieron durante el bombardeo de Dresden en la WWII, al destruirse la Biblioteca estatal de Dresden.
Sebastián Bach admiraba sus obras instrumentales. Entre ellas hay que destacar:
-las Sonatas en trío
-los conciertos para uno y dos oboes
-El Concerto de 1710 para violín y orquesta.
Hoy en día es más conocido por su obra instrumental (sonatas y conciertos).
Según el registro de la parroquia Dei Carmini el 17 de enero de 1750, a los 84 años, murió de "diabetes, fiebre y catarro".
En 1945 Remo Giazotto reconstruiría a partir de las partituras que encontró un investigador en 1910 en un antiguo momasterio, la obra que llamaría Adagio de Albinoni. En aquella partitura tan sólo se apreciaba el bajo continuo y seis compases de melodía.
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#Albinoni #Zenobia #Barroco #Ópera
ZENOBIA, REGINA DE PALMIRA
Música de Tomasso Albinoni
Libreto de Antonio Marchi.
Dedicada a Francesco Serra, Marqués de Génova.
Fue estrenada en el Teatro Sainti Giovanni e Paolo en Venecia.
Es una de las pocas obras de Albinoni que nos han llegado completas. Es, también, la primera ópera dedicada a Zenobia.
Es un drama en tres actos:
Acto I Allegro
Acto II Grave
Acto III Allegro
@ClasicaAlAtardecer
ZENOBIA, REGINA DE PALMIRA
Música de Tomasso Albinoni
Libreto de Antonio Marchi.
Dedicada a Francesco Serra, Marqués de Génova.
Fue estrenada en el Teatro Sainti Giovanni e Paolo en Venecia.
Es una de las pocas obras de Albinoni que nos han llegado completas. Es, también, la primera ópera dedicada a Zenobia.
Es un drama en tres actos:
Acto I Allegro
Acto II Grave
Acto III Allegro
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#Albinoni #Zenobia #Barroco #Ópera
Título: Zenobia Regina de Palmireni , Op.1
Autor: Tommaso Albinoni
Movimientos:
🎵 Acto I: Allegro
🎵 Acto II: Grave
🎵 Acto III: Allegro
Interpretación:
La ópera de Damasco
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: Zenobia Regina de Palmireni , Op.1
Autor: Tommaso Albinoni
Movimientos:
🎵 Acto I: Allegro
🎵 Acto II: Grave
🎵 Acto III: Allegro
Interpretación:
La ópera de Damasco
Fuente: 🎼
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#Suite1 #SuiteParaViolonchelo #Bach #LucíaSwarts
SUITE PARA VIOLONCHELO N.º 1 EN SOL MAYOR, BWV 1007
Suites para violonchelo solo, BWV 1007, La obra (Suite n1 en sol mayor de Bach) tiene un compas de 4/4 y es la primera de las suites para violonchelo solo, tiene la función de preludio a las demás suites. La obra fue considerada un ejercicio por algunos críticos, debido a que al comienzo se basa en unos arpegios en Semicorcheas, pero seguido a esto hay varios pasajes donde los arpegios comienzan a ascender. En tal punto se rompe la línea, por lo cual no hay posibilidad de que a partir de aquí sea un estudio. Después vienen unos compases donde se usa un Re como nota pedal y una ascensión cromática que genera cierta tensión, que después se resolverá en un acorde.
Otro aspecto que importa mucho sobre la obra es la gran cantidad y forma de interpretaciones que se han realizado de esta obra, lo cual le da campo a un amplio campo de evaluación sobre el tema, Siempre hay campo para la discusión sobre la técnica del arco, de la posición, de la mano izquierda. Las mejores interpretaciones son muy limpias realmente, no se usa mucho el Vibrato, no tiene Gissandos y en un buen número de interpretaciones se toca el chelo con la técnica barroca, consistente en tener el chelo entre las piernas. Lo más importante de la obra, así como de las suites, es que le dio una importancia al chelo que no se le había reconocido antes.
La suite N1 para Violonchelo De Bach hace parte del grupo de 6 Suites:
▫ Suite n1 En sol mayor
▫ Suite n2 En Re menor
▫ Suite n3 en Do mayor
▫ Suite n4 en Mi bemol mayor
▫ Suite n5 En do menor
▫ Suite n6 en Re mayor
Estas obras son consideras unas de las más importantes y mayores obras compuestas para Violonchelo, con el paso del tiempo se han convertido en parte habitual del repertorio y auténtica piedra de toque para los chelistas.
Dichas obras tienen gran importancia ya que contiene gran cantidad de dispositivos técnicos, una amplia gama emocional y las interacciones entre voces propias del contrapunto de Bach, tales características en la obra, les permite demostrar a los Chelistas demostrar su habilidad y dominio del instrumento.
@ClasicaAlAtardecer
SUITE PARA VIOLONCHELO N.º 1 EN SOL MAYOR, BWV 1007
Suites para violonchelo solo, BWV 1007, La obra (Suite n1 en sol mayor de Bach) tiene un compas de 4/4 y es la primera de las suites para violonchelo solo, tiene la función de preludio a las demás suites. La obra fue considerada un ejercicio por algunos críticos, debido a que al comienzo se basa en unos arpegios en Semicorcheas, pero seguido a esto hay varios pasajes donde los arpegios comienzan a ascender. En tal punto se rompe la línea, por lo cual no hay posibilidad de que a partir de aquí sea un estudio. Después vienen unos compases donde se usa un Re como nota pedal y una ascensión cromática que genera cierta tensión, que después se resolverá en un acorde.
Otro aspecto que importa mucho sobre la obra es la gran cantidad y forma de interpretaciones que se han realizado de esta obra, lo cual le da campo a un amplio campo de evaluación sobre el tema, Siempre hay campo para la discusión sobre la técnica del arco, de la posición, de la mano izquierda. Las mejores interpretaciones son muy limpias realmente, no se usa mucho el Vibrato, no tiene Gissandos y en un buen número de interpretaciones se toca el chelo con la técnica barroca, consistente en tener el chelo entre las piernas. Lo más importante de la obra, así como de las suites, es que le dio una importancia al chelo que no se le había reconocido antes.
La suite N1 para Violonchelo De Bach hace parte del grupo de 6 Suites:
▫ Suite n1 En sol mayor
▫ Suite n2 En Re menor
▫ Suite n3 en Do mayor
▫ Suite n4 en Mi bemol mayor
▫ Suite n5 En do menor
▫ Suite n6 en Re mayor
Estas obras son consideras unas de las más importantes y mayores obras compuestas para Violonchelo, con el paso del tiempo se han convertido en parte habitual del repertorio y auténtica piedra de toque para los chelistas.
Dichas obras tienen gran importancia ya que contiene gran cantidad de dispositivos técnicos, una amplia gama emocional y las interacciones entre voces propias del contrapunto de Bach, tales características en la obra, les permite demostrar a los Chelistas demostrar su habilidad y dominio del instrumento.
Otro punto que le da mucha importancia a las Suites De Bach es que Gracias a esta obra, como lo son otras tantas, el Violonchelo fue adquiriendo el reconocimiento que se merecía como instrumento Solista.
@ClasicaAlAtardecer
#Suite1 #SuiteParaViolonchelo #Bach #LucíaSwarts
SUITE PARA VIOLONCHELO N.º 1 EN SOL MAYOR, BWV 1007
La obra está organizada así:
🎵 I. Prélude
🎵 II. Allemande
🎵 III. Courante
🎵 IV. Sarabande
🎵 V. Minuetto
🎵 VI. Giga Final
El preludio (4/4) de la primera suite puede responder en un principio al carácter de estudio o ejercicio con el que muchos críticos y músicos del pasado querían identificar todas las suites. Su sencillo comienzo de arpegios en semicorcheas así nos pueden hacer pensar, pero en la parte central un arpegio ascendente muere en un calderón y a partir de aquí hay unos compases de tránsito hacia un pasaje de «bariolage» y otro seguido de punto de pedal en re y ascensión cromática que provocan una tensión dramática tal que no cabe hablar de simple estudio. Tras estos compases (33-38) se libera parte de la tensión acumulada y el movimiento acaba de forma brillante con un amplio acorde.
La allemande (4/4) posee equilibrio en las proporciones y una escritura limpia y ligera, poco usual en las allemandes de Bach.
La courante (3/4) también posee estas características, y es de notar la rápida presentación de su tema.
La sarabande (3/4), muy equilibrada estructuralmente, tiene uno de los puntos de más interés en el paso de la última parte del compás 13 a la primera del 14, en el amplio intervalo del dos primera línea adicional en la parte superior al sol primera línea (recordemos que la clave utilizada es fa en cuarta).
El menuetto y su doble (3/4), son movimientos (junto con las bourrées y las gavotas en las cuatro últimas suites) que colaboran al equilibrio de las suites (de por sí graves y severas) con sus ritmos y melodías amables. Eso no significa que, como en el caso del doble del menuetto de esta primera suite, no puedan ser de bellísima factura.
La giga final (6/8) muestra estrechamiento de los períodos además de un detalle llamativo: la segunda parte tendría que acabar en el compás 28, pero Bach de repente realiza una variación que lleva al final del movimiento y de toda la suite.
@ClasicaAlAtardecer
SUITE PARA VIOLONCHELO N.º 1 EN SOL MAYOR, BWV 1007
La obra está organizada así:
🎵 I. Prélude
🎵 II. Allemande
🎵 III. Courante
🎵 IV. Sarabande
🎵 V. Minuetto
🎵 VI. Giga Final
El preludio (4/4) de la primera suite puede responder en un principio al carácter de estudio o ejercicio con el que muchos críticos y músicos del pasado querían identificar todas las suites. Su sencillo comienzo de arpegios en semicorcheas así nos pueden hacer pensar, pero en la parte central un arpegio ascendente muere en un calderón y a partir de aquí hay unos compases de tránsito hacia un pasaje de «bariolage» y otro seguido de punto de pedal en re y ascensión cromática que provocan una tensión dramática tal que no cabe hablar de simple estudio. Tras estos compases (33-38) se libera parte de la tensión acumulada y el movimiento acaba de forma brillante con un amplio acorde.
La allemande (4/4) posee equilibrio en las proporciones y una escritura limpia y ligera, poco usual en las allemandes de Bach.
La courante (3/4) también posee estas características, y es de notar la rápida presentación de su tema.
La sarabande (3/4), muy equilibrada estructuralmente, tiene uno de los puntos de más interés en el paso de la última parte del compás 13 a la primera del 14, en el amplio intervalo del dos primera línea adicional en la parte superior al sol primera línea (recordemos que la clave utilizada es fa en cuarta).
El menuetto y su doble (3/4), son movimientos (junto con las bourrées y las gavotas en las cuatro últimas suites) que colaboran al equilibrio de las suites (de por sí graves y severas) con sus ritmos y melodías amables. Eso no significa que, como en el caso del doble del menuetto de esta primera suite, no puedan ser de bellísima factura.
La giga final (6/8) muestra estrechamiento de los períodos además de un detalle llamativo: la segunda parte tendría que acabar en el compás 28, pero Bach de repente realiza una variación que lleva al final del movimiento y de toda la suite.
Son unánimemente consideradas como una de las mayores obras para violonchelo jamás escritas. Prácticamente relegadas a una mera función didáctica hasta su "redescubrimiento" por parte de Pau Casals a finales del siglo XIX, se han convertido con el paso de las décadas en parte habitual del repertorio y auténtica piedra de toque para los violonchelistas.
@ClasicaAlAtardecer
