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#SinfoníaFausto #Liszt #VladimirJurowski #MarcoJentzsch
Título: La Sinfonía Fausto
Autor: Franz Liszt
Movimientos:
🎵 I. Fausto
🎵 II. Margarita
🎵 III.Mefistófeles
Interpretación:
Marco Jentzsch - Tenor
Coro Filarmónico de Londres
Coro de la Sinfónica de Londres
Orquesta Filarmónica de Londres
Director:
Vladimir Jurowski
@ClasicaAlAtardecer
Título: La Sinfonía Fausto
Autor: Franz Liszt
Movimientos:
🎵 I. Fausto
🎵 II. Margarita
🎵 III.Mefistófeles
Interpretación:
Marco Jentzsch - Tenor
Coro Filarmónico de Londres
Coro de la Sinfónica de Londres
Orquesta Filarmónica de Londres
Director:
Vladimir Jurowski
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#ElPadrino #NinoRota #AndréRieu
EL PADRINO
Nino Rota firmó una de las partituras más recordadas de la historia del cine. Una composición evocadora, rebosante de pesadumbre y recuerdo. Una BSO inmortal.
El compositor se quedó un tanto sorprendido cuando el director Francis Ford Coppola le llamó para, parafraseando al personaje de Marlon Brando, "hacerle una oferta que no podía rechazar". El italiano quiso ver antes el trabajo y el cineasta se fue hasta Italia (con el primer montaje, que duraba unas cinco horas). Rota aceptó el cargo. Fue idea del propio Coppola usar un vals para acompañar la personalidad de su personaje principal y la de su familia, dado que este baile se basa en movimientos circulares, una referencia a la espiral casi interminable de delitos en la que están envueltos los Corleone.
El tema conocido también como el tema de amor, se había compuesto para 'Fortunella'. Dicha composición fue rescatada por Rota dado que iba perfecto para la historia, concretamente para ese viaje de Michael a Sicilia, el momento en el que Michael, un Corleone, se acerca a sus raíces, al inicio de todo. La música tenía que resaltar esa halo de tristeza, añoranza y legado de una estirpe.
Lo característico de la famosa banda sonora, y sobre todo ese vals que se reitera a lo largo del metraje, es lo paradójico que resulta: es una música que evoca nostalgia. Rota traduce en su creación esa nostalgia de la relación padre-hijo. El vals para la cinta establece la naturaleza particular del poder de la familia Corleone: arraigado en una nostalgia perenne y en búsqueda de constante renovación.
La película parece ser consciente de lo que depara el futuro, pero mientras Coppola hace que el público y los personajes de la película vayan descubriendo ese final, Rota da pistas a través de su tema principal. Es como si el Vals musitara la frase "Nunca quise esto para ti, Michael", antes de que el mismo Vito Corleone la pronuncie. La música por tanto funciona como nexo: ese vals se coloca entre las escenas que hacen la transición de padre a hijo, es un vínculo más de ambos personajes, señala el camino que recorrerá Michael hasta convertirse en el Don. Rota consiguió que ese legado mafioso se pudiera convertir en notas musicales. Todo lo que no se verbaliza en la película se hace melodía, como un apunte más de lo que le depara a Michael en su futuro.
@ClasicaAlAtardecer
EL PADRINO
Nino Rota firmó una de las partituras más recordadas de la historia del cine. Una composición evocadora, rebosante de pesadumbre y recuerdo. Una BSO inmortal.
El compositor se quedó un tanto sorprendido cuando el director Francis Ford Coppola le llamó para, parafraseando al personaje de Marlon Brando, "hacerle una oferta que no podía rechazar". El italiano quiso ver antes el trabajo y el cineasta se fue hasta Italia (con el primer montaje, que duraba unas cinco horas). Rota aceptó el cargo. Fue idea del propio Coppola usar un vals para acompañar la personalidad de su personaje principal y la de su familia, dado que este baile se basa en movimientos circulares, una referencia a la espiral casi interminable de delitos en la que están envueltos los Corleone.
El tema conocido también como el tema de amor, se había compuesto para 'Fortunella'. Dicha composición fue rescatada por Rota dado que iba perfecto para la historia, concretamente para ese viaje de Michael a Sicilia, el momento en el que Michael, un Corleone, se acerca a sus raíces, al inicio de todo. La música tenía que resaltar esa halo de tristeza, añoranza y legado de una estirpe.
Lo característico de la famosa banda sonora, y sobre todo ese vals que se reitera a lo largo del metraje, es lo paradójico que resulta: es una música que evoca nostalgia. Rota traduce en su creación esa nostalgia de la relación padre-hijo. El vals para la cinta establece la naturaleza particular del poder de la familia Corleone: arraigado en una nostalgia perenne y en búsqueda de constante renovación.
La película parece ser consciente de lo que depara el futuro, pero mientras Coppola hace que el público y los personajes de la película vayan descubriendo ese final, Rota da pistas a través de su tema principal. Es como si el Vals musitara la frase "Nunca quise esto para ti, Michael", antes de que el mismo Vito Corleone la pronuncie. La música por tanto funciona como nexo: ese vals se coloca entre las escenas que hacen la transición de padre a hijo, es un vínculo más de ambos personajes, señala el camino que recorrerá Michael hasta convertirse en el Don. Rota consiguió que ese legado mafioso se pudiera convertir en notas musicales. Todo lo que no se verbaliza en la película se hace melodía, como un apunte más de lo que le depara a Michael en su futuro.
@ClasicaAlAtardecer
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#ElPadrino #NinoRota #AndréRieu
Título: El Padrino
Autor: Nino Rota
Interpretación:
André Rieu - Violin
La Orquesta Johann Strauss
Director:
André Rieu
@ClasicaAlAtardecer
Título: El Padrino
Autor: Nino Rota
Interpretación:
André Rieu - Violin
La Orquesta Johann Strauss
Director:
André Rieu
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#FugaconPajarillo #AldemaroRomero #GustavoDudamel #AlexisCárdenas #DiegoÁlvarez #JorgeGlem
FUGA CON PAJARILLO
Como uno de los fundadores del estilo de onda nueva de Venezuela (que retomó la bossa nova brasileña y el joropo venezolano), el compositor y pianista Aldemaro Romero era conocido por su habilidad para mezclar canciones populares y elementos folclóricos con formas y técnicas clásicas. La Fuga con Pajarillo, que es un movimiento de su Suite No. 1 para Cuerdas, es una de las piezas musicales más hermosas que uno pueda escuchar alguna y muchas veces en la vida. La sola enunciación de su nombre logra la metamorfosis, que se va desatando en la liviandad del vuelo sobre las llanuras del Orinoco. Si uno está triste, llora, llora mucho por Venezuela, mientras va planeando el amor intenso y feliz por ese país latinoamericano.
Esta es maravillosa pieza,es difícil de montar, pero hermosa. "Un pajarillo es un baile típico venezolano, quizás el más famoso, junto con el joropo. Es como un vals, pero con el acento en el ritmo débil, no "un dos tres, un dos tres", sino "un dos tres, un dos tres". ¡No es un baile cómodo! La pieza es un pajarillo, pero en combinación con una compleja fuga (una forma de imitación musical, como una ronda).
El pajarillo que impregna la melodía y el ritmo da un sentido de improvisación y contrasta con la forma fugaz predeterminada. Esto es lo que hace que esta pieza sea tan fascinante.
Fuga con pajarillo, en la versión de Gustavo Dudamel, uno de los genios contemporáneos de la música, es armonía infinita entre el arpa, el cuatro, los sonidos de viento y el predominio de miles de cuerdas de violín. Cuando suenan todos juntos, el pajarillo desafiante logra el escape con estrategia de contrapunteo, rapidez, pausa y movimiento, hasta alzarse al fin y sostenerse joropeando en el aire puro de los llanos venezolanos.
@ClasicaAlAtardecer
FUGA CON PAJARILLO
Como uno de los fundadores del estilo de onda nueva de Venezuela (que retomó la bossa nova brasileña y el joropo venezolano), el compositor y pianista Aldemaro Romero era conocido por su habilidad para mezclar canciones populares y elementos folclóricos con formas y técnicas clásicas. La Fuga con Pajarillo, que es un movimiento de su Suite No. 1 para Cuerdas, es una de las piezas musicales más hermosas que uno pueda escuchar alguna y muchas veces en la vida. La sola enunciación de su nombre logra la metamorfosis, que se va desatando en la liviandad del vuelo sobre las llanuras del Orinoco. Si uno está triste, llora, llora mucho por Venezuela, mientras va planeando el amor intenso y feliz por ese país latinoamericano.
Esta es maravillosa pieza,es difícil de montar, pero hermosa. "Un pajarillo es un baile típico venezolano, quizás el más famoso, junto con el joropo. Es como un vals, pero con el acento en el ritmo débil, no "un dos tres, un dos tres", sino "un dos tres, un dos tres". ¡No es un baile cómodo! La pieza es un pajarillo, pero en combinación con una compleja fuga (una forma de imitación musical, como una ronda).
El pajarillo que impregna la melodía y el ritmo da un sentido de improvisación y contrasta con la forma fugaz predeterminada. Esto es lo que hace que esta pieza sea tan fascinante.
Fuga con pajarillo, en la versión de Gustavo Dudamel, uno de los genios contemporáneos de la música, es armonía infinita entre el arpa, el cuatro, los sonidos de viento y el predominio de miles de cuerdas de violín. Cuando suenan todos juntos, el pajarillo desafiante logra el escape con estrategia de contrapunteo, rapidez, pausa y movimiento, hasta alzarse al fin y sostenerse joropeando en el aire puro de los llanos venezolanos.
@ClasicaAlAtardecer
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#FugaconPajarillo #AldemaroRomero #GustavoDudamel #AlexisCárdenas #DiegoÁlvarez #JorgeGlem
Título: Fuga con Pajarillo
Autor: Aldemaro Romero
Interpretación:
Alexis Cárdenas - Violín
Diego Álvarez - Cajón
Jorge Glem - Cuatro
Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar
Director:
Gustavo Dudamel
@ClasicaAlAtardecer
Título: Fuga con Pajarillo
Autor: Aldemaro Romero
Interpretación:
Alexis Cárdenas - Violín
Diego Álvarez - Cajón
Jorge Glem - Cuatro
Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar
Director:
Gustavo Dudamel
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#SonataParaViolín #SonataParaGuitarra #Sonata6 #Paganini #SebastianBohren #AljažCvirn #Halloween
EL DIABÓLICO MITO DE PAGANINI
El magnífico Niccolo Paganini es uno de los de los músicos más virtuosos que nos ha dado la historia. Nacido en Génova en 1782, su inigualable talento musical y personalidad enigmática han atrapado el interés de la sociedad y la cultura durante décadas, siendo protagonista de misterios y leyendas que encierran su nombre buscando revelar el gran enigma que creen que se esconde tras semejante virtuosismo.
Durante mucho tiempo, en los salones musicales de media Europa, corrió un rumor que hasta hoy no ha podido ser desmentido. Paganini, considerado por muchos como uno de los mejores violinistas de todos los tiempos, había vendido su alma al demonio para obtener un extraordinario virtuosismo.
Los rumores sobre el trato con el maligno comenzaron cuando Paganini contaba con sólo 5 años, cuando el diablo supuestamente se le apareció en sueños a su madre, Teresa Bocciardo, asegurándole que, a cambio de su alma, su hijo sería un violinista de fama mundial. Ante tamaña revelación, se cuenta que su padre, Antonio Paganini, un virtuoso con la mandolina y el violín, obligó al pequeño Niccolo a practicar durante más de diez horas diarias.
Otra versión, contada por algunos conocidos del músico, por el contrario, aseguraba que el mismo Paganini, ya joven, se había postrado delante del maligno para repetirle el juramento: “Le dijo que su alma era suya a cambio de tocar como un ángel. Se encendió una luz que nos cegó. Paganini se puso de pie y siguió su camino”.
Paganini podía pasar de tocar en el violín pasajes tan tiernos como para hacer llorar al espectador como realizar una interpretación con tanta fuerza y velocidad que aún no se ha podido superar.
Con 31 años ya era considerado un virtuoso del violín, con un oído absoluto y una entonación perfecta. Tan perfecta era su técnica y su interpretación que algunos no dudaron en calificarla de auténtico pacto con el diablo.
Sus adelantos musicales asombraron desde un principio y se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "nota 13".
Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas del violín, y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban.
Finalmente, durante un concierto, un espectador afirmó haber visto al diablo tocando junto al violinista. No hizo falta demasiado para que el rumor fuera esparcido, mientras muchas otras personas afirmaban también haber visto fenómenos extraños como fantasmas en el escenario o haber visto al violín flotando, tocándose solo, frente a las multitudes que iban a ver a Paganini.
Según cuenta en su libro el estudioso Philip Sandblom, pocos genios han experimentado tanta fortuna como Paganini. Este, además de estar asolado por una serie de afecciones crónicas también tenía el síndrome de Ehlers-Danlos, un grupo de alteraciones genéticas raras que afectan a los seres humanos provocado por un defecto en la síntesis de la falta o escasez de colágeno.
Esta afección provoca una excesiva flexibilidad de las articulaciones. Esto, aseguró este experto, permitió a Paganini realizar su dificilísima técnica con el violín.
Sus composiciones incluyen 24 caprichos para violín, que se encuentran entre las obras más difíciles que se han escrito para el instrumento, 6 conciertos para violín, 12 sonatas para violín y guitarra y 6 cuartetos para violín, viola, violonchelo y guitarra.
@ClasicaAlAtardecer
EL DIABÓLICO MITO DE PAGANINI
El magnífico Niccolo Paganini es uno de los de los músicos más virtuosos que nos ha dado la historia. Nacido en Génova en 1782, su inigualable talento musical y personalidad enigmática han atrapado el interés de la sociedad y la cultura durante décadas, siendo protagonista de misterios y leyendas que encierran su nombre buscando revelar el gran enigma que creen que se esconde tras semejante virtuosismo.
Durante mucho tiempo, en los salones musicales de media Europa, corrió un rumor que hasta hoy no ha podido ser desmentido. Paganini, considerado por muchos como uno de los mejores violinistas de todos los tiempos, había vendido su alma al demonio para obtener un extraordinario virtuosismo.
Los rumores sobre el trato con el maligno comenzaron cuando Paganini contaba con sólo 5 años, cuando el diablo supuestamente se le apareció en sueños a su madre, Teresa Bocciardo, asegurándole que, a cambio de su alma, su hijo sería un violinista de fama mundial. Ante tamaña revelación, se cuenta que su padre, Antonio Paganini, un virtuoso con la mandolina y el violín, obligó al pequeño Niccolo a practicar durante más de diez horas diarias.
Otra versión, contada por algunos conocidos del músico, por el contrario, aseguraba que el mismo Paganini, ya joven, se había postrado delante del maligno para repetirle el juramento: “Le dijo que su alma era suya a cambio de tocar como un ángel. Se encendió una luz que nos cegó. Paganini se puso de pie y siguió su camino”.
Paganini podía pasar de tocar en el violín pasajes tan tiernos como para hacer llorar al espectador como realizar una interpretación con tanta fuerza y velocidad que aún no se ha podido superar.
Con 31 años ya era considerado un virtuoso del violín, con un oído absoluto y una entonación perfecta. Tan perfecta era su técnica y su interpretación que algunos no dudaron en calificarla de auténtico pacto con el diablo.
Sus adelantos musicales asombraron desde un principio y se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "nota 13".
Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas del violín, y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban.
Finalmente, durante un concierto, un espectador afirmó haber visto al diablo tocando junto al violinista. No hizo falta demasiado para que el rumor fuera esparcido, mientras muchas otras personas afirmaban también haber visto fenómenos extraños como fantasmas en el escenario o haber visto al violín flotando, tocándose solo, frente a las multitudes que iban a ver a Paganini.
Según cuenta en su libro el estudioso Philip Sandblom, pocos genios han experimentado tanta fortuna como Paganini. Este, además de estar asolado por una serie de afecciones crónicas también tenía el síndrome de Ehlers-Danlos, un grupo de alteraciones genéticas raras que afectan a los seres humanos provocado por un defecto en la síntesis de la falta o escasez de colágeno.
Esta afección provoca una excesiva flexibilidad de las articulaciones. Esto, aseguró este experto, permitió a Paganini realizar su dificilísima técnica con el violín.
Sus composiciones incluyen 24 caprichos para violín, que se encuentran entre las obras más difíciles que se han escrito para el instrumento, 6 conciertos para violín, 12 sonatas para violín y guitarra y 6 cuartetos para violín, viola, violonchelo y guitarra.
A pesar de la gran admiración y respeto que Paganini llegó a obtener estando en vida, las supersticiones, así como la magia y la brujería permeaban el imaginario colectivo de la época, debido a ello, después de su muerte se le negó ser sepultado bajo el rito cristiano. Mas Paganini nunca intentó desmentir el mito sobre su pacto con Lucifer, al contrario, durante toda su vida se esforzó en contribuir a su expansión y a vivir como un total enigma. Lo que valió el título "Del Violinista del Diablo".@ClasicaAlAtardecer
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#SonataParaViolín #SonataParaGuitarra #Sonata6 #Paganini #SebastianBohren #AljažCvirn #Halloween
Titulo: Sonata para violín y guitarra Op.3 n°6
Autor: Niccolo Paganni
Movimientos:
🎵 I. Andate innocentemente
🎵 II.Allegro
🎵 III. Vivo e spiritoso
Interpretación:
Sebastian Bohren - Violín
Aljaž Cvirn - Guitarra
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: Sonata para violín y guitarra Op.3 n°6
Autor: Niccolo Paganni
Movimientos:
🎵 I. Andate innocentemente
🎵 II.Allegro
🎵 III. Vivo e spiritoso
Interpretación:
Sebastian Bohren - Violín
Aljaž Cvirn - Guitarra
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#SinfoníadeCamara #MatthiasPintscher #ArnoldSchoenberg
SINFONÍA DE CÁMARA N.° 1
La Sinfonía de Cámara n.º 1 en mi mayor , op. 9, es una composición del compositor austriaco Arnold Schoenberg.
La primera sinfonía de cámara de Schoenberg se terminó en 1906 y se estrenó el 8 de febrero de 1907 en Viena por el Cuarteto Rosé junto con un conjunto de viento de la Filarmónica de Viena , bajo la batuta del compositor. En 1913, Schoenberg volvió a dirigir la pieza, como parte del famoso Skandalkonzert , en el que las tonalidades heterodoxas de la Sinfonía de Schoenberg y, más aún, de las obras de su alumno Alban Berg incitaron a los asistentes a amotinarse en protesta y finalizar prematuramente el concierto.
Leopold Stokowski estrenó la obra en Estados Unidos con la Orquesta de Filadelfia el 5 de noviembre de 1915.
La Sinfonía de Cámara es una obra de un solo movimiento que dura aproximadamente 20 minutos. Aunque figura como un solo movimiento, la forma puede considerarse subdividida en hasta cinco movimientos continuos. El propio Schoenberg esbozó la siguiente forma utilizando los números de ensayo como puntos de referencia:
🎵 I. Sonata . Allegro
🎵 II. Scherzo
🎵 III. Desarrollo
🎵 IV. Adagio
🎵 V. Recapitulación y final
Schoenberg afirmó en años posteriores que la obra "fue un primer intento de crear una orquesta de cámara".
Schoenberg hace uso de un tema de "lema" construido con cuartas. El tema del "lema" ayuda a delinear los puntos de articulación estructural de la pieza.
La Sinfonía de cámara n.º 1, op. 9 representa, una obra de transición hacia los posteriores logros musicales de Schönberg. Uno de los aspectos que proyectan la obra en la dimensión de la posterior organización integral del material musical se encuentra en la armonía, que presenta por primera vez lo que René Leibowitz ha definido como una concepción "única" de melodía y armonía. Después de los primeros cuatro compases introductorios, el ascenso de la primera trompa por impetuosos intervalos de cuarta, presenta un núcleo fundamental, alrededor del cual la interpretación no solo determina las melodías y la progresión horizontal de los temas, sino también las armonías.
@ClasicaAlAtardecer
SINFONÍA DE CÁMARA N.° 1
La Sinfonía de Cámara n.º 1 en mi mayor , op. 9, es una composición del compositor austriaco Arnold Schoenberg.
La primera sinfonía de cámara de Schoenberg se terminó en 1906 y se estrenó el 8 de febrero de 1907 en Viena por el Cuarteto Rosé junto con un conjunto de viento de la Filarmónica de Viena , bajo la batuta del compositor. En 1913, Schoenberg volvió a dirigir la pieza, como parte del famoso Skandalkonzert , en el que las tonalidades heterodoxas de la Sinfonía de Schoenberg y, más aún, de las obras de su alumno Alban Berg incitaron a los asistentes a amotinarse en protesta y finalizar prematuramente el concierto.
Leopold Stokowski estrenó la obra en Estados Unidos con la Orquesta de Filadelfia el 5 de noviembre de 1915.
La Sinfonía de Cámara es una obra de un solo movimiento que dura aproximadamente 20 minutos. Aunque figura como un solo movimiento, la forma puede considerarse subdividida en hasta cinco movimientos continuos. El propio Schoenberg esbozó la siguiente forma utilizando los números de ensayo como puntos de referencia:
🎵 I. Sonata . Allegro
🎵 II. Scherzo
🎵 III. Desarrollo
🎵 IV. Adagio
🎵 V. Recapitulación y final
Schoenberg afirmó en años posteriores que la obra "fue un primer intento de crear una orquesta de cámara".
Schoenberg hace uso de un tema de "lema" construido con cuartas. El tema del "lema" ayuda a delinear los puntos de articulación estructural de la pieza.
La Sinfonía de cámara n.º 1, op. 9 representa, una obra de transición hacia los posteriores logros musicales de Schönberg. Uno de los aspectos que proyectan la obra en la dimensión de la posterior organización integral del material musical se encuentra en la armonía, que presenta por primera vez lo que René Leibowitz ha definido como una concepción "única" de melodía y armonía. Después de los primeros cuatro compases introductorios, el ascenso de la primera trompa por impetuosos intervalos de cuarta, presenta un núcleo fundamental, alrededor del cual la interpretación no solo determina las melodías y la progresión horizontal de los temas, sino también las armonías.
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#SinfoníadeCamara #MatthiasPintscher #ArnoldSchoenberg
Titulo: La Sinfonía de Cámara n.º 1 en mi mayor , op. 9
Autor: Arnold Schoenberg.
Movimientos:
🎵 I. Sonata . Allegro
🎵 II. Scherzo
🎵 III. Desarrollo
🎵 IV. Adagio
🎵 V. Recapitulación y final
Interpretación:
Academia Karajan de la Filarmónica de Berlín
Director:
Matthias Pintscher
Fuente: 🎼
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Titulo: La Sinfonía de Cámara n.º 1 en mi mayor , op. 9
Autor: Arnold Schoenberg.
Movimientos:
🎵 I. Sonata . Allegro
🎵 II. Scherzo
🎵 III. Desarrollo
🎵 IV. Adagio
🎵 V. Recapitulación y final
Interpretación:
Academia Karajan de la Filarmónica de Berlín
Director:
Matthias Pintscher
Fuente: 🎼
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