#FugaconPajarillo #AldemaroRomero #GustavoDudamel #AlexisCárdenas #DiegoÁlvarez #JorgeGlem
FUGA CON PAJARILLO
Como uno de los fundadores del estilo de onda nueva de Venezuela (que retomó la bossa nova brasileña y el joropo venezolano), el compositor y pianista Aldemaro Romero era conocido por su habilidad para mezclar canciones populares y elementos folclóricos con formas y técnicas clásicas. La Fuga con Pajarillo, que es un movimiento de su Suite No. 1 para Cuerdas, es una de las piezas musicales más hermosas que uno pueda escuchar alguna y muchas veces en la vida. La sola enunciación de su nombre logra la metamorfosis, que se va desatando en la liviandad del vuelo sobre las llanuras del Orinoco. Si uno está triste, llora, llora mucho por Venezuela, mientras va planeando el amor intenso y feliz por ese país latinoamericano.
Esta es maravillosa pieza,es difícil de montar, pero hermosa. "Un pajarillo es un baile típico venezolano, quizás el más famoso, junto con el joropo. Es como un vals, pero con el acento en el ritmo débil, no "un dos tres, un dos tres", sino "un dos tres, un dos tres". ¡No es un baile cómodo! La pieza es un pajarillo, pero en combinación con una compleja fuga (una forma de imitación musical, como una ronda).
El pajarillo que impregna la melodía y el ritmo da un sentido de improvisación y contrasta con la forma fugaz predeterminada. Esto es lo que hace que esta pieza sea tan fascinante.
Fuga con pajarillo, en la versión de Gustavo Dudamel, uno de los genios contemporáneos de la música, es armonía infinita entre el arpa, el cuatro, los sonidos de viento y el predominio de miles de cuerdas de violín. Cuando suenan todos juntos, el pajarillo desafiante logra el escape con estrategia de contrapunteo, rapidez, pausa y movimiento, hasta alzarse al fin y sostenerse joropeando en el aire puro de los llanos venezolanos.
@ClasicaAlAtardecer
FUGA CON PAJARILLO
Como uno de los fundadores del estilo de onda nueva de Venezuela (que retomó la bossa nova brasileña y el joropo venezolano), el compositor y pianista Aldemaro Romero era conocido por su habilidad para mezclar canciones populares y elementos folclóricos con formas y técnicas clásicas. La Fuga con Pajarillo, que es un movimiento de su Suite No. 1 para Cuerdas, es una de las piezas musicales más hermosas que uno pueda escuchar alguna y muchas veces en la vida. La sola enunciación de su nombre logra la metamorfosis, que se va desatando en la liviandad del vuelo sobre las llanuras del Orinoco. Si uno está triste, llora, llora mucho por Venezuela, mientras va planeando el amor intenso y feliz por ese país latinoamericano.
Esta es maravillosa pieza,es difícil de montar, pero hermosa. "Un pajarillo es un baile típico venezolano, quizás el más famoso, junto con el joropo. Es como un vals, pero con el acento en el ritmo débil, no "un dos tres, un dos tres", sino "un dos tres, un dos tres". ¡No es un baile cómodo! La pieza es un pajarillo, pero en combinación con una compleja fuga (una forma de imitación musical, como una ronda).
El pajarillo que impregna la melodía y el ritmo da un sentido de improvisación y contrasta con la forma fugaz predeterminada. Esto es lo que hace que esta pieza sea tan fascinante.
Fuga con pajarillo, en la versión de Gustavo Dudamel, uno de los genios contemporáneos de la música, es armonía infinita entre el arpa, el cuatro, los sonidos de viento y el predominio de miles de cuerdas de violín. Cuando suenan todos juntos, el pajarillo desafiante logra el escape con estrategia de contrapunteo, rapidez, pausa y movimiento, hasta alzarse al fin y sostenerse joropeando en el aire puro de los llanos venezolanos.
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#FugaconPajarillo #AldemaroRomero #GustavoDudamel #AlexisCárdenas #DiegoÁlvarez #JorgeGlem
Título: Fuga con Pajarillo
Autor: Aldemaro Romero
Interpretación:
Alexis Cárdenas - Violín
Diego Álvarez - Cajón
Jorge Glem - Cuatro
Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar
Director:
Gustavo Dudamel
@ClasicaAlAtardecer
Título: Fuga con Pajarillo
Autor: Aldemaro Romero
Interpretación:
Alexis Cárdenas - Violín
Diego Álvarez - Cajón
Jorge Glem - Cuatro
Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar
Director:
Gustavo Dudamel
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#SonataParaViolín #SonataParaGuitarra #Sonata6 #Paganini #SebastianBohren #AljažCvirn #Halloween
EL DIABÓLICO MITO DE PAGANINI
El magnífico Niccolo Paganini es uno de los de los músicos más virtuosos que nos ha dado la historia. Nacido en Génova en 1782, su inigualable talento musical y personalidad enigmática han atrapado el interés de la sociedad y la cultura durante décadas, siendo protagonista de misterios y leyendas que encierran su nombre buscando revelar el gran enigma que creen que se esconde tras semejante virtuosismo.
Durante mucho tiempo, en los salones musicales de media Europa, corrió un rumor que hasta hoy no ha podido ser desmentido. Paganini, considerado por muchos como uno de los mejores violinistas de todos los tiempos, había vendido su alma al demonio para obtener un extraordinario virtuosismo.
Los rumores sobre el trato con el maligno comenzaron cuando Paganini contaba con sólo 5 años, cuando el diablo supuestamente se le apareció en sueños a su madre, Teresa Bocciardo, asegurándole que, a cambio de su alma, su hijo sería un violinista de fama mundial. Ante tamaña revelación, se cuenta que su padre, Antonio Paganini, un virtuoso con la mandolina y el violín, obligó al pequeño Niccolo a practicar durante más de diez horas diarias.
Otra versión, contada por algunos conocidos del músico, por el contrario, aseguraba que el mismo Paganini, ya joven, se había postrado delante del maligno para repetirle el juramento: “Le dijo que su alma era suya a cambio de tocar como un ángel. Se encendió una luz que nos cegó. Paganini se puso de pie y siguió su camino”.
Paganini podía pasar de tocar en el violín pasajes tan tiernos como para hacer llorar al espectador como realizar una interpretación con tanta fuerza y velocidad que aún no se ha podido superar.
Con 31 años ya era considerado un virtuoso del violín, con un oído absoluto y una entonación perfecta. Tan perfecta era su técnica y su interpretación que algunos no dudaron en calificarla de auténtico pacto con el diablo.
Sus adelantos musicales asombraron desde un principio y se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "nota 13".
Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas del violín, y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban.
Finalmente, durante un concierto, un espectador afirmó haber visto al diablo tocando junto al violinista. No hizo falta demasiado para que el rumor fuera esparcido, mientras muchas otras personas afirmaban también haber visto fenómenos extraños como fantasmas en el escenario o haber visto al violín flotando, tocándose solo, frente a las multitudes que iban a ver a Paganini.
Según cuenta en su libro el estudioso Philip Sandblom, pocos genios han experimentado tanta fortuna como Paganini. Este, además de estar asolado por una serie de afecciones crónicas también tenía el síndrome de Ehlers-Danlos, un grupo de alteraciones genéticas raras que afectan a los seres humanos provocado por un defecto en la síntesis de la falta o escasez de colágeno.
Esta afección provoca una excesiva flexibilidad de las articulaciones. Esto, aseguró este experto, permitió a Paganini realizar su dificilísima técnica con el violín.
Sus composiciones incluyen 24 caprichos para violín, que se encuentran entre las obras más difíciles que se han escrito para el instrumento, 6 conciertos para violín, 12 sonatas para violín y guitarra y 6 cuartetos para violín, viola, violonchelo y guitarra.
@ClasicaAlAtardecer
EL DIABÓLICO MITO DE PAGANINI
El magnífico Niccolo Paganini es uno de los de los músicos más virtuosos que nos ha dado la historia. Nacido en Génova en 1782, su inigualable talento musical y personalidad enigmática han atrapado el interés de la sociedad y la cultura durante décadas, siendo protagonista de misterios y leyendas que encierran su nombre buscando revelar el gran enigma que creen que se esconde tras semejante virtuosismo.
Durante mucho tiempo, en los salones musicales de media Europa, corrió un rumor que hasta hoy no ha podido ser desmentido. Paganini, considerado por muchos como uno de los mejores violinistas de todos los tiempos, había vendido su alma al demonio para obtener un extraordinario virtuosismo.
Los rumores sobre el trato con el maligno comenzaron cuando Paganini contaba con sólo 5 años, cuando el diablo supuestamente se le apareció en sueños a su madre, Teresa Bocciardo, asegurándole que, a cambio de su alma, su hijo sería un violinista de fama mundial. Ante tamaña revelación, se cuenta que su padre, Antonio Paganini, un virtuoso con la mandolina y el violín, obligó al pequeño Niccolo a practicar durante más de diez horas diarias.
Otra versión, contada por algunos conocidos del músico, por el contrario, aseguraba que el mismo Paganini, ya joven, se había postrado delante del maligno para repetirle el juramento: “Le dijo que su alma era suya a cambio de tocar como un ángel. Se encendió una luz que nos cegó. Paganini se puso de pie y siguió su camino”.
Paganini podía pasar de tocar en el violín pasajes tan tiernos como para hacer llorar al espectador como realizar una interpretación con tanta fuerza y velocidad que aún no se ha podido superar.
Con 31 años ya era considerado un virtuoso del violín, con un oído absoluto y una entonación perfecta. Tan perfecta era su técnica y su interpretación que algunos no dudaron en calificarla de auténtico pacto con el diablo.
Sus adelantos musicales asombraron desde un principio y se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "nota 13".
Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas del violín, y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban.
Finalmente, durante un concierto, un espectador afirmó haber visto al diablo tocando junto al violinista. No hizo falta demasiado para que el rumor fuera esparcido, mientras muchas otras personas afirmaban también haber visto fenómenos extraños como fantasmas en el escenario o haber visto al violín flotando, tocándose solo, frente a las multitudes que iban a ver a Paganini.
Según cuenta en su libro el estudioso Philip Sandblom, pocos genios han experimentado tanta fortuna como Paganini. Este, además de estar asolado por una serie de afecciones crónicas también tenía el síndrome de Ehlers-Danlos, un grupo de alteraciones genéticas raras que afectan a los seres humanos provocado por un defecto en la síntesis de la falta o escasez de colágeno.
Esta afección provoca una excesiva flexibilidad de las articulaciones. Esto, aseguró este experto, permitió a Paganini realizar su dificilísima técnica con el violín.
Sus composiciones incluyen 24 caprichos para violín, que se encuentran entre las obras más difíciles que se han escrito para el instrumento, 6 conciertos para violín, 12 sonatas para violín y guitarra y 6 cuartetos para violín, viola, violonchelo y guitarra.
A pesar de la gran admiración y respeto que Paganini llegó a obtener estando en vida, las supersticiones, así como la magia y la brujería permeaban el imaginario colectivo de la época, debido a ello, después de su muerte se le negó ser sepultado bajo el rito cristiano. Mas Paganini nunca intentó desmentir el mito sobre su pacto con Lucifer, al contrario, durante toda su vida se esforzó en contribuir a su expansión y a vivir como un total enigma. Lo que valió el título "Del Violinista del Diablo".@ClasicaAlAtardecer
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#SonataParaViolín #SonataParaGuitarra #Sonata6 #Paganini #SebastianBohren #AljažCvirn #Halloween
Titulo: Sonata para violín y guitarra Op.3 n°6
Autor: Niccolo Paganni
Movimientos:
🎵 I. Andate innocentemente
🎵 II.Allegro
🎵 III. Vivo e spiritoso
Interpretación:
Sebastian Bohren - Violín
Aljaž Cvirn - Guitarra
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: Sonata para violín y guitarra Op.3 n°6
Autor: Niccolo Paganni
Movimientos:
🎵 I. Andate innocentemente
🎵 II.Allegro
🎵 III. Vivo e spiritoso
Interpretación:
Sebastian Bohren - Violín
Aljaž Cvirn - Guitarra
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#SinfoníadeCamara #MatthiasPintscher #ArnoldSchoenberg
SINFONÍA DE CÁMARA N.° 1
La Sinfonía de Cámara n.º 1 en mi mayor , op. 9, es una composición del compositor austriaco Arnold Schoenberg.
La primera sinfonía de cámara de Schoenberg se terminó en 1906 y se estrenó el 8 de febrero de 1907 en Viena por el Cuarteto Rosé junto con un conjunto de viento de la Filarmónica de Viena , bajo la batuta del compositor. En 1913, Schoenberg volvió a dirigir la pieza, como parte del famoso Skandalkonzert , en el que las tonalidades heterodoxas de la Sinfonía de Schoenberg y, más aún, de las obras de su alumno Alban Berg incitaron a los asistentes a amotinarse en protesta y finalizar prematuramente el concierto.
Leopold Stokowski estrenó la obra en Estados Unidos con la Orquesta de Filadelfia el 5 de noviembre de 1915.
La Sinfonía de Cámara es una obra de un solo movimiento que dura aproximadamente 20 minutos. Aunque figura como un solo movimiento, la forma puede considerarse subdividida en hasta cinco movimientos continuos. El propio Schoenberg esbozó la siguiente forma utilizando los números de ensayo como puntos de referencia:
🎵 I. Sonata . Allegro
🎵 II. Scherzo
🎵 III. Desarrollo
🎵 IV. Adagio
🎵 V. Recapitulación y final
Schoenberg afirmó en años posteriores que la obra "fue un primer intento de crear una orquesta de cámara".
Schoenberg hace uso de un tema de "lema" construido con cuartas. El tema del "lema" ayuda a delinear los puntos de articulación estructural de la pieza.
La Sinfonía de cámara n.º 1, op. 9 representa, una obra de transición hacia los posteriores logros musicales de Schönberg. Uno de los aspectos que proyectan la obra en la dimensión de la posterior organización integral del material musical se encuentra en la armonía, que presenta por primera vez lo que René Leibowitz ha definido como una concepción "única" de melodía y armonía. Después de los primeros cuatro compases introductorios, el ascenso de la primera trompa por impetuosos intervalos de cuarta, presenta un núcleo fundamental, alrededor del cual la interpretación no solo determina las melodías y la progresión horizontal de los temas, sino también las armonías.
@ClasicaAlAtardecer
SINFONÍA DE CÁMARA N.° 1
La Sinfonía de Cámara n.º 1 en mi mayor , op. 9, es una composición del compositor austriaco Arnold Schoenberg.
La primera sinfonía de cámara de Schoenberg se terminó en 1906 y se estrenó el 8 de febrero de 1907 en Viena por el Cuarteto Rosé junto con un conjunto de viento de la Filarmónica de Viena , bajo la batuta del compositor. En 1913, Schoenberg volvió a dirigir la pieza, como parte del famoso Skandalkonzert , en el que las tonalidades heterodoxas de la Sinfonía de Schoenberg y, más aún, de las obras de su alumno Alban Berg incitaron a los asistentes a amotinarse en protesta y finalizar prematuramente el concierto.
Leopold Stokowski estrenó la obra en Estados Unidos con la Orquesta de Filadelfia el 5 de noviembre de 1915.
La Sinfonía de Cámara es una obra de un solo movimiento que dura aproximadamente 20 minutos. Aunque figura como un solo movimiento, la forma puede considerarse subdividida en hasta cinco movimientos continuos. El propio Schoenberg esbozó la siguiente forma utilizando los números de ensayo como puntos de referencia:
🎵 I. Sonata . Allegro
🎵 II. Scherzo
🎵 III. Desarrollo
🎵 IV. Adagio
🎵 V. Recapitulación y final
Schoenberg afirmó en años posteriores que la obra "fue un primer intento de crear una orquesta de cámara".
Schoenberg hace uso de un tema de "lema" construido con cuartas. El tema del "lema" ayuda a delinear los puntos de articulación estructural de la pieza.
La Sinfonía de cámara n.º 1, op. 9 representa, una obra de transición hacia los posteriores logros musicales de Schönberg. Uno de los aspectos que proyectan la obra en la dimensión de la posterior organización integral del material musical se encuentra en la armonía, que presenta por primera vez lo que René Leibowitz ha definido como una concepción "única" de melodía y armonía. Después de los primeros cuatro compases introductorios, el ascenso de la primera trompa por impetuosos intervalos de cuarta, presenta un núcleo fundamental, alrededor del cual la interpretación no solo determina las melodías y la progresión horizontal de los temas, sino también las armonías.
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#SinfoníadeCamara #MatthiasPintscher #ArnoldSchoenberg
Titulo: La Sinfonía de Cámara n.º 1 en mi mayor , op. 9
Autor: Arnold Schoenberg.
Movimientos:
🎵 I. Sonata . Allegro
🎵 II. Scherzo
🎵 III. Desarrollo
🎵 IV. Adagio
🎵 V. Recapitulación y final
Interpretación:
Academia Karajan de la Filarmónica de Berlín
Director:
Matthias Pintscher
Fuente: 🎼
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Titulo: La Sinfonía de Cámara n.º 1 en mi mayor , op. 9
Autor: Arnold Schoenberg.
Movimientos:
🎵 I. Sonata . Allegro
🎵 II. Scherzo
🎵 III. Desarrollo
🎵 IV. Adagio
🎵 V. Recapitulación y final
Interpretación:
Academia Karajan de la Filarmónica de Berlín
Director:
Matthias Pintscher
Fuente: 🎼
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#Sinfonía40 #SinfóniaOdense #Mozart #DimaSlobodeniouk
LA SINFONÍA N.º 40 EN SOL MENOR, K. 550
La Sinfonía n.º 40 en sol menor, K. 550 es una sinfonía de Wolfgang Amadeus Mozart, cuya composición finalizó el 25 de julio de 1788.
Es la penúltima sinfonía del célebre compositor. Se la llama «gran» sinfonía en sol menor para distinguirla de la «pequeña», la n.º 25, también compuesta en sol menor. Estas dos son las únicas sinfonías que compuso Mozart en modo menor, quizás con la única excepción de una temprana sinfonía en la menor, de autenticidad discutida y conocida como la Sinfonía Odense.
La obra consta de tres movimientos:
🎵 I. Molto allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Menuetto, Allegretto-Trio
🎵 IV. Allegro assai, 2/2
Mozart escribió la Sinfonía n.º 40 durante un período de su vida extraordinariamente creativo, el verano de 1788. En el espacio de unas pocas semanas compuso también sus sinfonías n.º 39 (terminada el 26 de junio) y n.º 41 (finalizada el 10 de agosto).
El primer movimiento allegro molto presenta directamente el primer tema, ágil y ligero, uno de los más conocidos de Mozart y el más recordado de todos los temas de sus sinfonías. En contraste con el primero, el segundo tema es más triste. Siguiendo la forma sonata, contiene un desarrollo de gran expresividad, terminando con la reexposición de los temas.
Continúa con un andante, también en forma sonata, que en su desarrollo aumenta la atmósfera dramática. El menuetto que se separa ya de la música de danza, contiene el clásico trío para viento de estilo vienés.
La exposición finaliza con el recuerdo del primer tema, ahora tejido con los motivos de fusas, hasta cadenciar con las llamadas evocadoras de los vientos. La serenidad se trunca en el desarrollo hasta que se retorna a la reexposición.
Termina con un allegro assai también en forma sonata. El primer tema es muy característico, explotando el contraste entre piano y forte, con alternancia entre soli y tutti. El segundo tema contrastante no logra detener el ímpetu de la música. El desarrollo empieza con una visible deformación de tema principal.
El contraste está claramente presente entre el pomposo minueto que abre el movimiento y el trío más alegre. La melodía inicial, basada en el motivo ascendente sobre el arpegio desplegado de Sol menor, coge impulso rítmico gracias a las marcadas síncopas, haciendo aquí también gala al máximo de la utilización del contrapunto. La ferocidad no se pierde cuando el tema es repetido en los vientos.
El Finale, (Allegro assai, 2/2) ha sido últimamente muy valorado por el equilibrar el primer movimiento aunque, desde el punto de vista rítmico, es de los más ortodoxos que Mozart escribió. La línea ascendente del arpegio inicial en piano se interrumpe fuertemente con una respuesta de rasgo descendente. Este tema es repetido dos veces más, enlazando con el puente. El segundo tema es expuesto por cuarteto de cuerdas con la incorporación de los vientos. Sin embargo, el desarrollo supone “una sucesión caleidoscópica de tonalidades” en palabras de Rosen. Sin duda es el pasaje más bello del movimiento, cuyo núcleo es el arpegio inicial, llegando al paroxismo en el fugatto donde una séptima disminuida cae en la recapitulación en sol menor, “tornándose toda huella de esperanza”.
La extraordinaria Sinfonía Nº 40, bautizada ocasionalmente como “La Grande” para diferenciarla de su antecedente (la Nº 25, K.183), es la más célebre y “una de las más bellas del maestro” como advirtiera Traeg ya en 1793. Su intensidad dramática y expresividad, su cromatismo, trabajo temático y abundancia de ideas, hicieron que en la época no fuese entendida como una obra convencional aunque no rebasa los moldes establecidos. Por esta razón atrajo a los corazones de los amantes de la música a principios del XIX, quienes frecuentemente la llamaban “romántica”.
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LA SINFONÍA N.º 40 EN SOL MENOR, K. 550
La Sinfonía n.º 40 en sol menor, K. 550 es una sinfonía de Wolfgang Amadeus Mozart, cuya composición finalizó el 25 de julio de 1788.
Es la penúltima sinfonía del célebre compositor. Se la llama «gran» sinfonía en sol menor para distinguirla de la «pequeña», la n.º 25, también compuesta en sol menor. Estas dos son las únicas sinfonías que compuso Mozart en modo menor, quizás con la única excepción de una temprana sinfonía en la menor, de autenticidad discutida y conocida como la Sinfonía Odense.
La obra consta de tres movimientos:
🎵 I. Molto allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Menuetto, Allegretto-Trio
🎵 IV. Allegro assai, 2/2
Mozart escribió la Sinfonía n.º 40 durante un período de su vida extraordinariamente creativo, el verano de 1788. En el espacio de unas pocas semanas compuso también sus sinfonías n.º 39 (terminada el 26 de junio) y n.º 41 (finalizada el 10 de agosto).
El primer movimiento allegro molto presenta directamente el primer tema, ágil y ligero, uno de los más conocidos de Mozart y el más recordado de todos los temas de sus sinfonías. En contraste con el primero, el segundo tema es más triste. Siguiendo la forma sonata, contiene un desarrollo de gran expresividad, terminando con la reexposición de los temas.
Continúa con un andante, también en forma sonata, que en su desarrollo aumenta la atmósfera dramática. El menuetto que se separa ya de la música de danza, contiene el clásico trío para viento de estilo vienés.
La exposición finaliza con el recuerdo del primer tema, ahora tejido con los motivos de fusas, hasta cadenciar con las llamadas evocadoras de los vientos. La serenidad se trunca en el desarrollo hasta que se retorna a la reexposición.
Termina con un allegro assai también en forma sonata. El primer tema es muy característico, explotando el contraste entre piano y forte, con alternancia entre soli y tutti. El segundo tema contrastante no logra detener el ímpetu de la música. El desarrollo empieza con una visible deformación de tema principal.
El contraste está claramente presente entre el pomposo minueto que abre el movimiento y el trío más alegre. La melodía inicial, basada en el motivo ascendente sobre el arpegio desplegado de Sol menor, coge impulso rítmico gracias a las marcadas síncopas, haciendo aquí también gala al máximo de la utilización del contrapunto. La ferocidad no se pierde cuando el tema es repetido en los vientos.
El Finale, (Allegro assai, 2/2) ha sido últimamente muy valorado por el equilibrar el primer movimiento aunque, desde el punto de vista rítmico, es de los más ortodoxos que Mozart escribió. La línea ascendente del arpegio inicial en piano se interrumpe fuertemente con una respuesta de rasgo descendente. Este tema es repetido dos veces más, enlazando con el puente. El segundo tema es expuesto por cuarteto de cuerdas con la incorporación de los vientos. Sin embargo, el desarrollo supone “una sucesión caleidoscópica de tonalidades” en palabras de Rosen. Sin duda es el pasaje más bello del movimiento, cuyo núcleo es el arpegio inicial, llegando al paroxismo en el fugatto donde una séptima disminuida cae en la recapitulación en sol menor, “tornándose toda huella de esperanza”.
La extraordinaria Sinfonía Nº 40, bautizada ocasionalmente como “La Grande” para diferenciarla de su antecedente (la Nº 25, K.183), es la más célebre y “una de las más bellas del maestro” como advirtiera Traeg ya en 1793. Su intensidad dramática y expresividad, su cromatismo, trabajo temático y abundancia de ideas, hicieron que en la época no fuese entendida como una obra convencional aunque no rebasa los moldes establecidos. Por esta razón atrajo a los corazones de los amantes de la música a principios del XIX, quienes frecuentemente la llamaban “romántica”.
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#Sinfonía40 #SinfóniaOdense #Mozart #DimaSlobodeniouk
Titulo: La Sinfonía n.º 40 en sol menor, K.
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Movimientos:
🎵 I. Molto allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Menuetto, Allegretto-Trio
🎵 IV. Allegro assai, 2/2
Interpretación:
Sinfónica de Galicia
Director:
Dima Slobodeniouk.
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: La Sinfonía n.º 40 en sol menor, K.
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Movimientos:
🎵 I. Molto allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Menuetto, Allegretto-Trio
🎵 IV. Allegro assai, 2/2
Interpretación:
Sinfónica de Galicia
Director:
Dima Slobodeniouk.
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer