#ConciertoParaPiano #Concierto21 #Mozart #EdodeWaart #RonaldBrautigam
CONCIERTO PARA PIANO y ORQUESTA No. 21 EN DO MAYOR, K. 467
El Concierto para piano n.º 21 en do mayor, K. 467, de Wolfgang Amadeus Mozart fue completado el 9 de marzo de 1785 y estrenado un día después, el día 10 de marzo, en el Teatro de la Corte Imperial y Real de Viena, en un concierto promocionado por el mismo Mozart. Este es uno de los conciertos para piano más populares del compositor.
Está estructurado en tres movimientos:
🎵 I. Allegro maestoso
🎵 II. Andante en fa mayor
🎵 III. Allegro vivace assai
El primer movimiento se inicia de forma tranquila con una alegre marcha en las cuerdas bajas que es respondida por las cuerdas altas y los vientos-madera. De seguida un alegre arrebato se mezcla con el tema principal. El piano hace una entrada tranquila con una configuración en forma de escala que desemboca en una corta cadenza que termina en un trino antes de que toda la orquesta repita el tema principal. El piano elabora un poco más antes de agregar otra idea en sol mayor, que es precedida por un pasaje en la extraña escala de sol menor. El tema principal se presenta en sol mayor, y pasa por escalas por parte del solista mientras los vientos-madera interpretan una figura melancólica. Esto pronto transita al tranquilo inicio y una reexposición en la tonalidad principal de la idea presentada anteriormente en sol mayor. Pronto, el tutti lleva el movimiento a una cadenza antes de la orquesta lo concluya con la sección final del inicio, ligeramente modificado para terminar en una nota tranquila pero distinta.
El andante se inicia con una figuración de terceto en el bajo soportando una melodía lánguida. Luego de una exposición reposada de la orquesta, el solista retoma el terceto y comparte la melodía con el conjunto. Hay breves momentos de "tristeza", pero en general el tono del movimiento es brillante y calmo.
La extendida notoriedad de la que hoy disfruta se la debe, malgré tout, a la incorporación de su segundo movimiento, Andante, a la banda sonora que acompañó la romántica historia contada en la película sueca Elvira Madigan, de 1967. Neil Diamond, por su parte, sumó un granito de arena a la popularidad de la pieza con su canción Song Sung Blue, de 1972, aunque no le contó a nadie.
El rondo final se inicia con la orquesta presentando un alegre y "saltarín" tema. Luego de una breve cadenza, el piano se une y elabora un poco más los temas. En apariencia el estilo es de pregunta-respuesta, con un intercambio fluido de roles por parte del piano y el conjunto. El solista usa las escalas y los arpegios para adornar los temas y una corta cadenza que transita a un tema principal. El tema principal se presenta una vez más, llevando el movimiento en sentido ascendente que termina en una nota triunfante.
@ClasicaAlAtardecer
CONCIERTO PARA PIANO y ORQUESTA No. 21 EN DO MAYOR, K. 467
El Concierto para piano n.º 21 en do mayor, K. 467, de Wolfgang Amadeus Mozart fue completado el 9 de marzo de 1785 y estrenado un día después, el día 10 de marzo, en el Teatro de la Corte Imperial y Real de Viena, en un concierto promocionado por el mismo Mozart. Este es uno de los conciertos para piano más populares del compositor.
Está estructurado en tres movimientos:
🎵 I. Allegro maestoso
🎵 II. Andante en fa mayor
🎵 III. Allegro vivace assai
El primer movimiento se inicia de forma tranquila con una alegre marcha en las cuerdas bajas que es respondida por las cuerdas altas y los vientos-madera. De seguida un alegre arrebato se mezcla con el tema principal. El piano hace una entrada tranquila con una configuración en forma de escala que desemboca en una corta cadenza que termina en un trino antes de que toda la orquesta repita el tema principal. El piano elabora un poco más antes de agregar otra idea en sol mayor, que es precedida por un pasaje en la extraña escala de sol menor. El tema principal se presenta en sol mayor, y pasa por escalas por parte del solista mientras los vientos-madera interpretan una figura melancólica. Esto pronto transita al tranquilo inicio y una reexposición en la tonalidad principal de la idea presentada anteriormente en sol mayor. Pronto, el tutti lleva el movimiento a una cadenza antes de la orquesta lo concluya con la sección final del inicio, ligeramente modificado para terminar en una nota tranquila pero distinta.
El andante se inicia con una figuración de terceto en el bajo soportando una melodía lánguida. Luego de una exposición reposada de la orquesta, el solista retoma el terceto y comparte la melodía con el conjunto. Hay breves momentos de "tristeza", pero en general el tono del movimiento es brillante y calmo.
La extendida notoriedad de la que hoy disfruta se la debe, malgré tout, a la incorporación de su segundo movimiento, Andante, a la banda sonora que acompañó la romántica historia contada en la película sueca Elvira Madigan, de 1967. Neil Diamond, por su parte, sumó un granito de arena a la popularidad de la pieza con su canción Song Sung Blue, de 1972, aunque no le contó a nadie.
El rondo final se inicia con la orquesta presentando un alegre y "saltarín" tema. Luego de una breve cadenza, el piano se une y elabora un poco más los temas. En apariencia el estilo es de pregunta-respuesta, con un intercambio fluido de roles por parte del piano y el conjunto. El solista usa las escalas y los arpegios para adornar los temas y una corta cadenza que transita a un tema principal. El tema principal se presenta una vez más, llevando el movimiento en sentido ascendente que termina en una nota triunfante.
@ClasicaAlAtardecer
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#ConciertoParaPiano #Concierto21 #Mozart #EdodeWaart #RonaldBrautigam
Título: El Concierto para piano n.º 21 en do mayor, K. 467
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Movimientos:
🎵 I. Allegro maestoso
🎵 II. Andante
🎵 III. Allegro vivace assai
Interpretación:
Ronald Brautigam - Piano
Orquesta Filarmónica de los Países Bajos.
Director:
Edo de Waart
@ClasicaAlAtardecer
Título: El Concierto para piano n.º 21 en do mayor, K. 467
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Movimientos:
🎵 I. Allegro maestoso
🎵 II. Andante
🎵 III. Allegro vivace assai
Interpretación:
Ronald Brautigam - Piano
Orquesta Filarmónica de los Países Bajos.
Director:
Edo de Waart
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#AdagiodeEspartaco #AramKhachaturian #AzimKarimov
ADAGIO DE ESPARTACO
Espartaco es un ballet en tres actos y diez escenas basado en la novela de Raffaello Giovagnoli, sobre la vida de Espartaco, compuesto por
Aram Khachaturian. Narra las hazañas de Espartaco, el líder de una revuelta de esclavos contra la República romana, conocida como Tercera guerra servil, tomándose libertades propias de la novela mencionada, alejadas de los hechos históricos documentados.
Se estrenó el 27 de diciembre de 1956 en el «Teatro de Ópera y Ballet Kírov» de San Petersburgo, con libreto de Nikolái Vólkov y coreografía de Leonid Yakobsón; tuvo un éxito discreto debido a que la coreografía abandonaba el tradicional y académico uso de las puntas del ballet clásico.
Su primera puesta en escena en Moscú fue el 12 de marzo de 1958, en el Teatro Bolshói con coreografía de Ígor Moiséyev; sin embargo, el mayor éxito del ballet Espartaco se consiguió con la producción de 1968 que incorporaba el libreto y la coreografía de Yuri Grigoróvich respetando la escenografía de Vólkov y que lo convertía en un ballet para cuatro solistas y «corps de ballet».
Primer acto: El cónsul romano Craso vuelve a Roma de sus últimas conquistas haciendo una entrada triunfal. Entre los cautivos se encuentra Espartaco, rey tracio, y su mujer, Frigia. Espartaco lamenta su cautividad y se despide amargamente de Frigia que irá con las concubinas de Craso. Para entretener a Craso y a su séquito, Espartaco debe entablar una lucha «a muerte» de gladiadores contra su mejor amigo. Horrorizado por lo que ha hecho, Espartaco inicia una rebelión entre los cautivos.
Segundo acto: Espartaco y su ejército atacan la ciudad. El capitán romano Craso está celebrando una orgía y es asaltado de improviso por el ejército de rebeldes comandado por Espartaco que libera a las esclavas, entre ellas Frigia (celebran su fuga con el famoso Adagio de Espartaco y Frigia). Egina, una concubina de Craso, insiste para que Craso persiga a los fugados inmediatamente.
Tercer acto: Egina descubre el campamento de Espartaco y a la pareja salir de la tienda la mañana siguiente. Avisa a Craso que, rápidamente, envía su ejército. Luchas intestinas aparecen entre las fuerzas de Espartaco; parecen ganar la batalla pero las tropas romanas se recuperan y confieren un duro golpe a los esclavos. Espartaco acaba empalado; sus seguidores pueden recobrar el cuerpo y Frigia llora su pérdida.
Espartaco fue el tercer ballet de Khachaturian, estrenado por la compañía Kirov en Leningrado en 1956 y revisado para su producción de 1968 en el Bolshoi de Moscú. Esta historia de una revuelta de esclavos romanos ofrecía posibilidades obvias para mensajes políticos sobre la nobleza y las obligaciones de la lucha revolucionaria. El exuberante Adagio comienza con lánguidas expresiones del amor entre Espartaco y Frigia, pero luego desarrolla indicios más marciales de fervor revolucionario más que romántico. Termina donde comenzó, pero con la ternura socavada por siniestros indicios de los problemas que se avecinan.
@ClasicaAlAtardecer
ADAGIO DE ESPARTACO
Espartaco es un ballet en tres actos y diez escenas basado en la novela de Raffaello Giovagnoli, sobre la vida de Espartaco, compuesto por
Aram Khachaturian. Narra las hazañas de Espartaco, el líder de una revuelta de esclavos contra la República romana, conocida como Tercera guerra servil, tomándose libertades propias de la novela mencionada, alejadas de los hechos históricos documentados.
Se estrenó el 27 de diciembre de 1956 en el «Teatro de Ópera y Ballet Kírov» de San Petersburgo, con libreto de Nikolái Vólkov y coreografía de Leonid Yakobsón; tuvo un éxito discreto debido a que la coreografía abandonaba el tradicional y académico uso de las puntas del ballet clásico.
Su primera puesta en escena en Moscú fue el 12 de marzo de 1958, en el Teatro Bolshói con coreografía de Ígor Moiséyev; sin embargo, el mayor éxito del ballet Espartaco se consiguió con la producción de 1968 que incorporaba el libreto y la coreografía de Yuri Grigoróvich respetando la escenografía de Vólkov y que lo convertía en un ballet para cuatro solistas y «corps de ballet».
Primer acto: El cónsul romano Craso vuelve a Roma de sus últimas conquistas haciendo una entrada triunfal. Entre los cautivos se encuentra Espartaco, rey tracio, y su mujer, Frigia. Espartaco lamenta su cautividad y se despide amargamente de Frigia que irá con las concubinas de Craso. Para entretener a Craso y a su séquito, Espartaco debe entablar una lucha «a muerte» de gladiadores contra su mejor amigo. Horrorizado por lo que ha hecho, Espartaco inicia una rebelión entre los cautivos.
Segundo acto: Espartaco y su ejército atacan la ciudad. El capitán romano Craso está celebrando una orgía y es asaltado de improviso por el ejército de rebeldes comandado por Espartaco que libera a las esclavas, entre ellas Frigia (celebran su fuga con el famoso Adagio de Espartaco y Frigia). Egina, una concubina de Craso, insiste para que Craso persiga a los fugados inmediatamente.
Tercer acto: Egina descubre el campamento de Espartaco y a la pareja salir de la tienda la mañana siguiente. Avisa a Craso que, rápidamente, envía su ejército. Luchas intestinas aparecen entre las fuerzas de Espartaco; parecen ganar la batalla pero las tropas romanas se recuperan y confieren un duro golpe a los esclavos. Espartaco acaba empalado; sus seguidores pueden recobrar el cuerpo y Frigia llora su pérdida.
Espartaco fue el tercer ballet de Khachaturian, estrenado por la compañía Kirov en Leningrado en 1956 y revisado para su producción de 1968 en el Bolshoi de Moscú. Esta historia de una revuelta de esclavos romanos ofrecía posibilidades obvias para mensajes políticos sobre la nobleza y las obligaciones de la lucha revolucionaria. El exuberante Adagio comienza con lánguidas expresiones del amor entre Espartaco y Frigia, pero luego desarrolla indicios más marciales de fervor revolucionario más que romántico. Termina donde comenzó, pero con la ternura socavada por siniestros indicios de los problemas que se avecinan.
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#AdagiodeEspartaco #AramKhachaturian #AzimKarimov
Titulo: Adagio de Espartaco
Autor: Aram Khachaturian
Movimientos:
🎵 I. Acto
🎵 II. Acto
🎵 III. Acto
Interpretación:
Orquesta Sinfónica Estatal de Moscú.
Director:
Azim Karimov
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: Adagio de Espartaco
Autor: Aram Khachaturian
Movimientos:
🎵 I. Acto
🎵 II. Acto
🎵 III. Acto
Interpretación:
Orquesta Sinfónica Estatal de Moscú.
Director:
Azim Karimov
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#DanzaMacabra #SaintSaëns #GustavoDudamel #AngelicaOlivo
LA DANZA MACABRA, OPUS 40.
La Danza macabra (Danka makabre), opus 40, es un poema sinfónico compuesto en 1874 por Camille Saint-Saëns, inspirándose en un poema de Henri Cazalis recreando la antigua superstición de la Danza de la Muerte. Es la pieza más popular del compositor.
La obra, estrenada en París el 24 de enero de 1875, describe a la Muerte tocando el violín a medianoche. A su ritmo, los esqueletos bailan alrededor de una tumba. Al amanecer, con el canto del gallo, los muertos vuelven a sus tumbas.
La danza esta compuesta en sol Mayor, y al comenzar la musica lo hace con el sonido de las campanadas que anuncian la media noche, en los primeros compases, donde están escritas blancas con puntillo, mientras la muerte comienza a tocar las primeras notas en el violín, que lo hace con corcheas y negras en la clave superior, luego en el compás 8 y 9, la intervención del bajo con acordes de Re Mayor (V) y Sol Mayor (I) simulando el golpe de la tumba con el talón del pie.
La danza macabra es uno de los cuatro poemas tonales que Saint-Saëns compuso en la década de 1870, todos inspirados hasta cierto punto por ejemplos de Franz Liszt (cuyo propio Totentanz data de 1849) y que exploran tanto el concepto de transformación temática como la instrumentación novedosa de Liszt. Saint-Saëns canta una serie de poemas de Henri Cazalis (1840-1909), y encuentra las líneas de la danza macabra en "Égalité, fraternité..." del poeta, escribiendo una versión de canción en 1872. El texto fusiona la leyenda de la Muerte tocando el violín en Halloween mientras los esqueletos bailan en sus tumbas con la tradición tardía medieval de la Danza de la Muerte (danse macabre, Totentanz), en la que todos son iguales, desde el rey hasta el campesino, y son llevados a bailar hasta la tumba.
La obra es muy descriptiva, donde el compositor hace uso total del tema, del texto, convirtiendo en una historia muy real para la música.
@ClasicaAlAtardecer
LA DANZA MACABRA, OPUS 40.
La Danza macabra (Danka makabre), opus 40, es un poema sinfónico compuesto en 1874 por Camille Saint-Saëns, inspirándose en un poema de Henri Cazalis recreando la antigua superstición de la Danza de la Muerte. Es la pieza más popular del compositor.
La obra, estrenada en París el 24 de enero de 1875, describe a la Muerte tocando el violín a medianoche. A su ritmo, los esqueletos bailan alrededor de una tumba. Al amanecer, con el canto del gallo, los muertos vuelven a sus tumbas.
La danza esta compuesta en sol Mayor, y al comenzar la musica lo hace con el sonido de las campanadas que anuncian la media noche, en los primeros compases, donde están escritas blancas con puntillo, mientras la muerte comienza a tocar las primeras notas en el violín, que lo hace con corcheas y negras en la clave superior, luego en el compás 8 y 9, la intervención del bajo con acordes de Re Mayor (V) y Sol Mayor (I) simulando el golpe de la tumba con el talón del pie.
La danza macabra es uno de los cuatro poemas tonales que Saint-Saëns compuso en la década de 1870, todos inspirados hasta cierto punto por ejemplos de Franz Liszt (cuyo propio Totentanz data de 1849) y que exploran tanto el concepto de transformación temática como la instrumentación novedosa de Liszt. Saint-Saëns canta una serie de poemas de Henri Cazalis (1840-1909), y encuentra las líneas de la danza macabra en "Égalité, fraternité..." del poeta, escribiendo una versión de canción en 1872. El texto fusiona la leyenda de la Muerte tocando el violín en Halloween mientras los esqueletos bailan en sus tumbas con la tradición tardía medieval de la Danza de la Muerte (danse macabre, Totentanz), en la que todos son iguales, desde el rey hasta el campesino, y son llevados a bailar hasta la tumba.
La obra es muy descriptiva, donde el compositor hace uso total del tema, del texto, convirtiendo en una historia muy real para la música.
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#DanzaMacabra #SaintSaëns #GustavoDudamel #AngelicaOlivo
Título: La Danza macabra, opus 40
Autor: Camille Saint-Saëns.
Interpretación:
Orquesta Juvenil De Venezuela
Violín: Angelica Olivo
Director:
Gustavo Dudamel
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Título: La Danza macabra, opus 40
Autor: Camille Saint-Saëns.
Interpretación:
Orquesta Juvenil De Venezuela
Violín: Angelica Olivo
Director:
Gustavo Dudamel
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#AveMaría #Schubert #DavidGarrett #AndreaBocelli
AVE MARÍA
El Ave María de Schubert también es una pieza de concierto; por lo general se canta en latín, aunque se ha traducido a varios idiomas, y ha sido interpretada por artistas como María Callas, Plácido Domingo, Luciano Pavaroti, Andrea Bocelli o Diana Ross.
Esta pieza musical no se escribió con fines litúrgicos, sino que formó parte de un conjunto de obras inspiradas en un poema épico del novelista inglés Walter Scott conocidos como La Dama.
Schubert compuso siete canciones sobre La Dama del Lago que fueron publicadas en 1826 como su Opus 52. El Ave María es la tercera canción de este conjunto y fue escrita en alemán para ser interpretado por una voz femenina acompañada por piano en una tonalidad de Si bemol mayor.
La belleza de esta obra hizo que se empezara a usar con fines religiosos en los templos; el compositor Franz Liszt hizo tres adaptaciones para piano de esta pieza, que, con los años, se ha convertido en una de las favoritas para interpretarse en las bodas, y por su belleza, compite con otras aves María como la de Bach-Gounod, Offenbach, e incluso, la de Jaime Nunó, el autor del Himno Nacional Mexicano quien escribió un Ave María. La palabra Ave proviene de la Roma clásica y era una forma de saludar significando “que estés bien” o que“Dios te salve”.
Años después de su composición un desconocido adaptó la música de la canción de Schubert al himno de alabanza en latín, con lo cual la obra pasó de tener un carácter profano al religioso con el que se le conoce actualmente. Es decir, pasó de ser el canto de ayuda de una joven (como era en la obra de Scott) a un himno con las palabras “Ave María, llena eres de gracia, el señor está contigo”.
El Ave María de Franz Schubert es conocido y amado en todo el mundo; hay algo profundamente místico, poderoso, íntimo y amoroso en cada una sus notas. Schubert, en una carta a su padre, afirmó: “Ave María logró cautivar a sus oyentes y dedicarlos por completo, en corazón y alma”.
La brillantez de la ingeniosa composición de la lírica melodía, es conmovedora en su sencillez.
@ClasicaAlAtardecer
AVE MARÍA
El Ave María de Schubert también es una pieza de concierto; por lo general se canta en latín, aunque se ha traducido a varios idiomas, y ha sido interpretada por artistas como María Callas, Plácido Domingo, Luciano Pavaroti, Andrea Bocelli o Diana Ross.
Esta pieza musical no se escribió con fines litúrgicos, sino que formó parte de un conjunto de obras inspiradas en un poema épico del novelista inglés Walter Scott conocidos como La Dama.
Schubert compuso siete canciones sobre La Dama del Lago que fueron publicadas en 1826 como su Opus 52. El Ave María es la tercera canción de este conjunto y fue escrita en alemán para ser interpretado por una voz femenina acompañada por piano en una tonalidad de Si bemol mayor.
La belleza de esta obra hizo que se empezara a usar con fines religiosos en los templos; el compositor Franz Liszt hizo tres adaptaciones para piano de esta pieza, que, con los años, se ha convertido en una de las favoritas para interpretarse en las bodas, y por su belleza, compite con otras aves María como la de Bach-Gounod, Offenbach, e incluso, la de Jaime Nunó, el autor del Himno Nacional Mexicano quien escribió un Ave María. La palabra Ave proviene de la Roma clásica y era una forma de saludar significando “que estés bien” o que“Dios te salve”.
Años después de su composición un desconocido adaptó la música de la canción de Schubert al himno de alabanza en latín, con lo cual la obra pasó de tener un carácter profano al religioso con el que se le conoce actualmente. Es decir, pasó de ser el canto de ayuda de una joven (como era en la obra de Scott) a un himno con las palabras “Ave María, llena eres de gracia, el señor está contigo”.
El Ave María de Franz Schubert es conocido y amado en todo el mundo; hay algo profundamente místico, poderoso, íntimo y amoroso en cada una sus notas. Schubert, en una carta a su padre, afirmó: “Ave María logró cautivar a sus oyentes y dedicarlos por completo, en corazón y alma”.
La brillantez de la ingeniosa composición de la lírica melodía, es conmovedora en su sencillez.
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#AveMaría #Schubert #DavidGarrett #AndreaBocelli
Título: Ave María
Autor: Franz Schubert
Interpretación:
David Garrett
Andrea Bocelli
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Título: Ave María
Autor: Franz Schubert
Interpretación:
David Garrett
Andrea Bocelli
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
VocesdePrimavera #JohannStrauss #AndréRieu
VOCES DE PRIMAVERA
Voces de Primavera (título original en alemán, Frühlingsstimmen), op. 410, es un vals compuesto por Johann Strauss hijo en el año 1882.
En el invierno de 1882-83, el compositor fue invitado a componer un vals vocal para la célebre soprano austríaca Bianca Bianchi, que además era un destacado miembro del Teatro de la Ópera de Viena
El vals Voces de Primavera se estrenó el 1 de marzo de 1883 en el Theater an der Wien. Fue en un concierto benéfico para la fundación de los indigentes del imperio austro-húngaro, fundada por el emperador Francisco José y su esposa.
Posteriormente, el vals fue adaptado por el mismo Johann Strauss II para ser interpretado en versión orquestal.
Fue concebido como un vals para solista con acompañamiento de coro, para ser interpretado por la soprano Bertha Schwarz en un concierto benéfico celebrado en el Theater an der Wien, en favor de la «Fundación para los indigentes austrohúngaros de Leipzig del Emperador Francisco José y la Emperatriz Isabel». Tras la actuación, Bianca Bianchi alcanzó renombre como miembro de la Ópera Estatal de Viena.
El vals se inicia en la tonalidad de si bemol mayor con ruidosos acordes, en un comienzo suave y melódico. La segunda sección invoca las alegrías de la primavera, con una escena pastoral en la que la flauta imita el canto de los pájaros. La tercera sección, en fa menor, quejumbrosa y dramática, parece sugerir la lluvia primaveral, mientras la cuarta rompe ese aire melancólico con una alegre melodía en la bemol mayor. En la coda, vuelve la melodía de la primera sección, tras la que se precipita el final con acordes de los metales en fortísimo sobre un redoble de timbale.
Este vals de Strauss hijo ha sido ampliamente empleado a lo largo de la historia. Así por ejemplo, el grupo de actores cómicos estadounidenses, Los Tres Chiflados lo usaron en dos de sus cortometrajes: Micro-Phonies y Brideless Groom. También lo encontraremos formando parte de las bandas sonoras de películas como Carros de fuego o La gran ilusión de Jean Renoir.
En 1976, Brian May lo utilizó para componer The Millionaire Waltz, como parte del álbum A Day at the Races de Queen.
@ClasicaAlAtardecer
VOCES DE PRIMAVERA
Voces de Primavera (título original en alemán, Frühlingsstimmen), op. 410, es un vals compuesto por Johann Strauss hijo en el año 1882.
En el invierno de 1882-83, el compositor fue invitado a componer un vals vocal para la célebre soprano austríaca Bianca Bianchi, que además era un destacado miembro del Teatro de la Ópera de Viena
El vals Voces de Primavera se estrenó el 1 de marzo de 1883 en el Theater an der Wien. Fue en un concierto benéfico para la fundación de los indigentes del imperio austro-húngaro, fundada por el emperador Francisco José y su esposa.
Posteriormente, el vals fue adaptado por el mismo Johann Strauss II para ser interpretado en versión orquestal.
Fue concebido como un vals para solista con acompañamiento de coro, para ser interpretado por la soprano Bertha Schwarz en un concierto benéfico celebrado en el Theater an der Wien, en favor de la «Fundación para los indigentes austrohúngaros de Leipzig del Emperador Francisco José y la Emperatriz Isabel». Tras la actuación, Bianca Bianchi alcanzó renombre como miembro de la Ópera Estatal de Viena.
El vals se inicia en la tonalidad de si bemol mayor con ruidosos acordes, en un comienzo suave y melódico. La segunda sección invoca las alegrías de la primavera, con una escena pastoral en la que la flauta imita el canto de los pájaros. La tercera sección, en fa menor, quejumbrosa y dramática, parece sugerir la lluvia primaveral, mientras la cuarta rompe ese aire melancólico con una alegre melodía en la bemol mayor. En la coda, vuelve la melodía de la primera sección, tras la que se precipita el final con acordes de los metales en fortísimo sobre un redoble de timbale.
Este vals de Strauss hijo ha sido ampliamente empleado a lo largo de la historia. Así por ejemplo, el grupo de actores cómicos estadounidenses, Los Tres Chiflados lo usaron en dos de sus cortometrajes: Micro-Phonies y Brideless Groom. También lo encontraremos formando parte de las bandas sonoras de películas como Carros de fuego o La gran ilusión de Jean Renoir.
En 1976, Brian May lo utilizó para componer The Millionaire Waltz, como parte del álbum A Day at the Races de Queen.
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#VocesdePrimavera #JohannStrauss #AndréRieu
Título: Voces de Primavera
Autor: Johann Strauss II
Interpretación:
Orquesta de Johann Strauss
- André Rieu
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Título: Voces de Primavera
Autor: Johann Strauss II
Interpretación:
Orquesta de Johann Strauss
- André Rieu
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer