#LaRapsodia #Dvořák #HansZimmer
LA RAPSODIA EN LA MENOR OPUS. 14
La Rapsodia en La menor, numerada diversamente Opus 14, 15, 18 o 19, fue concebida como un poema sinfónico, un título que a veces lleva, en el modelo de Vy šehrad de Smetana. La obra se completó en el otoño de 1874 y se publicó póstumamente en 1912. En orden de composición sigue la cuarta de las nueve sinfonías de Dvořák y la primera media docena de sus catorce cuartetos de cuerda, y de ninguna manera es obra de un novicio. La Rapsodia, abiertamente nacionalista en contenido melódico, muestra un manejo firme de la orquesta en una forma que ocasionalmente se inclina hacia lo episódico.
Rapsodia en La menor probablemente se escribió bajo la influencia de las Rapsodias húngaras de Liszt, con la diferencia natural de que, en lugar de canciones nacionales húngaras, se derivaría de la música folclórica de las naciones eslavas. Dvořák planeó todo un ciclo de piezas similares, pero finalmente solo hizo este intento: la pieza no evolucionó como había imaginado, particularmente desde un punto de vista estructural, por lo que abandonó la idea de una serie completa. Revivió su plan cuatro años después con su Slavonic Rhapsodies Op. 45, esta vez con gran éxito. La Rapsodia en La menor, que Dvorak también describió como un poema sinfónico, surge de dos temas fundamentales contrastantes (más tarde también se introduce un tema secundario) que experimentan varios cambios de humor.
La obra no se estructura en torno a ninguna forma de aplicación general, sino que comprende varias secciones interconectadas que gradualmente se vuelven más brillantes y vivaces a medida que la música avanza hacia su conclusión triunfante. La pieza nunca se presentó durante la vida de Dvorak; el estreno tuvo lugar el 3 de noviembre de 1904, interpretado por la Filarmónica Checa bajo la dirección de Oskar Nedbal, y no fue hasta mucho más tarde, en 1912, que la Rapsodia fue finalmente publicada por la firma berlinesa Simrock.
En 1874 le había valido a Dvořák el premio del Estipendio del Estado de Austria, que había solicitado durante el verano al comité de Viena que incluía a Brahms y Hanslick. Quizás fue el éxito oficial lo que le llevó a intentar la composición de la ópera en cinco actos Vanda, terminado a finales de 1875 y presentado en el Teatro Nacional Provisional al año siguiente. La ópera, que trata sobre la vida de una princesa polaca pagana que jura sacrificar su vida si los polacos derrotan una invasión alemana, tiene una evidente relevancia nacional, mientras que la propia Vanda presume una relación con Libus, heroína de la ópera de Smetana de ese nombre escrita tres años antes.
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LA RAPSODIA EN LA MENOR OPUS. 14
La Rapsodia en La menor, numerada diversamente Opus 14, 15, 18 o 19, fue concebida como un poema sinfónico, un título que a veces lleva, en el modelo de Vy šehrad de Smetana. La obra se completó en el otoño de 1874 y se publicó póstumamente en 1912. En orden de composición sigue la cuarta de las nueve sinfonías de Dvořák y la primera media docena de sus catorce cuartetos de cuerda, y de ninguna manera es obra de un novicio. La Rapsodia, abiertamente nacionalista en contenido melódico, muestra un manejo firme de la orquesta en una forma que ocasionalmente se inclina hacia lo episódico.
Rapsodia en La menor probablemente se escribió bajo la influencia de las Rapsodias húngaras de Liszt, con la diferencia natural de que, en lugar de canciones nacionales húngaras, se derivaría de la música folclórica de las naciones eslavas. Dvořák planeó todo un ciclo de piezas similares, pero finalmente solo hizo este intento: la pieza no evolucionó como había imaginado, particularmente desde un punto de vista estructural, por lo que abandonó la idea de una serie completa. Revivió su plan cuatro años después con su Slavonic Rhapsodies Op. 45, esta vez con gran éxito. La Rapsodia en La menor, que Dvorak también describió como un poema sinfónico, surge de dos temas fundamentales contrastantes (más tarde también se introduce un tema secundario) que experimentan varios cambios de humor.
La obra no se estructura en torno a ninguna forma de aplicación general, sino que comprende varias secciones interconectadas que gradualmente se vuelven más brillantes y vivaces a medida que la música avanza hacia su conclusión triunfante. La pieza nunca se presentó durante la vida de Dvorak; el estreno tuvo lugar el 3 de noviembre de 1904, interpretado por la Filarmónica Checa bajo la dirección de Oskar Nedbal, y no fue hasta mucho más tarde, en 1912, que la Rapsodia fue finalmente publicada por la firma berlinesa Simrock.
En 1874 le había valido a Dvořák el premio del Estipendio del Estado de Austria, que había solicitado durante el verano al comité de Viena que incluía a Brahms y Hanslick. Quizás fue el éxito oficial lo que le llevó a intentar la composición de la ópera en cinco actos Vanda, terminado a finales de 1875 y presentado en el Teatro Nacional Provisional al año siguiente. La ópera, que trata sobre la vida de una princesa polaca pagana que jura sacrificar su vida si los polacos derrotan una invasión alemana, tiene una evidente relevancia nacional, mientras que la propia Vanda presume una relación con Libus, heroína de la ópera de Smetana de ese nombre escrita tres años antes.
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#LaRapsodia #Dvořák #HansZimmer
Título: La Rapsodia en la Menor OPUS. 14
Autor: Antonín Dvořák
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Radio Berlín
Director:
Hans Zimmer
Fuente: 🎼
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Título: La Rapsodia en la Menor OPUS. 14
Autor: Antonín Dvořák
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Radio Berlín
Director:
Hans Zimmer
Fuente: 🎼
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#SinfoníaFantástica #Berlioz #DimaSlobodeniouk
LA SINFONÍA FANTÁSTICA, OP. 14
La Sinfonía fantástica, cuyo nombre completo en francés es Symphonie fantastique: Épisode de la vie d'un artiste ... en cinq parties (Sinfonía fantástica: Episodio de la vida de un artista, en cinco partes), Op. 14, es una sinfonía programática del compositor francés Hector Berlioz, compuesta en 1830. Es una pieza importante del período romántico temprano. Su estreno tuvo lugar en el Conservatorio de París el 5 de diciembre de 1830. Franz Liszt realizó una transcripción para piano de la sinfonía en 1833.
La composición consta de cinco movimientos, en vez de los cuatro habituales para las sinfonías de la época:
🎵 I. Rêveries – Passions (Sueños – Pasiones) - do menor/do mayor
🎵 II. Un bal (Un baile) - la mayor
🎵 III. Scène aux champs (Escena en los campos) - fa mayor
🎵 IV. Marche au supplice (Marcha al cadalso) - sol menor
🎵 V. Songe d'une nuit du sabbat (Sueño de una noche de sabbat) - do mayor
La sinfonía posee un argumento muy detallado. Es por esta razón que se suele decir que es uno de los mejores ejemplos de la música programática; también es quizás uno de los primeros argumentos.
La primera parte es titulada por Berlioz como Ensueños y Pasiones. Empieza con un largo mediante un melancólico tema presentado por los primeros violines, llamado por su autor el malestar del ánimo. Sigue el allegro agitato y appassionato assai, con su tema principal y leitmotiv de toda la sinfonía, la idée fixe, cuya primera parte, pertenece al principio de la cantata Herminie que ya se ha mencionado en el párrafo sobre el Prix de Rome. Está presentada por los primeros violines y la flauta. El tema secundario es una modificación del propio tema principal. La reexposición termina con imitaciones de los instrumentos de viento de la idée fixe que se va diluyendo hasta acabar con una cadencia religiosa o sea en el estilo de la música de la Iglesia.
La segunda parte está titulada Un baile. Se trata de un scherzo en forma de un elegante vals. En su instrumentación las arpas le dan un color delicado. En el trío aparece nuevamente la idée fixe, primero interpretada por la flauta y el oboe y luego por la flauta y el clarinete. Se repite el vals con nueva instrumentación y en la coda aparece otra vez la idée fixe, ahora interpretada por el clarinete solo.
La tercera parte se titula Escena en los campos. Es un adagio que empieza con un dúo pastoral interpretado por el corno inglés y el oboe solistas. Luego los violines primeros y la flauta presentan el idílico tema principal. Este tema pertenece al Gratias de su “Messe Solennelle” de 1824. Después de varias variaciones del tema que terminan en un crescendo, se encuentra un fragmento de canto de pájaros, efecto producido por varios instrumentos de viento. Luego se repite el tema principal y vuelve a presentarse la idée fixe, respondiendo a un recitativo dramático de los bajos de la orquesta. Termina escuchándose truenos lejanos producidos por los timbales, mientras resurge de nuevo la idée fixe.
La cuarta parte se titula Marcha hacia el suplicio. Es un allegretto non troppo en forma de marcha trágica. Empieza con redobles rítmicos de los timbales, siguiendo con la introducción de la sombría marcha por los violoncelos y contrabajos. Se repite varias veces aumentando la tensión. En una especie de trío, los vientos presentan un segundo tema brillante y solemne.
En este último movimiento apreciamos esta multiplicidad de transformaciones y sonoridades extrañas; hay un sonido de campanas, un clarinete, el golpeteo de las cuerdas de los violines y las violas con el arco de madera y glissandos en los alientos. En las dinámicas hay cambios bruscos de fortissimo a pianissimo construyendo la imaginería grotesca del aquelarre y la ensoñación. La coda final está basada en el tema del Sabbat deformado rítmicamente, en una especie de danza diabólica.
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LA SINFONÍA FANTÁSTICA, OP. 14
La Sinfonía fantástica, cuyo nombre completo en francés es Symphonie fantastique: Épisode de la vie d'un artiste ... en cinq parties (Sinfonía fantástica: Episodio de la vida de un artista, en cinco partes), Op. 14, es una sinfonía programática del compositor francés Hector Berlioz, compuesta en 1830. Es una pieza importante del período romántico temprano. Su estreno tuvo lugar en el Conservatorio de París el 5 de diciembre de 1830. Franz Liszt realizó una transcripción para piano de la sinfonía en 1833.
La composición consta de cinco movimientos, en vez de los cuatro habituales para las sinfonías de la época:
🎵 I. Rêveries – Passions (Sueños – Pasiones) - do menor/do mayor
🎵 II. Un bal (Un baile) - la mayor
🎵 III. Scène aux champs (Escena en los campos) - fa mayor
🎵 IV. Marche au supplice (Marcha al cadalso) - sol menor
🎵 V. Songe d'une nuit du sabbat (Sueño de una noche de sabbat) - do mayor
La sinfonía posee un argumento muy detallado. Es por esta razón que se suele decir que es uno de los mejores ejemplos de la música programática; también es quizás uno de los primeros argumentos.
La primera parte es titulada por Berlioz como Ensueños y Pasiones. Empieza con un largo mediante un melancólico tema presentado por los primeros violines, llamado por su autor el malestar del ánimo. Sigue el allegro agitato y appassionato assai, con su tema principal y leitmotiv de toda la sinfonía, la idée fixe, cuya primera parte, pertenece al principio de la cantata Herminie que ya se ha mencionado en el párrafo sobre el Prix de Rome. Está presentada por los primeros violines y la flauta. El tema secundario es una modificación del propio tema principal. La reexposición termina con imitaciones de los instrumentos de viento de la idée fixe que se va diluyendo hasta acabar con una cadencia religiosa o sea en el estilo de la música de la Iglesia.
La segunda parte está titulada Un baile. Se trata de un scherzo en forma de un elegante vals. En su instrumentación las arpas le dan un color delicado. En el trío aparece nuevamente la idée fixe, primero interpretada por la flauta y el oboe y luego por la flauta y el clarinete. Se repite el vals con nueva instrumentación y en la coda aparece otra vez la idée fixe, ahora interpretada por el clarinete solo.
La tercera parte se titula Escena en los campos. Es un adagio que empieza con un dúo pastoral interpretado por el corno inglés y el oboe solistas. Luego los violines primeros y la flauta presentan el idílico tema principal. Este tema pertenece al Gratias de su “Messe Solennelle” de 1824. Después de varias variaciones del tema que terminan en un crescendo, se encuentra un fragmento de canto de pájaros, efecto producido por varios instrumentos de viento. Luego se repite el tema principal y vuelve a presentarse la idée fixe, respondiendo a un recitativo dramático de los bajos de la orquesta. Termina escuchándose truenos lejanos producidos por los timbales, mientras resurge de nuevo la idée fixe.
La cuarta parte se titula Marcha hacia el suplicio. Es un allegretto non troppo en forma de marcha trágica. Empieza con redobles rítmicos de los timbales, siguiendo con la introducción de la sombría marcha por los violoncelos y contrabajos. Se repite varias veces aumentando la tensión. En una especie de trío, los vientos presentan un segundo tema brillante y solemne.
En este último movimiento apreciamos esta multiplicidad de transformaciones y sonoridades extrañas; hay un sonido de campanas, un clarinete, el golpeteo de las cuerdas de los violines y las violas con el arco de madera y glissandos en los alientos. En las dinámicas hay cambios bruscos de fortissimo a pianissimo construyendo la imaginería grotesca del aquelarre y la ensoñación. La coda final está basada en el tema del Sabbat deformado rítmicamente, en una especie de danza diabólica.
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#SinfoníaFantástica #Berlioz #DimaSlobodeniouk
Título: La Sinfonía fantástica, Op. 14
Autor: Hector Berlioz
Movimientos:
🎵 00:26 I. Rêveries, passions
🎵 15:45 II. Un bal
🎵 22:35 III. Scène aux champs
🎵 39:05 IV. Marche au supplice
🎵 44:20 V. Sogne d'une Nuit du Sabbat
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Galicia
Director:
Dima Slobodeniouk
Fuente: 🎼
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Título: La Sinfonía fantástica, Op. 14
Autor: Hector Berlioz
Movimientos:
🎵 00:26 I. Rêveries, passions
🎵 15:45 II. Un bal
🎵 22:35 III. Scène aux champs
🎵 39:05 IV. Marche au supplice
🎵 44:20 V. Sogne d'une Nuit du Sabbat
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de Galicia
Director:
Dima Slobodeniouk
Fuente: 🎼
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#Concierto2 #Campanella #Paganini #StefanMilenkovich #NicolaValentini
CONCIERTO PARA VIOLÍN N. ° 2 EN SI MENOR , OP. 7
El Concierto para violín n. ° 2 en si menor , Op. 7, fue compuesta por Niccolò Paganini en Italia en 1826 . En su Segundo Concierto, Paganini se retrae de la demostración de virtuosismo en favor de una mayor individualidad en el estilo melódico. El tercer movimiento del Segundo Concierto de Paganini debe su apodo "La Campanella" o "La Clochette" a la campanilla que Paganini prescribe para presagiar cada repetición del tema rondó. El carácter de la campana también se imita en la orquesta y en algunos pasajes del solista con armónicos. El resultado es una textura muy transparente, que gana un encanto extra de gitana coloración del tema rondo.
El concierto consta de tres movimientos:
🎵 Allegro maestoso (en si menor , terminando en si mayor)
🎵 Adagio (en re mayor)
🎵 Rondo à la clochette (en si menor), o "La Campanella"
El tercer movimiento se conoce como el rondó de la "campanella" debido al toque de campanillas que Paganini antepone a cada repetición del estribillo. El aire de campanillas también aparece en la orquesta y en algunos de los pasajes en armónicos del solista. El resultado de todo ello es una textura muy transparente con el encanto adicional del tema del rondó con aire agitanado. En definitiva, este tercer movimiento es representativo de la maestría compositiva que se le niega habitualmente a Paganini.
Aunque la personalidad, el magnetismo y la mística de Paganini fueron inimitables, los aspectos puramente técnicos de su interpretación fueron rápidamente analizados y copiados. De sus contemporáneos, Ernst llegó a ser su imagen más cercana, mientras que Berrito y Vieuxtemps resultaron tan influidos, como otros representantes de la tradición franco-belga establecida por la escuela de Viotti. En Alemania, sin embargo, la oposición de Spohr retardó el progreso de la interpretación del violín.
Pero los principales admiradores de Paganini fueron intérpretes y compositores no violinistas, siendo Chopin, Liszt, Schumann y Brahms algunos de ellos. Su Segundo Concierto es citado en las obras de otros compositores, como el Étude S.140 nº 3 "La Campanella", de Ferenç Liszt, o el Vals a la Paganini op. 11 de Johann Strauss.
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CONCIERTO PARA VIOLÍN N. ° 2 EN SI MENOR , OP. 7
El Concierto para violín n. ° 2 en si menor , Op. 7, fue compuesta por Niccolò Paganini en Italia en 1826 . En su Segundo Concierto, Paganini se retrae de la demostración de virtuosismo en favor de una mayor individualidad en el estilo melódico. El tercer movimiento del Segundo Concierto de Paganini debe su apodo "La Campanella" o "La Clochette" a la campanilla que Paganini prescribe para presagiar cada repetición del tema rondó. El carácter de la campana también se imita en la orquesta y en algunos pasajes del solista con armónicos. El resultado es una textura muy transparente, que gana un encanto extra de gitana coloración del tema rondo.
El concierto consta de tres movimientos:
🎵 Allegro maestoso (en si menor , terminando en si mayor)
🎵 Adagio (en re mayor)
🎵 Rondo à la clochette (en si menor), o "La Campanella"
El tercer movimiento se conoce como el rondó de la "campanella" debido al toque de campanillas que Paganini antepone a cada repetición del estribillo. El aire de campanillas también aparece en la orquesta y en algunos de los pasajes en armónicos del solista. El resultado de todo ello es una textura muy transparente con el encanto adicional del tema del rondó con aire agitanado. En definitiva, este tercer movimiento es representativo de la maestría compositiva que se le niega habitualmente a Paganini.
Aunque la personalidad, el magnetismo y la mística de Paganini fueron inimitables, los aspectos puramente técnicos de su interpretación fueron rápidamente analizados y copiados. De sus contemporáneos, Ernst llegó a ser su imagen más cercana, mientras que Berrito y Vieuxtemps resultaron tan influidos, como otros representantes de la tradición franco-belga establecida por la escuela de Viotti. En Alemania, sin embargo, la oposición de Spohr retardó el progreso de la interpretación del violín.
Pero los principales admiradores de Paganini fueron intérpretes y compositores no violinistas, siendo Chopin, Liszt, Schumann y Brahms algunos de ellos. Su Segundo Concierto es citado en las obras de otros compositores, como el Étude S.140 nº 3 "La Campanella", de Ferenç Liszt, o el Vals a la Paganini op. 11 de Johann Strauss.
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#Concierto2 #Campanella #Paganini #StefanMilenkovich #NicolaValentini
Título: El Concierto para violín n. ° 2 en si menor , Op. 7
Autor: Niccolò Paganini
Movimientos:
🎵 00:00 Allegro maestoso (en si menor , terminando en si mayor)
🎵 14:31 Adagio (en re mayor)
🎵 20:59 Rondo à la clochette (en si menor), o "La Campanella"
Interpretación:
Orquesta de Europa Central
Stefan Milenkovich - Violín
Director:
Nicola Valentini
Fuente: 🎼
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Título: El Concierto para violín n. ° 2 en si menor , Op. 7
Autor: Niccolò Paganini
Movimientos:
🎵 00:00 Allegro maestoso (en si menor , terminando en si mayor)
🎵 14:31 Adagio (en re mayor)
🎵 20:59 Rondo à la clochette (en si menor), o "La Campanella"
Interpretación:
Orquesta de Europa Central
Stefan Milenkovich - Violín
Director:
Nicola Valentini
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#Overture1812 #Obertura1812 #Tchaikovsky #ManuelLópezGómez
LA OBERTURA 1812, OP. 49
La Obertura 1812, Op. 49 es una obertura romántica escrita por el compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovsky en 1880.
Esta obra nace con el encargo del Zar Alejandro II, que a punto de concluir la construcción de la catedral de Cristo el Salvador, quiere conmemorar la victoria rusa, y además quiere unir también el 25 aniversario de su coronación. Es el amigo y mentor de Tchaikovsky, Nikolai Rubinstein quien le sugiere componer esta gran obra conmemorativa. Tchaikovsky que comenzó a trabajar en la composición el 12 de octubre de 1880, en seis semanas ya tenia la obra lista.
La obertura se estrenó en Moscú el 20 de agosto de 1882, dirigida por Ippolit Al'tani bajo una carpa cerca de la entonces inacabada Catedral de Cristo Salvador.
La obra comienza con una melodía religiosa de la iglesia ortodoxa rusa, la "Plegaria al Salvador", que recuerda cómo la declaración de guerra contra Francia fue notificada al pueblo en los servicios religiosos de toda Rusia. Es inmediatamente seguida por un cántico solemne de deseo de victoria.
Estos anuncios y la reacción del pueblo están reflejados en la novela Guerra y paz, de Lev Tolstói (que también describe la batalla de Borodino el 7 de septiembre de 1812, donde Napoleón Bonaparte vence a las fuerzas rusas e invade Moscú). Continúa con una marcha presentada por los cornos, donde se oye cargar a los ejércitos.
El himno nacional francés, La Marsellesa, sirve para denotar el carácter francés del ejército invasor y la victoria de Napoleón sobre los rusos. Un tema folklórico ruso conmemora la batalla donde los moscovitas vencen a Napoleón. La retirada de Moscú a fines de octubre de 1812 está reflejada por un diminuendo en la música.
El fuego de los cañones muestra el avance de los rusos casi hasta las fronteras del imperio francés. Al final del conflicto se oyen campanas y fuegos artificiales por la victoria y liberación de Rusia de la ocupación francesa. Por debajo de los cañones y los cornos se oye el himno nacional ruso, Dios salve al Zar. Este himno es un contrapunto del himno francés que se escuchó anteriormente.
Esta obertura muestra un anacronismo curioso, ya que ni La marsellesa, ni Dios salve al Zar, eran en 1812 los himnos de Francia y Rusia respectivamente, sino que lo eran en la época en la que Peter Illich Tchaikovsky compuso la obra.
Tchaikovsky expreso su desencanto de la obra debido a su estreno e interpretación no fue lo que él esperó diciendo que: "la Obertura 1812 sería «muy fuerte y ruidosa, pero carente de mérito artístico, porque la escribí sin calidez ni cariño»", sumándose así a la legión de artistas que de tiempo en tiempo han menospreciado su propia obra.
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LA OBERTURA 1812, OP. 49
La Obertura 1812, Op. 49 es una obertura romántica escrita por el compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovsky en 1880.
Esta obra nace con el encargo del Zar Alejandro II, que a punto de concluir la construcción de la catedral de Cristo el Salvador, quiere conmemorar la victoria rusa, y además quiere unir también el 25 aniversario de su coronación. Es el amigo y mentor de Tchaikovsky, Nikolai Rubinstein quien le sugiere componer esta gran obra conmemorativa. Tchaikovsky que comenzó a trabajar en la composición el 12 de octubre de 1880, en seis semanas ya tenia la obra lista.
La obertura se estrenó en Moscú el 20 de agosto de 1882, dirigida por Ippolit Al'tani bajo una carpa cerca de la entonces inacabada Catedral de Cristo Salvador.
La obra comienza con una melodía religiosa de la iglesia ortodoxa rusa, la "Plegaria al Salvador", que recuerda cómo la declaración de guerra contra Francia fue notificada al pueblo en los servicios religiosos de toda Rusia. Es inmediatamente seguida por un cántico solemne de deseo de victoria.
Estos anuncios y la reacción del pueblo están reflejados en la novela Guerra y paz, de Lev Tolstói (que también describe la batalla de Borodino el 7 de septiembre de 1812, donde Napoleón Bonaparte vence a las fuerzas rusas e invade Moscú). Continúa con una marcha presentada por los cornos, donde se oye cargar a los ejércitos.
El himno nacional francés, La Marsellesa, sirve para denotar el carácter francés del ejército invasor y la victoria de Napoleón sobre los rusos. Un tema folklórico ruso conmemora la batalla donde los moscovitas vencen a Napoleón. La retirada de Moscú a fines de octubre de 1812 está reflejada por un diminuendo en la música.
El fuego de los cañones muestra el avance de los rusos casi hasta las fronteras del imperio francés. Al final del conflicto se oyen campanas y fuegos artificiales por la victoria y liberación de Rusia de la ocupación francesa. Por debajo de los cañones y los cornos se oye el himno nacional ruso, Dios salve al Zar. Este himno es un contrapunto del himno francés que se escuchó anteriormente.
Esta obertura muestra un anacronismo curioso, ya que ni La marsellesa, ni Dios salve al Zar, eran en 1812 los himnos de Francia y Rusia respectivamente, sino que lo eran en la época en la que Peter Illich Tchaikovsky compuso la obra.
Tchaikovsky expreso su desencanto de la obra debido a su estreno e interpretación no fue lo que él esperó diciendo que: "la Obertura 1812 sería «muy fuerte y ruidosa, pero carente de mérito artístico, porque la escribí sin calidez ni cariño»", sumándose así a la legión de artistas que de tiempo en tiempo han menospreciado su propia obra.
Irónicamente, es esta pieza una de las obras más reconocidas de Tchaikovsky, una de las más interpretadas y grabadas de su catálogo.@ClasicaAlAtardecer
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#Overture1812 #Obertura1812 #Tchaikovsky #ManuelLópezGómez
Título: Overture "1812"
Autor: Pyotr Ilyich Tchaikovsky
Interpretación:
Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá
Director:
Manuel López-Gómez
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Título: Overture "1812"
Autor: Pyotr Ilyich Tchaikovsky
Interpretación:
Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá
Director:
Manuel López-Gómez
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#Sinfonía2 #Brahms #HerbertVonKarajan
LA SINFONÍA N.º 2 EN RE MAYOR, OPUS 73.
La Sinfonía n.º 2 en re mayor, opus 73 fue compuesta por Johannes Brahms en el verano de 1877 durante una visita a los Alpes austríacos. La gestación de este trabajo es sorprendentemente corta en comparación a los quince años empleados por el compositor para completar su Primera Sinfonía.
En su segunda sinfonía, Brahms conserva la forma típica de la sinfonía clásica y sus cuatro movimientos:
🎵 I. Allegro non troppo en re mayor.
🎵 II. Adagio non troppo en si mayor.
🎵 III. Allegretto grazioso (quasi Andantino) en sol mayor.
🎵 IV. Allegro con Spirito, en re mayor.
El primer movimiento allegro non troppo, es de una gran extensión, ocupando casi la mitad de la obra. Empieza con tres notas, re, do sostenido, re, en las cuerdas graves, antes de la aparición del primer tema, una tranquila melodía de carácter bucólico. Un tema lírico sirve de transición al segundo tema principal. Es presentado por los violoncelos, siendo de una gran calidez y transparencia, con una vaga melancolía nórdica.
El segundo movimiento, adagio non troppo es de forma ternaria. En primer lugar aparece el tema principal interpretado por los violoncelos que luego pasa a los violines. Se trata de un amplio tema lírico de gran belleza expresiva. La trompa presenta una variante secundaria seguida luego por la madera. En la parte central aparece una nueva melodía presentada por la madera sobre el pizzicato de los contrabajos, como una canción popular. Luego el ambiente se hace más dramático, hasta llegar a la reexposición del tema principal de forma variada. Termina con un acorde de la orquesta dirigida por el clarinete.
El tercer movimiento, que en la forma clásica correspondería al scherzo, es un allegretto grazioso quasi andantino. Posee la forma A, B, A, C, A. Se puede interpretar como un tema con variaciones o como un scherzo con dos tríos o acaso una forma de rondo. El tema principal es presentado por el viento acompañado por el pizzicato de los violoncelos. En el primer trío toma parte la cuerda alta con una variación más rápida del tema principal.
El último movimiento es un allegro con spiritu, que empieza presentando el tema principal de forma suave, hasta el momento en que es repetido por toda la orquesta, tomando una gran fuerza. Intervenciones solistas del viento sirven como transición al segundo tema, lírico y de gran solemnidad que llevará el movimiento hasta un punto dramático. Un episodio conclusivo de carácter más suave termina la exposición.
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LA SINFONÍA N.º 2 EN RE MAYOR, OPUS 73.
La Sinfonía n.º 2 en re mayor, opus 73 fue compuesta por Johannes Brahms en el verano de 1877 durante una visita a los Alpes austríacos. La gestación de este trabajo es sorprendentemente corta en comparación a los quince años empleados por el compositor para completar su Primera Sinfonía.
En su segunda sinfonía, Brahms conserva la forma típica de la sinfonía clásica y sus cuatro movimientos:
🎵 I. Allegro non troppo en re mayor.
🎵 II. Adagio non troppo en si mayor.
🎵 III. Allegretto grazioso (quasi Andantino) en sol mayor.
🎵 IV. Allegro con Spirito, en re mayor.
El primer movimiento allegro non troppo, es de una gran extensión, ocupando casi la mitad de la obra. Empieza con tres notas, re, do sostenido, re, en las cuerdas graves, antes de la aparición del primer tema, una tranquila melodía de carácter bucólico. Un tema lírico sirve de transición al segundo tema principal. Es presentado por los violoncelos, siendo de una gran calidez y transparencia, con una vaga melancolía nórdica.
El segundo movimiento, adagio non troppo es de forma ternaria. En primer lugar aparece el tema principal interpretado por los violoncelos que luego pasa a los violines. Se trata de un amplio tema lírico de gran belleza expresiva. La trompa presenta una variante secundaria seguida luego por la madera. En la parte central aparece una nueva melodía presentada por la madera sobre el pizzicato de los contrabajos, como una canción popular. Luego el ambiente se hace más dramático, hasta llegar a la reexposición del tema principal de forma variada. Termina con un acorde de la orquesta dirigida por el clarinete.
El tercer movimiento, que en la forma clásica correspondería al scherzo, es un allegretto grazioso quasi andantino. Posee la forma A, B, A, C, A. Se puede interpretar como un tema con variaciones o como un scherzo con dos tríos o acaso una forma de rondo. El tema principal es presentado por el viento acompañado por el pizzicato de los violoncelos. En el primer trío toma parte la cuerda alta con una variación más rápida del tema principal.
El último movimiento es un allegro con spiritu, que empieza presentando el tema principal de forma suave, hasta el momento en que es repetido por toda la orquesta, tomando una gran fuerza. Intervenciones solistas del viento sirven como transición al segundo tema, lírico y de gran solemnidad que llevará el movimiento hasta un punto dramático. Un episodio conclusivo de carácter más suave termina la exposición.
Brahms refleja su amor por la naturaleza con sentimientos bucólicos, pero sin poder decir claramente que se trata de una Sinfonía Pastoral, como en alguna ocasión se la ha denominado.@ClasicaAlAtardecer
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#Sinfonía2 #Brahms #HerbertVonKarajan
Título: La Sinfonía n.º 2 en re mayor, opus 73
Autor: Johannes Brahms
Movimentos:
🎵 00:45 I. Allegro non troppo en re mayor.
🎵16:05 II. Adagio non troppo en si mayor.
🎵25:58 III. Allegretto grazioso (quasi Andantino) en sol mayor.
🎵31:12 IV. Allegro con Spirito, en re mayor.
Interpretacion:
Orquesta Filarmónica de Berlín
Director:
Herbert Von Karajan
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: La Sinfonía n.º 2 en re mayor, opus 73
Autor: Johannes Brahms
Movimentos:
🎵 00:45 I. Allegro non troppo en re mayor.
🎵16:05 II. Adagio non troppo en si mayor.
🎵25:58 III. Allegretto grazioso (quasi Andantino) en sol mayor.
🎵31:12 IV. Allegro con Spirito, en re mayor.
Interpretacion:
Orquesta Filarmónica de Berlín
Director:
Herbert Von Karajan
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
#SonataParaPiano #Sonata3 #Scriabin #DavidMogaburoOjeda
LA SONATA PARA PIANO N. ° 3 EN FA SOSTENIDO MENOR , OP. 23
La Sonata para piano n. ° 3 en fa sostenido menor, op 23, de Alexander Scriabin, fue compuesta entre 1897 y 1898. La sonata consta de cuatro movimientos, que suelen durar 20 minutos de interpretación.
Se dice que Scriabin llamó a la obra terminada "gótica", evocando la impresión de un castillo en ruinas. Algunos años más tarde, sin embargo, ideó un programa diferente para esta sonata titulado "Estados del alma":
Primer movimiento: Drammàtico: El alma, libre y salvaje, arrojada al torbellino del sufrimiento y la lucha.
Segundo movimiento: Allegretto: Aparente respiro momentáneo e ilusorio; cansada de sufrir el alma quiere olvidar, quiere cantar y florecer, a pesar de todo. Pero el ritmo ligero, las armonías fragantes son sólo una tapa a través de la cual reluce el alma inquieta y languideciente.
Tercer movimiento: Andante: Un mar de sentimientos, tiernos y dolorosos: amor, dolor, deseos vagos, pensamientos inexplicables, ilusiones de un sueño delicado.
Finale: Presto con fuoco: Desde lo profundo del ser se eleva la voz temible del hombre creativo cuyo canto victorioso resuena triunfalmente.
La sonata presenta un diseño típico de cuatro movimientos con una forma de sonata de apertura, un scherzo ternario, un movimiento lento (también en forma ternaria) y un final en forma de sonata.
I. Drammàtico
El primer movimiento se presenta en forma de sonata convencional sin repetición. La sonata se abre con un primer tema dramático en fa # menor, con los compases 1 y 2 presentando los motivos rítmicos insistentes que impregnarán todo ese apartado. El tema es inusualmente corto, abarca solo 8 compases y termina en un silencio sobre el acorde dominante. A continuación, la siguiente transición de 16 compases desarrolla el material anterior en varios estallidos violentos, divergiendo progresivamente de la tonalidad original y preparando la entrada del segundo tema.
II. Alegreto
De manera similar, las constantes repeticiones de los tripletes barrocos de semicorchea en la sección central del Allegretto crean el "estado de gracia".
III. Andante
Una idea más romántica es el uso de la forma cíclica en la vinculación de los dos últimos movimientos mediante una memoria pianissimo del tema Drammàtico, y en la reafirmación maestoso del tema Andante como clímax extático del final. Compositores rusos como Tchaikovsky o Rachmaninoff a menudo reiteraron el tema lírico del movimiento final como coda culminante (por ejemplo, en los conciertos para piano).
IV. Presto con fuoco
Al igual que Wagner , los rasgos modernistas de Scriabin pueden verse como resultado del uso de medios cada vez más radicales para expresar ideas románticas.
Con la aparición final del tema del movimiento lento al final del final, Scriabin construye la anticipación de un gran final en fa sostenido mayor y luego frustra nuestras expectativas, terminando el trabajo de manera sombría.
@ClasicaAlAtardecer
LA SONATA PARA PIANO N. ° 3 EN FA SOSTENIDO MENOR , OP. 23
La Sonata para piano n. ° 3 en fa sostenido menor, op 23, de Alexander Scriabin, fue compuesta entre 1897 y 1898. La sonata consta de cuatro movimientos, que suelen durar 20 minutos de interpretación.
Se dice que Scriabin llamó a la obra terminada "gótica", evocando la impresión de un castillo en ruinas. Algunos años más tarde, sin embargo, ideó un programa diferente para esta sonata titulado "Estados del alma":
Primer movimiento: Drammàtico: El alma, libre y salvaje, arrojada al torbellino del sufrimiento y la lucha.
Segundo movimiento: Allegretto: Aparente respiro momentáneo e ilusorio; cansada de sufrir el alma quiere olvidar, quiere cantar y florecer, a pesar de todo. Pero el ritmo ligero, las armonías fragantes son sólo una tapa a través de la cual reluce el alma inquieta y languideciente.
Tercer movimiento: Andante: Un mar de sentimientos, tiernos y dolorosos: amor, dolor, deseos vagos, pensamientos inexplicables, ilusiones de un sueño delicado.
Finale: Presto con fuoco: Desde lo profundo del ser se eleva la voz temible del hombre creativo cuyo canto victorioso resuena triunfalmente.
La sonata presenta un diseño típico de cuatro movimientos con una forma de sonata de apertura, un scherzo ternario, un movimiento lento (también en forma ternaria) y un final en forma de sonata.
I. Drammàtico
El primer movimiento se presenta en forma de sonata convencional sin repetición. La sonata se abre con un primer tema dramático en fa # menor, con los compases 1 y 2 presentando los motivos rítmicos insistentes que impregnarán todo ese apartado. El tema es inusualmente corto, abarca solo 8 compases y termina en un silencio sobre el acorde dominante. A continuación, la siguiente transición de 16 compases desarrolla el material anterior en varios estallidos violentos, divergiendo progresivamente de la tonalidad original y preparando la entrada del segundo tema.
II. Alegreto
De manera similar, las constantes repeticiones de los tripletes barrocos de semicorchea en la sección central del Allegretto crean el "estado de gracia".
III. Andante
Una idea más romántica es el uso de la forma cíclica en la vinculación de los dos últimos movimientos mediante una memoria pianissimo del tema Drammàtico, y en la reafirmación maestoso del tema Andante como clímax extático del final. Compositores rusos como Tchaikovsky o Rachmaninoff a menudo reiteraron el tema lírico del movimiento final como coda culminante (por ejemplo, en los conciertos para piano).
IV. Presto con fuoco
Al igual que Wagner , los rasgos modernistas de Scriabin pueden verse como resultado del uso de medios cada vez más radicales para expresar ideas románticas.
Con la aparición final del tema del movimiento lento al final del final, Scriabin construye la anticipación de un gran final en fa sostenido mayor y luego frustra nuestras expectativas, terminando el trabajo de manera sombría.
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#SonataParaPiano #Sonata3 #Scriabin #DavidMogaburoOjeda
Título: Sonata no. 3 en fa sostenido menor, op. 23
Autor: Alexander Scriabin
Movimientos:
🎵 00:00 I. Drammàtico
🎵 06:46 II. Alegreto
🎵 09:20 III. Andante
🎵 14:01 IV. Presto con fuoco
Interpretación:
- David Mogaburo Ojeda
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: Sonata no. 3 en fa sostenido menor, op. 23
Autor: Alexander Scriabin
Movimientos:
🎵 00:00 I. Drammàtico
🎵 06:46 II. Alegreto
🎵 09:20 III. Andante
🎵 14:01 IV. Presto con fuoco
Interpretación:
- David Mogaburo Ojeda
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
#Bagatelles47 #Dvořák #FrankBraley #RoelDieltiens
BAGATELLES, OP. 47, B. 79
Bagatelas (Maličkosti en checo, Bagatelles o Bagatellen), op.47, B.79, son cinco piezas para dos violines, chelo y armonio, compuesto por Antonín Dvořák en 1878.
Dvořák compuso y dedicó la obra al crítico musical y amigo Josef Srb-Debrnov que quería estrenarlo en casa y contaba con un armonio. La compuso entre el 1 y el 12 de mayo de 1878. Dvořák se basó en la canción folklórica checa Hraly dudy (Les cornemuses jouaient à Poduba en francés) para el primer, tercer y quinto movimientos.
El estreno público de la obra se realizó un año después, el 2 de febrero de 1879 en Praga, con Ferdinand Lachner y Vorel (violines), Alois Neruda (chelo), Antonin Dvořák (armonio).
La obra se divide en cinco pequeñas piezas:
🎵 I. Allegretto scherzando
🎵II. Tempo di minuetto, Grazioso
🎵 III. Allegretto scherzando
🎵 IV. Canon, Andante con moto
🎵V. Poco allegro
@ClasicaAlAtardecer
BAGATELLES, OP. 47, B. 79
Bagatelas (Maličkosti en checo, Bagatelles o Bagatellen), op.47, B.79, son cinco piezas para dos violines, chelo y armonio, compuesto por Antonín Dvořák en 1878.
Dvořák compuso y dedicó la obra al crítico musical y amigo Josef Srb-Debrnov que quería estrenarlo en casa y contaba con un armonio. La compuso entre el 1 y el 12 de mayo de 1878. Dvořák se basó en la canción folklórica checa Hraly dudy (Les cornemuses jouaient à Poduba en francés) para el primer, tercer y quinto movimientos.
El estreno público de la obra se realizó un año después, el 2 de febrero de 1879 en Praga, con Ferdinand Lachner y Vorel (violines), Alois Neruda (chelo), Antonin Dvořák (armonio).
La obra se divide en cinco pequeñas piezas:
🎵 I. Allegretto scherzando
🎵II. Tempo di minuetto, Grazioso
🎵 III. Allegretto scherzando
🎵 IV. Canon, Andante con moto
🎵V. Poco allegro
La primera edición de la obra la hizo N. Simrock en 1878 en una versión para piano a cuatro manos. Un año después se publicaba la versión original con una referencia a usar el piano en caso de que no se cuente con un armonio. Sin embargo, estas piezas son raramente interpretadas en parte debido a la utilización del armonio. Se desaconseja usar el piano y algunos recomiendan más bien usar el acordeón. @ClasicaAlAtardecer
