#AveMaría #Schubert #DavidGarrett #AndreaBocelli
AVE MARÍA
El Ave María de Schubert también es una pieza de concierto; por lo general se canta en latín, aunque se ha traducido a varios idiomas, y ha sido interpretada por artistas como María Callas, Plácido Domingo, Luciano Pavaroti, Andrea Bocelli o Diana Ross.
Esta pieza musical no se escribió con fines litúrgicos, sino que formó parte de un conjunto de obras inspiradas en un poema épico del novelista inglés Walter Scott conocidos como La Dama.
Schubert compuso siete canciones sobre La Dama del Lago que fueron publicadas en 1826 como su Opus 52. El Ave María es la tercera canción de este conjunto y fue escrita en alemán para ser interpretado por una voz femenina acompañada por piano en una tonalidad de Si bemol mayor.
La belleza de esta obra hizo que se empezara a usar con fines religiosos en los templos; el compositor Franz Liszt hizo tres adaptaciones para piano de esta pieza, que, con los años, se ha convertido en una de las favoritas para interpretarse en las bodas, y por su belleza, compite con otras aves María como la de Bach-Gounod, Offenbach, e incluso, la de Jaime Nunó, el autor del Himno Nacional Mexicano quien escribió un Ave María. La palabra Ave proviene de la Roma clásica y era una forma de saludar significando “que estés bien” o que“Dios te salve”.
Años después de su composición un desconocido adaptó la música de la canción de Schubert al himno de alabanza en latín, con lo cual la obra pasó de tener un carácter profano al religioso con el que se le conoce actualmente. Es decir, pasó de ser el canto de ayuda de una joven (como era en la obra de Scott) a un himno con las palabras “Ave María, llena eres de gracia, el señor está contigo”.
El Ave María de Franz Schubert es conocido y amado en todo el mundo; hay algo profundamente místico, poderoso, íntimo y amoroso en cada una sus notas. Schubert, en una carta a su padre, afirmó: “Ave María logró cautivar a sus oyentes y dedicarlos por completo, en corazón y alma”.
La brillantez de la ingeniosa composición de la lírica melodía, es conmovedora en su sencillez.
@ClasicaAlAtardecer
AVE MARÍA
El Ave María de Schubert también es una pieza de concierto; por lo general se canta en latín, aunque se ha traducido a varios idiomas, y ha sido interpretada por artistas como María Callas, Plácido Domingo, Luciano Pavaroti, Andrea Bocelli o Diana Ross.
Esta pieza musical no se escribió con fines litúrgicos, sino que formó parte de un conjunto de obras inspiradas en un poema épico del novelista inglés Walter Scott conocidos como La Dama.
Schubert compuso siete canciones sobre La Dama del Lago que fueron publicadas en 1826 como su Opus 52. El Ave María es la tercera canción de este conjunto y fue escrita en alemán para ser interpretado por una voz femenina acompañada por piano en una tonalidad de Si bemol mayor.
La belleza de esta obra hizo que se empezara a usar con fines religiosos en los templos; el compositor Franz Liszt hizo tres adaptaciones para piano de esta pieza, que, con los años, se ha convertido en una de las favoritas para interpretarse en las bodas, y por su belleza, compite con otras aves María como la de Bach-Gounod, Offenbach, e incluso, la de Jaime Nunó, el autor del Himno Nacional Mexicano quien escribió un Ave María. La palabra Ave proviene de la Roma clásica y era una forma de saludar significando “que estés bien” o que“Dios te salve”.
Años después de su composición un desconocido adaptó la música de la canción de Schubert al himno de alabanza en latín, con lo cual la obra pasó de tener un carácter profano al religioso con el que se le conoce actualmente. Es decir, pasó de ser el canto de ayuda de una joven (como era en la obra de Scott) a un himno con las palabras “Ave María, llena eres de gracia, el señor está contigo”.
El Ave María de Franz Schubert es conocido y amado en todo el mundo; hay algo profundamente místico, poderoso, íntimo y amoroso en cada una sus notas. Schubert, en una carta a su padre, afirmó: “Ave María logró cautivar a sus oyentes y dedicarlos por completo, en corazón y alma”.
La brillantez de la ingeniosa composición de la lírica melodía, es conmovedora en su sencillez.
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#AveMaría #Schubert #DavidGarrett #AndreaBocelli
Título: Ave María
Autor: Franz Schubert
Interpretación:
David Garrett
Andrea Bocelli
@ClasicaAlAtardecer
Título: Ave María
Autor: Franz Schubert
Interpretación:
David Garrett
Andrea Bocelli
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
VocesdePrimavera #JohannStrauss #AndréRieu
VOCES DE PRIMAVERA
Voces de Primavera (título original en alemán, Frühlingsstimmen), op. 410, es un vals compuesto por Johann Strauss hijo en el año 1882.
En el invierno de 1882-83, el compositor fue invitado a componer un vals vocal para la célebre soprano austríaca Bianca Bianchi, que además era un destacado miembro del Teatro de la Ópera de Viena
El vals Voces de Primavera se estrenó el 1 de marzo de 1883 en el Theater an der Wien. Fue en un concierto benéfico para la fundación de los indigentes del imperio austro-húngaro, fundada por el emperador Francisco José y su esposa.
Posteriormente, el vals fue adaptado por el mismo Johann Strauss II para ser interpretado en versión orquestal.
Fue concebido como un vals para solista con acompañamiento de coro, para ser interpretado por la soprano Bertha Schwarz en un concierto benéfico celebrado en el Theater an der Wien, en favor de la «Fundación para los indigentes austrohúngaros de Leipzig del Emperador Francisco José y la Emperatriz Isabel». Tras la actuación, Bianca Bianchi alcanzó renombre como miembro de la Ópera Estatal de Viena.
El vals se inicia en la tonalidad de si bemol mayor con ruidosos acordes, en un comienzo suave y melódico. La segunda sección invoca las alegrías de la primavera, con una escena pastoral en la que la flauta imita el canto de los pájaros. La tercera sección, en fa menor, quejumbrosa y dramática, parece sugerir la lluvia primaveral, mientras la cuarta rompe ese aire melancólico con una alegre melodía en la bemol mayor. En la coda, vuelve la melodía de la primera sección, tras la que se precipita el final con acordes de los metales en fortísimo sobre un redoble de timbale.
Este vals de Strauss hijo ha sido ampliamente empleado a lo largo de la historia. Así por ejemplo, el grupo de actores cómicos estadounidenses, Los Tres Chiflados lo usaron en dos de sus cortometrajes: Micro-Phonies y Brideless Groom. También lo encontraremos formando parte de las bandas sonoras de películas como Carros de fuego o La gran ilusión de Jean Renoir.
En 1976, Brian May lo utilizó para componer The Millionaire Waltz, como parte del álbum A Day at the Races de Queen.
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VOCES DE PRIMAVERA
Voces de Primavera (título original en alemán, Frühlingsstimmen), op. 410, es un vals compuesto por Johann Strauss hijo en el año 1882.
En el invierno de 1882-83, el compositor fue invitado a componer un vals vocal para la célebre soprano austríaca Bianca Bianchi, que además era un destacado miembro del Teatro de la Ópera de Viena
El vals Voces de Primavera se estrenó el 1 de marzo de 1883 en el Theater an der Wien. Fue en un concierto benéfico para la fundación de los indigentes del imperio austro-húngaro, fundada por el emperador Francisco José y su esposa.
Posteriormente, el vals fue adaptado por el mismo Johann Strauss II para ser interpretado en versión orquestal.
Fue concebido como un vals para solista con acompañamiento de coro, para ser interpretado por la soprano Bertha Schwarz en un concierto benéfico celebrado en el Theater an der Wien, en favor de la «Fundación para los indigentes austrohúngaros de Leipzig del Emperador Francisco José y la Emperatriz Isabel». Tras la actuación, Bianca Bianchi alcanzó renombre como miembro de la Ópera Estatal de Viena.
El vals se inicia en la tonalidad de si bemol mayor con ruidosos acordes, en un comienzo suave y melódico. La segunda sección invoca las alegrías de la primavera, con una escena pastoral en la que la flauta imita el canto de los pájaros. La tercera sección, en fa menor, quejumbrosa y dramática, parece sugerir la lluvia primaveral, mientras la cuarta rompe ese aire melancólico con una alegre melodía en la bemol mayor. En la coda, vuelve la melodía de la primera sección, tras la que se precipita el final con acordes de los metales en fortísimo sobre un redoble de timbale.
Este vals de Strauss hijo ha sido ampliamente empleado a lo largo de la historia. Así por ejemplo, el grupo de actores cómicos estadounidenses, Los Tres Chiflados lo usaron en dos de sus cortometrajes: Micro-Phonies y Brideless Groom. También lo encontraremos formando parte de las bandas sonoras de películas como Carros de fuego o La gran ilusión de Jean Renoir.
En 1976, Brian May lo utilizó para componer The Millionaire Waltz, como parte del álbum A Day at the Races de Queen.
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#VocesdePrimavera #JohannStrauss #AndréRieu
Título: Voces de Primavera
Autor: Johann Strauss II
Interpretación:
Orquesta de Johann Strauss
- André Rieu
@ClasicaAlAtardecer
Título: Voces de Primavera
Autor: Johann Strauss II
Interpretación:
Orquesta de Johann Strauss
- André Rieu
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
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#Arte #Música #Clásica #ThibautGarcia
MAZURKA APPASSIONATA - THIBAUT GARCIA
Artista: Thibaut Garcia
Canción: Mazurka Appasionata
Autor: Agustín Barrios
Estilo: Clásica
Año: 2014
Lugar: Auditorio del Conservatorio de Nantes, Nantes, Francia
@SonataLife
MAZURKA APPASSIONATA - THIBAUT GARCIA
Artista: Thibaut Garcia
Canción: Mazurka Appasionata
Autor: Agustín Barrios
Estilo: Clásica
Año: 2014
Lugar: Auditorio del Conservatorio de Nantes, Nantes, Francia
Fuente: 🎼@SonataLife
#Concierto9 #Mozart #DanielKharitonov #VladimirSpivakov
EL CONCIERTO PARA PIANO N.º 9, EN MI BEMOL MAYOR, K. 271
El Concierto para piano n.º 9, en mi bemol mayor, K. 271, de Amadeus Mozart fue escrito en Salzburgo en 1777, cuando Mozart tenía la edad de 21 años. Durante mucho tiempo, esta obra fue conocida con el sobrenombre de Jeunehomme, apellido de una supuesta pianista francesa. Los expertos no pueden identificar a la mujer para quien Mozart escribió realmente la pieza. Recientemente, el musicólogo Michael Lorenz ha argumentado que la mujer era realmente Victoire Jenamy (1749-1812), hija de Jean-Georges Noverre, un famoso bailarín que se convirtió en uno de los mejores amigos de Mozart.
La obra está escrita para piano solo, dos oboes, dos trompas, y cuerdas.
Consta de tres movimientos:
🎵 Allegro, en mi bemol mayor y compás de compasillo.
🎵 Andantino, en do menor y compás de 3/4.
🎵 Rondó (Presto), en mi bemol mayor y tempo Alla breve.
El concierto es en tres movimientos, el estándar para las obras de la era clásica en el género. El Allegro de apertura comienza con un trazo original - donde los oyentes habrían esperado una larga introducción orquestal de los temas del movimiento, Mozart en cambio lo precede con un pequeño florecimiento orquestal contestado por una amable réplica del solista. En otro golpe inesperado, Mozart hace que el piano se inmiscuya en los momentos finales de la introducción con un largo trino.
El segundo movimiento está escrito en el relativo menor llave. En solo cinco de los conciertos para piano de Mozart está el segundo movimiento en una tonalidad menor. Mozart escribió dos cadencias para este movimiento. La profundidad y el juego de sombra y luz en el extraordinario C-menor Andantino contrasta fuertemente con la atmósfera más despreocupada del primer y tercer movimiento.
El final, un rondó, contrasta el tema de apertura, un brioso sprint del solista, con una secuencia de episodios, cada uno de ellos precedido por un retorno de este tema. En medio del movimiento, Mozart reduce el ritmo para un suave episodio de minué, con la danza cortesana introducida primero por el solista, que luego hace girar la melodía sobre un acompañamiento de pizzicato. Sabiendo lo que hacemos ahora sobre mademoiselle Jenamy y su pedigrí, el momento se convierte en otro ejemplo del inagotable ingenio de Mozart.
@ClasicaAlAtardecer
EL CONCIERTO PARA PIANO N.º 9, EN MI BEMOL MAYOR, K. 271
El Concierto para piano n.º 9, en mi bemol mayor, K. 271, de Amadeus Mozart fue escrito en Salzburgo en 1777, cuando Mozart tenía la edad de 21 años. Durante mucho tiempo, esta obra fue conocida con el sobrenombre de Jeunehomme, apellido de una supuesta pianista francesa. Los expertos no pueden identificar a la mujer para quien Mozart escribió realmente la pieza. Recientemente, el musicólogo Michael Lorenz ha argumentado que la mujer era realmente Victoire Jenamy (1749-1812), hija de Jean-Georges Noverre, un famoso bailarín que se convirtió en uno de los mejores amigos de Mozart.
La obra está escrita para piano solo, dos oboes, dos trompas, y cuerdas.
Consta de tres movimientos:
🎵 Allegro, en mi bemol mayor y compás de compasillo.
🎵 Andantino, en do menor y compás de 3/4.
🎵 Rondó (Presto), en mi bemol mayor y tempo Alla breve.
El concierto es en tres movimientos, el estándar para las obras de la era clásica en el género. El Allegro de apertura comienza con un trazo original - donde los oyentes habrían esperado una larga introducción orquestal de los temas del movimiento, Mozart en cambio lo precede con un pequeño florecimiento orquestal contestado por una amable réplica del solista. En otro golpe inesperado, Mozart hace que el piano se inmiscuya en los momentos finales de la introducción con un largo trino.
El segundo movimiento está escrito en el relativo menor llave. En solo cinco de los conciertos para piano de Mozart está el segundo movimiento en una tonalidad menor. Mozart escribió dos cadencias para este movimiento. La profundidad y el juego de sombra y luz en el extraordinario C-menor Andantino contrasta fuertemente con la atmósfera más despreocupada del primer y tercer movimiento.
El final, un rondó, contrasta el tema de apertura, un brioso sprint del solista, con una secuencia de episodios, cada uno de ellos precedido por un retorno de este tema. En medio del movimiento, Mozart reduce el ritmo para un suave episodio de minué, con la danza cortesana introducida primero por el solista, que luego hace girar la melodía sobre un acompañamiento de pizzicato. Sabiendo lo que hacemos ahora sobre mademoiselle Jenamy y su pedigrí, el momento se convierte en otro ejemplo del inagotable ingenio de Mozart.
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#Concierto9 #Mozart #DanielKharitonov #VladimirSpivakov
Título: El Concierto para piano n.º 9, en mi bemol mayor, K. 271
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Movimientos:
🎵 Allegro, en mi bemol mayor y compás de compasillo.
🎵 Andantino, en do menor y compás de 3/4.
🎵 Rondó (Presto), en mi bemol mayor y tempo Alla breve.
Interpretación:
Orquesta Filamornica de Moscú
Piano - Daniel Kharitonov
Director:
Vladimir Spivakov
Fuente: 🎼
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Título: El Concierto para piano n.º 9, en mi bemol mayor, K. 271
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Movimientos:
🎵 Allegro, en mi bemol mayor y compás de compasillo.
🎵 Andantino, en do menor y compás de 3/4.
🎵 Rondó (Presto), en mi bemol mayor y tempo Alla breve.
Interpretación:
Orquesta Filamornica de Moscú
Piano - Daniel Kharitonov
Director:
Vladimir Spivakov
Fuente: 🎼
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#WalkingintheAir #FlavienCheminant #HowardBlake #AndréRieu
Título: Walking in the Air
Autor: Flavien Cheminant / Howard Blake
Interpretación:
Orquesta de Johann Strauss
- André Rieu
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Título: Walking in the Air
Autor: Flavien Cheminant / Howard Blake
Interpretación:
Orquesta de Johann Strauss
- André Rieu
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#Sinfonía5 #AllanPettersson #AndreasKahler
LA “SINFONÍA Nº 5”
La “Sinfonía Nº 5” fue compuesta entre 1960 y 1962 por Allan Pettersson. Se estrenó el 8 de noviembre de 1963 durante el ciclo de conciertos “Nutida-musik” (Música actual), en Estocolmo, interpretada por la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca dirigida por Stig Westerberg. Se recibió con éxito, pero no llegó a tener grandes repercusiones.
Está escrita en un solo gran movimiento. Después de múltiples audiciones podemos ver que se encuentra dividida en tres partes. Una introducción, una exposición seguida de una especie de desarrollo y la coda. La obra es muy extensa pero sus motivos están sumamente condensados. Todo el material temático deriva de un motivo formado por cuatro notas cromáticas.
El origen de la técnica empleada por Pettersson en sus obras de madurez deriva del dodecafonismo de Schönberg, pero realizando cambios expresivos, oscilando entre la tonalidad y la atonalidad. Diríamos que es como una especie de dodecafonismo libre, en un estilo propio de su autor, que era tachado de conservador por los compositores más progresistas.
Nos encontramos frente a una obra más sobria que sus anteriores sinfonías, con un carácter como dirían los soviéticos, más formalista. En algunas grabaciones, como la del sello BIS, la dividen en tres partes. La primera, introducción, ocupa los primeros 17 compases. Presenta el intervalo que dará origen al tema desarrollado por el resto de la obra. Un silencio separa esta parte de la siguiente.
La segunda sección comprende la mayor parte de la obra. Los temas de carácter atonal van tomando forma y empiezan a llenar el espacio sonoro. La tensión dramática se acentúa hasta llegar a diversas explosiones sonoras. El ambiente es trágico como la vida atormentada de su autor.
La percusión señala varias veces una especie de marcha fúnebre en el sentido trágico mahleriano. En la parte final de lo que podríamos denominar como desarrollo, la expresividad aumenta hasta un máximo, apoyada por la percusión. La marcha fúnebre resuena aterradora. De repente cesa la actividad apareciendo una línea melódica apoyada por la trompeta. Sigue una de las llamadas islas líricas, constantes en toda su producción.
Un himno interpretado por la cuerda presenta tristes contornos, apoyado por los débiles golpes de la percusión, que continuarán hasta el final, cada vez más débiles. Con esta opresiva atmósfera termina la sinfonía.
@ClasicaAlAtardecer
LA “SINFONÍA Nº 5”
La “Sinfonía Nº 5” fue compuesta entre 1960 y 1962 por Allan Pettersson. Se estrenó el 8 de noviembre de 1963 durante el ciclo de conciertos “Nutida-musik” (Música actual), en Estocolmo, interpretada por la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca dirigida por Stig Westerberg. Se recibió con éxito, pero no llegó a tener grandes repercusiones.
Está escrita en un solo gran movimiento. Después de múltiples audiciones podemos ver que se encuentra dividida en tres partes. Una introducción, una exposición seguida de una especie de desarrollo y la coda. La obra es muy extensa pero sus motivos están sumamente condensados. Todo el material temático deriva de un motivo formado por cuatro notas cromáticas.
El origen de la técnica empleada por Pettersson en sus obras de madurez deriva del dodecafonismo de Schönberg, pero realizando cambios expresivos, oscilando entre la tonalidad y la atonalidad. Diríamos que es como una especie de dodecafonismo libre, en un estilo propio de su autor, que era tachado de conservador por los compositores más progresistas.
Nos encontramos frente a una obra más sobria que sus anteriores sinfonías, con un carácter como dirían los soviéticos, más formalista. En algunas grabaciones, como la del sello BIS, la dividen en tres partes. La primera, introducción, ocupa los primeros 17 compases. Presenta el intervalo que dará origen al tema desarrollado por el resto de la obra. Un silencio separa esta parte de la siguiente.
La segunda sección comprende la mayor parte de la obra. Los temas de carácter atonal van tomando forma y empiezan a llenar el espacio sonoro. La tensión dramática se acentúa hasta llegar a diversas explosiones sonoras. El ambiente es trágico como la vida atormentada de su autor.
La percusión señala varias veces una especie de marcha fúnebre en el sentido trágico mahleriano. En la parte final de lo que podríamos denominar como desarrollo, la expresividad aumenta hasta un máximo, apoyada por la percusión. La marcha fúnebre resuena aterradora. De repente cesa la actividad apareciendo una línea melódica apoyada por la trompeta. Sigue una de las llamadas islas líricas, constantes en toda su producción.
Un himno interpretado por la cuerda presenta tristes contornos, apoyado por los débiles golpes de la percusión, que continuarán hasta el final, cada vez más débiles. Con esta opresiva atmósfera termina la sinfonía.
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