#SinfoníaFúnebreyTriunfal #HéctorBerlioz #ValeryKhalilov #SergeiDurygin
LA GRAN SINFÓNIA FÚNEBRE Y TRIUNFAL, OP. 15.
La Gran Sinfónia fúnebre y triunfal, Op. 15, es la cuarta y última sinfonía del compositor francés Héctor Berlioz , estrenada el 28 de julio de 1840 en París. Es uno de los primeros ejemplos de una sinfonía compuesta para banda militar. El gobierno francés quería celebrar en el mes de julio de 1840 el décimo aniversario de la revolución de 1830, con el traslado de sus víctimas a un monumento situado en la plaza de la Bastilla. Le encargaron a Berlioz una sinfonía para ser interpretada al aire libre durante la ceremonia.
La Sinfonía fúnebre y triunfal se compuso originalmente para una banda militar de 200 músicos que marchaban en la procesión que acompañaba los restos de aquellos que habían muerto luchando en la revolución de 1830 en su camino hacia el entierro debajo de una columna conmemorativa erigida en el sitio de la Bastilla .
El estreno al aire libre en la plaza de la Bastilla fue un fracaso debido a problemas acústicos. En el mes de agosto se estrenó correctamente en la sala Vivienne de París. El 19 de noviembre de 1843 se interpretó en el Conservatorio con las dos orquestas que requieren la versión modificada.
La sinfonía está en tres movimientos.
🎵 I. Marcha fúnebre . Una marcha lenta y lúgubre en fa menor.
🎵 II. Oración fúnebre
🎵 III. Apoteosis (Apoteosis). Una brillante marcha triunfal en si ♭ mayor, con final coral opcional.
El primer movimiento moderato un poco lento, es la Marcha fúnebre. Escrita para la ceremonia del traslado de los caídos en la revolución, Berlioz compone una marcha desolada. Sobre el ritmo de marcha marcado por los timbales, el viento expone una amplia melodía. Después de un segundo tema sombrío, los trombones anuncian la reanudación de la marcha con mas solemnidad. A continuación de un período de mas recogimiento, termina con una breve coda.
El segundo movimiento, adagio non tanto, es la Oración fúnebre. Según Berlioz es una despedida a los muertos en el momento de ser depositados en la tumba. Unos amplios acordes de la orquesta, interrumpidos por silencios, crean el ambiente. Solos en los metales introducen la melodía de la oración, que se va desarrollando hasta enlazar con la solemne siguiente parte, sin interrupción.
El último movimiento es un allegro non troppo e pomposo, titulado Apoteosis. Es un himno de gloria que finaliza la ceremonia. Una melodía llena de pompa, expresada solemnemente por el viento abre el movimiento. Se introducen los coros con las palabras Gloire! Gloire et triomphe à ces hèros!, acompañados por la orquesta al pleno con brillante percusión, que cierran la obra. Esta parte coral fue añadida por Berlioz en su corrección final, para aumentar el efecto glorioso.
Berlioz revisó la partitura en enero de 1842, añadiendo una parte opcional para cuerdas y un coro final a un texto de Antony Deschamps . Richard Wagner asistió a una interpretación de esta nueva versión en la Salle Vivienne el 1 de febrero de 1842. El 5 de febrero, le dijo a Robert Schumann que encontró pasajes en el último movimiento de la sinfonía de Berlioz tan "magníficos y sublimes que nunca podrán ser superados".
Berlioz dimensiona el dramático levantamiento y el derramamiento de sangre en el último movimiento de la sinfonía. El tono penetrante de los platillos y los insistentes redoblantes acompañan al heroico canto del coro: "Gloria y honor a los héroes que yacen en las tumbas de la patria".
@ClasicaAlAtardecer
LA GRAN SINFÓNIA FÚNEBRE Y TRIUNFAL, OP. 15.
La Gran Sinfónia fúnebre y triunfal, Op. 15, es la cuarta y última sinfonía del compositor francés Héctor Berlioz , estrenada el 28 de julio de 1840 en París. Es uno de los primeros ejemplos de una sinfonía compuesta para banda militar. El gobierno francés quería celebrar en el mes de julio de 1840 el décimo aniversario de la revolución de 1830, con el traslado de sus víctimas a un monumento situado en la plaza de la Bastilla. Le encargaron a Berlioz una sinfonía para ser interpretada al aire libre durante la ceremonia.
La Sinfonía fúnebre y triunfal se compuso originalmente para una banda militar de 200 músicos que marchaban en la procesión que acompañaba los restos de aquellos que habían muerto luchando en la revolución de 1830 en su camino hacia el entierro debajo de una columna conmemorativa erigida en el sitio de la Bastilla .
El estreno al aire libre en la plaza de la Bastilla fue un fracaso debido a problemas acústicos. En el mes de agosto se estrenó correctamente en la sala Vivienne de París. El 19 de noviembre de 1843 se interpretó en el Conservatorio con las dos orquestas que requieren la versión modificada.
La sinfonía está en tres movimientos.
🎵 I. Marcha fúnebre . Una marcha lenta y lúgubre en fa menor.
🎵 II. Oración fúnebre
🎵 III. Apoteosis (Apoteosis). Una brillante marcha triunfal en si ♭ mayor, con final coral opcional.
El primer movimiento moderato un poco lento, es la Marcha fúnebre. Escrita para la ceremonia del traslado de los caídos en la revolución, Berlioz compone una marcha desolada. Sobre el ritmo de marcha marcado por los timbales, el viento expone una amplia melodía. Después de un segundo tema sombrío, los trombones anuncian la reanudación de la marcha con mas solemnidad. A continuación de un período de mas recogimiento, termina con una breve coda.
El segundo movimiento, adagio non tanto, es la Oración fúnebre. Según Berlioz es una despedida a los muertos en el momento de ser depositados en la tumba. Unos amplios acordes de la orquesta, interrumpidos por silencios, crean el ambiente. Solos en los metales introducen la melodía de la oración, que se va desarrollando hasta enlazar con la solemne siguiente parte, sin interrupción.
El último movimiento es un allegro non troppo e pomposo, titulado Apoteosis. Es un himno de gloria que finaliza la ceremonia. Una melodía llena de pompa, expresada solemnemente por el viento abre el movimiento. Se introducen los coros con las palabras Gloire! Gloire et triomphe à ces hèros!, acompañados por la orquesta al pleno con brillante percusión, que cierran la obra. Esta parte coral fue añadida por Berlioz en su corrección final, para aumentar el efecto glorioso.
Berlioz revisó la partitura en enero de 1842, añadiendo una parte opcional para cuerdas y un coro final a un texto de Antony Deschamps . Richard Wagner asistió a una interpretación de esta nueva versión en la Salle Vivienne el 1 de febrero de 1842. El 5 de febrero, le dijo a Robert Schumann que encontró pasajes en el último movimiento de la sinfonía de Berlioz tan "magníficos y sublimes que nunca podrán ser superados".
Berlioz dimensiona el dramático levantamiento y el derramamiento de sangre en el último movimiento de la sinfonía. El tono penetrante de los platillos y los insistentes redoblantes acompañan al heroico canto del coro: "Gloria y honor a los héroes que yacen en las tumbas de la patria".
@ClasicaAlAtardecer
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#SinfoníaFúnebreyTriunfal #HéctorBerlioz #ValeryKhalilov #SergeiDurygin
Título: Gran Sinfónia fúnebre y triunfal, Op. 15
Autor: Héctor Berlioz
Movimientos:
🎵 I. Marcha fúnebre . Una marcha lenta y lúgubre en fa menor.
🎵 II. Oración fúnebre
🎵 III. Apoteosis (Apoteosis). Una brillante marcha triunfal en si ♭ mayor, con final coral opcional.
Interpretación:
Banda Militar Central del Ministerio de Defensa Ruso.
Director:
Valery Khalilov
Sergei Durygin
@ClasicaAlAtardecer
Título: Gran Sinfónia fúnebre y triunfal, Op. 15
Autor: Héctor Berlioz
Movimientos:
🎵 I. Marcha fúnebre . Una marcha lenta y lúgubre en fa menor.
🎵 II. Oración fúnebre
🎵 III. Apoteosis (Apoteosis). Una brillante marcha triunfal en si ♭ mayor, con final coral opcional.
Interpretación:
Banda Militar Central del Ministerio de Defensa Ruso.
Director:
Valery Khalilov
Sergei Durygin
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#MúsicaCallada #Mompou #JennyLin
LA MÚSICA CALLADA
“La música callada, la soledad sonora” son los versos del poeta del siglo XVI San Juan de la Cruz que inspiraron a Mompou en la creación de una de sus obras más representativas: Música callada. Con un total de 28 números y organizados en cuatro cuadernos (escritos entre los años 1959-1967), el compositor barcelonés se adentra en nuestro mundo espiritual.
La música de Mompou se caracteriza por ser muy expresiva. La construcción melódica es elegante y su lenguaje armónico muy rico, generalmente tonal. Los tempi suelen ser lentos y las dinámicas varían entre el pianissimo y el mezzo-piano. Estas piezas requieren mucho control en las dinámicas yen este sentido Brugallaes un maestro del sonido. Esta elegancia y finura se perciben por ejemplo en el n.º 2 del primer cuaderno, Lent, partitura cargada de reguladores de intensidad, o la maravillosa melodía del n.º 6, perteneciente a este mismo cuaderno. Brugalla muestra un instinto musical muy desarrollado.
Entre las estupendas piezas de la colección destacamos la n.º 13,Tranquilo-très calme, que nos recuerda a las canciones y danzas;la n.º 15,Lento-plaintif, donde se reconoce la impronta de Chopin; la n.º 19,Tranquillo(una de las composiciones preferidas de Mompou junto a la n.º 20,Calme) y que, como indicó Antonio Iglesias, se trata de un fragmento musical que esconde pasión y lirismo exaltado. Del cuarto cuaderno subrayamos la interpretación del *n.º 25, Lento*, en el que parece que estemos escuchando a AntonWebern por la atmósfera de serialismo que aporta un halo de misterio.
Sin duda nos encontramos ante una interpretación sobresaliente. Brugalla nos transporta a un mundo sereno, lleno de sutiles sonoridades, que no está reñido con el carácter juguetón y desenfado que requieren algunos de los pasajes de la obra.
En sus páginas habla de «notas sensibles», de «puntos de emoción», acentos y cumbres en el discurso sonoro que, en sus partituras, son puntuados por símbolos de la grafía tradicional utilizados con una acepción ampliada o por otros de invención propia:
«Expresar es desplazar cada nota sensible a su lugar metronómico: movimiento flotante sobre el rigor del compás y obedeciendo a nuestra sensibilidad»
@ClasicaAlAtardecer
LA MÚSICA CALLADA
“La música callada, la soledad sonora” son los versos del poeta del siglo XVI San Juan de la Cruz que inspiraron a Mompou en la creación de una de sus obras más representativas: Música callada. Con un total de 28 números y organizados en cuatro cuadernos (escritos entre los años 1959-1967), el compositor barcelonés se adentra en nuestro mundo espiritual.
La música de Mompou se caracteriza por ser muy expresiva. La construcción melódica es elegante y su lenguaje armónico muy rico, generalmente tonal. Los tempi suelen ser lentos y las dinámicas varían entre el pianissimo y el mezzo-piano. Estas piezas requieren mucho control en las dinámicas yen este sentido Brugallaes un maestro del sonido. Esta elegancia y finura se perciben por ejemplo en el n.º 2 del primer cuaderno, Lent, partitura cargada de reguladores de intensidad, o la maravillosa melodía del n.º 6, perteneciente a este mismo cuaderno. Brugalla muestra un instinto musical muy desarrollado.
Entre las estupendas piezas de la colección destacamos la n.º 13,Tranquilo-très calme, que nos recuerda a las canciones y danzas;la n.º 15,Lento-plaintif, donde se reconoce la impronta de Chopin; la n.º 19,Tranquillo(una de las composiciones preferidas de Mompou junto a la n.º 20,Calme) y que, como indicó Antonio Iglesias, se trata de un fragmento musical que esconde pasión y lirismo exaltado. Del cuarto cuaderno subrayamos la interpretación del *n.º 25, Lento*, en el que parece que estemos escuchando a AntonWebern por la atmósfera de serialismo que aporta un halo de misterio.
Sin duda nos encontramos ante una interpretación sobresaliente. Brugalla nos transporta a un mundo sereno, lleno de sutiles sonoridades, que no está reñido con el carácter juguetón y desenfado que requieren algunos de los pasajes de la obra.
En sus páginas habla de «notas sensibles», de «puntos de emoción», acentos y cumbres en el discurso sonoro que, en sus partituras, son puntuados por símbolos de la grafía tradicional utilizados con una acepción ampliada o por otros de invención propia:
«Expresar es desplazar cada nota sensible a su lugar metronómico: movimiento flotante sobre el rigor del compás y obedeciendo a nuestra sensibilidad»
La Música callada no es obra para buscar influencias, aunque las halla; puede que ni siquiera sea música para ser “escuchada”, sino para ser sentida, para dejarla que penetre en nuestro espíritu y vaya limpiándolo de prisas y tensiones. para que vaya dejando en él el poso del sosiego, de la tranquilidad, de la paciencia… porque el tiempo, nuestro tiempo, nos empuja a adelantar al reloj, o a mirarlo a cada segundo.@ClasicaAlAtardecer
#MúsicaCallada #Mompou #JennyLin
LA MÚSICA CALLADA
La música callada . Música pura inspirada en el cántico espiritual de San Juan de la Cruz.
Se trata de un conjunto de 28 movimientos agrupados en cuatro elegantes cuadernos que Mompou escribió entre 1951 y 1967.
🎵 I Quadern:
🎵 I – Angelico
🎵 II - Lent
🎵 III – Placide
🎵 IV - Afflitto e penoso
🎵 V - ...
🎵 VI – Lento
🎵 VII – Lento
🎵 VIII – Semplice
🎵 IX – Lento
🎵 II Quadern :
🎵 X – Lento-cantabile
🎵 XI – Allegretto
🎵 XII – Lento
🎵 XIII – Tranquillo- très calme
🎵 XIV – Severo – serieux
🎵 XV - Lento et plantif
🎵 XVI - Calme
🎵 III Quadern:
🎵 XVII – Lento
🎵 XVIII - Luminoso
🎵 XIX – Tranquillo
🎵XX – Calme
🎵 XXI – Lento
🎵 IV Quadern:
🎵 XXII - Molto lento e tranquillo
🎵 XXIII - Calme, avéc clarté
🎵 XXIV – Moderato
🎵 XXV - ...
🎵 XXVI - Lento
🎵 XXVII – Lento molto
🎵 XXVIII - Lento
@ClasicaAlAtardecer
LA MÚSICA CALLADA
La música callada . Música pura inspirada en el cántico espiritual de San Juan de la Cruz.
Se trata de un conjunto de 28 movimientos agrupados en cuatro elegantes cuadernos que Mompou escribió entre 1951 y 1967.
🎵 I Quadern:
🎵 I – Angelico
🎵 II - Lent
🎵 III – Placide
🎵 IV - Afflitto e penoso
🎵 V - ...
🎵 VI – Lento
🎵 VII – Lento
🎵 VIII – Semplice
🎵 IX – Lento
🎵 II Quadern :
🎵 X – Lento-cantabile
🎵 XI – Allegretto
🎵 XII – Lento
🎵 XIII – Tranquillo- très calme
🎵 XIV – Severo – serieux
🎵 XV - Lento et plantif
🎵 XVI - Calme
🎵 III Quadern:
🎵 XVII – Lento
🎵 XVIII - Luminoso
🎵 XIX – Tranquillo
🎵XX – Calme
🎵 XXI – Lento
🎵 IV Quadern:
🎵 XXII - Molto lento e tranquillo
🎵 XXIII - Calme, avéc clarté
🎵 XXIV – Moderato
🎵 XXV - ...
🎵 XXVI - Lento
🎵 XXVII – Lento molto
🎵 XXVIII - Lento
El propio Mompou dijo: “Esta música no tiene aire ni luz. Es un débil latir del corazón. No se le pide llegar más allá de unos milímetros en el espacio, pero sí la misión de penetrar en las grandes profundidades de nuestra alma y en las regiones más secretas de nuestro espíritu. Esta música es callada porque su audición es interna. Contención y reserva. Su emoción es secreta y solamente toma forma en sus resonancias bajo la gran bóveda fría de nuestra sociedad. Deseo que mi música callada, este niño recién nacido, nos aproxime a un nuevo calor de vida y a la expresión del corazón humano, siempre la misma y siempre renovando".
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#MúsicaCallada #Mompou #JennyLin
Título: Música Callada
Autor: Federico Mompou
Movimientos:
🎵 I Quadern:
🎵 I - Angelico
🎵 II - Lent
🎵 III - Placide
🎵 IV - Afflitto e penoso
🎵 V - ...
🎵 VI - Lento
🎵 VII - Lento
🎵 VIII - Semplice
🎵 IX - Lento
🎵 II Quadern:
🎵 X - Lento-cantabile
🎵 XI - Allegretto
🎵 XII - Lento
🎵 XIII - Tranquillo- très calme
🎵 XIV - Severo – serieux
🎵 XV - Lento et plantif
🎵 XVI - Calme
🎵 III Quadern:
🎵 XVII - Lento
🎵 XVIII - Luminoso
🎵 XIX - Tranquillo
🎵XX - Calme
🎵 XXI - Lento
🎵 IV Quadern:
🎵 XXII - Molto lento e tranquillo
🎵 XXIII - Calme, avéc clarté
🎵 XXIV - Moderato
🎵 XXV - ...
🎵 XXVI - Lento
🎵 XXVII - Lento molto
🎵 XXVIII - Lento
Interpretación:
Piano: Jenny Lin
@ClasicaAlAtardecer
Título: Música Callada
Autor: Federico Mompou
Movimientos:
🎵 I Quadern:
🎵 I - Angelico
🎵 II - Lent
🎵 III - Placide
🎵 IV - Afflitto e penoso
🎵 V - ...
🎵 VI - Lento
🎵 VII - Lento
🎵 VIII - Semplice
🎵 IX - Lento
🎵 II Quadern:
🎵 X - Lento-cantabile
🎵 XI - Allegretto
🎵 XII - Lento
🎵 XIII - Tranquillo- très calme
🎵 XIV - Severo – serieux
🎵 XV - Lento et plantif
🎵 XVI - Calme
🎵 III Quadern:
🎵 XVII - Lento
🎵 XVIII - Luminoso
🎵 XIX - Tranquillo
🎵XX - Calme
🎵 XXI - Lento
🎵 IV Quadern:
🎵 XXII - Molto lento e tranquillo
🎵 XXIII - Calme, avéc clarté
🎵 XXIV - Moderato
🎵 XXV - ...
🎵 XXVI - Lento
🎵 XXVII - Lento molto
🎵 XXVIII - Lento
Interpretación:
Piano: Jenny Lin
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#Sinfonía45 #Haydn #ConradVanAlphen
La Sinfonía n.º 45 en fa sostenido menor, Hoboken I/45, conocida como Sinfonía de los adioses, es una sinfonía del austríaco Joseph Haydn, compuesta en 1772.
Fue escrita para el patrón de Haydn, el príncipe Nikolaus Esterházy, durante una estancia en la que Haydn y la corte de músicos permanecieron en el palacio de verano, en Eszterháza. La estancia fue más larga de lo esperado y los músicos en su mayoría fueron obligados a mover a sus mujeres en casa, en Eisenstadt, por lo que en el último movimiento de la sinfonía, Haydn instó sutilmente a su patrón a dejarles volver a casa. Durante el adagio final cada músico deja de tocar, apaga la vela de su atril y se va en orden, dejando al final solo dos violines tocados con sordina (tocados por el propio Haydn y el concertino, Alois Luigi Tomasini).
La sinfonía consta de cuatro movimientos:
🎵 Allegro assai, 3/4
🎵 Adagio, 3/8
🎵 Menuet: Allegretto, 3/4
🎵 Finale: Presto, 2/2 - Adagio, 3/8
El primer movimiento de la obra es un episodio turbulento en fa sostenido menor, una tonalidad extremadamente inusual para usar en esa parte de la obra. Comienza a la manera típica del periodo Sturm und Drang de Haydn, con arpegios menores descendentes en los primeros violines junto con notas sincopadas en los segundos violines y acordes mantenidos en los vientos. El movimiento sigue la forma sonata, pero se desvía del modelo común en varias ocasiones. Aparte de estas desviaciones de la norma, el primer movimiento es "bastante difícil de ser percibido como revolucionario" y "no es tan intrépido, al contener un desarrollo que solo se aventura a los niveles de IV, II♭ y VI, además de la mediante y la tónica".
El segundo movimiento, lento en la mayor y en compás de 3/8 también está escrito en forma sonata. Comienza con una relajante melodía tocada por violines con sordina, representando un motivo que "tiene hipo". El ambiente gradualmente se vuelve más sombrío y meditabundo con la alternancia entre modos mayores y menores, asemejándose a pasajes de las últimas obras de Schubert. A continuación siguen una serie de suspensiones disonantes mantenidas durante varios compases, que son extendidas hasta una gran duración por Haydn mientras que el mismo material aparece en la recapitulación. James Webster siente la música como programática, expresando el añoro del hogar.
El siguiente minueto está en la tonalidad de fa sostenido mayor; su principal peculiaridad es que la cadencia final de cada sección está construida de manera que suena muy débil, creando una sensación de incompletitud.
El último movimiento empieza como es característico en Haydn, como un final rápido y en 2/2, escrito en forma sonata y en la tonalidad de la obra: fa sostenido menor. La intensidad rítmica se incrementa mediante el uso de bariolage al unísono en la parte del primer violín. La música finalmente alcanza el final de la recapitulación en un pasaje que suena como si la sinfonía acabara, pero de repente es interrumpida por una cadencia rota.
A continuación sigue una larga coda, como si de un segundo movimiento lento se tratara, que es extremadamente inusual en sinfonías clásicas y probablemente sonaría muy sorprendente para el Príncipe. Está escrito en compás de 3/8 y modula de la mayor a fa sostenido mayor, momento en el que los músicos van abandonando sus puestos. El final es una especie de anticlímax deliberado y se suele interpretar en un suave pianissimo.
Este adagio final incluye una curiosidad que no todo oyente es capaz de percibir al oír una grabación: varios músicos tienen solos pequeños justo antes de marcharse. El orden de salida es: primer oboe y segunda trompa (con solos), fagot (sin solo), segundo oboe y primera trompa (con solos), contrabajos (solo), violonchelos (sin solo), violines orquestales (con solos; músicos de primera silla no tocan), viola (sin solo). Los violines de primera silla se quedan para completar la obra.
@ClasicaAlAtardecer
La Sinfonía n.º 45 en fa sostenido menor, Hoboken I/45, conocida como Sinfonía de los adioses, es una sinfonía del austríaco Joseph Haydn, compuesta en 1772.
Fue escrita para el patrón de Haydn, el príncipe Nikolaus Esterházy, durante una estancia en la que Haydn y la corte de músicos permanecieron en el palacio de verano, en Eszterháza. La estancia fue más larga de lo esperado y los músicos en su mayoría fueron obligados a mover a sus mujeres en casa, en Eisenstadt, por lo que en el último movimiento de la sinfonía, Haydn instó sutilmente a su patrón a dejarles volver a casa. Durante el adagio final cada músico deja de tocar, apaga la vela de su atril y se va en orden, dejando al final solo dos violines tocados con sordina (tocados por el propio Haydn y el concertino, Alois Luigi Tomasini).
La sinfonía consta de cuatro movimientos:
🎵 Allegro assai, 3/4
🎵 Adagio, 3/8
🎵 Menuet: Allegretto, 3/4
🎵 Finale: Presto, 2/2 - Adagio, 3/8
El primer movimiento de la obra es un episodio turbulento en fa sostenido menor, una tonalidad extremadamente inusual para usar en esa parte de la obra. Comienza a la manera típica del periodo Sturm und Drang de Haydn, con arpegios menores descendentes en los primeros violines junto con notas sincopadas en los segundos violines y acordes mantenidos en los vientos. El movimiento sigue la forma sonata, pero se desvía del modelo común en varias ocasiones. Aparte de estas desviaciones de la norma, el primer movimiento es "bastante difícil de ser percibido como revolucionario" y "no es tan intrépido, al contener un desarrollo que solo se aventura a los niveles de IV, II♭ y VI, además de la mediante y la tónica".
El segundo movimiento, lento en la mayor y en compás de 3/8 también está escrito en forma sonata. Comienza con una relajante melodía tocada por violines con sordina, representando un motivo que "tiene hipo". El ambiente gradualmente se vuelve más sombrío y meditabundo con la alternancia entre modos mayores y menores, asemejándose a pasajes de las últimas obras de Schubert. A continuación siguen una serie de suspensiones disonantes mantenidas durante varios compases, que son extendidas hasta una gran duración por Haydn mientras que el mismo material aparece en la recapitulación. James Webster siente la música como programática, expresando el añoro del hogar.
El siguiente minueto está en la tonalidad de fa sostenido mayor; su principal peculiaridad es que la cadencia final de cada sección está construida de manera que suena muy débil, creando una sensación de incompletitud.
El último movimiento empieza como es característico en Haydn, como un final rápido y en 2/2, escrito en forma sonata y en la tonalidad de la obra: fa sostenido menor. La intensidad rítmica se incrementa mediante el uso de bariolage al unísono en la parte del primer violín. La música finalmente alcanza el final de la recapitulación en un pasaje que suena como si la sinfonía acabara, pero de repente es interrumpida por una cadencia rota.
A continuación sigue una larga coda, como si de un segundo movimiento lento se tratara, que es extremadamente inusual en sinfonías clásicas y probablemente sonaría muy sorprendente para el Príncipe. Está escrito en compás de 3/8 y modula de la mayor a fa sostenido mayor, momento en el que los músicos van abandonando sus puestos. El final es una especie de anticlímax deliberado y se suele interpretar en un suave pianissimo.
Este adagio final incluye una curiosidad que no todo oyente es capaz de percibir al oír una grabación: varios músicos tienen solos pequeños justo antes de marcharse. El orden de salida es: primer oboe y segunda trompa (con solos), fagot (sin solo), segundo oboe y primera trompa (con solos), contrabajos (solo), violonchelos (sin solo), violines orquestales (con solos; músicos de primera silla no tocan), viola (sin solo). Los violines de primera silla se quedan para completar la obra.
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#Sinfonía45 #Haydn #ConradVanAlphen
Título: La Sinfonía n.º45 en Fa Sostenido
Autor: Franz Joseph Haydn
Movimientos:
🎵 Allegro assai, 3/4
🎵 Adagio, 3/8
🎵 Menuet: Allegretto, 3/4
🎵 Finale: Presto, 2/2 - Adagio, 3/8
Interpretación:
Sinfonia Rotterdam
Director:
Conrad Van Alphen
@ClasicaAlAtardecer
Título: La Sinfonía n.º45 en Fa Sostenido
Autor: Franz Joseph Haydn
Movimientos:
🎵 Allegro assai, 3/4
🎵 Adagio, 3/8
🎵 Menuet: Allegretto, 3/4
🎵 Finale: Presto, 2/2 - Adagio, 3/8
Interpretación:
Sinfonia Rotterdam
Director:
Conrad Van Alphen
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#Sinfonía4 #RobertSchumann #JesúsAmigo
LA SINFONÍA N.º 4 EN RE MENOR, OP. 120.
La Sinfonía n.º 4 en re menor, Op. 120, es una obra sinfónica escrita por Robert Schumann y estrenada en 1841. Fue revisada y reorquestada por el mismo compositor en 1851. Su estreno se produjo el 6 de diciembre de 1841 interpretada por la orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, como “Sinfonía Nº2”. Más tarde en 1851 Schumann hizo una revisión y nueva orquestación de la obra publicándola como “Sinfonía Nº4”.
La sinfonía presenta una forma muy homogénea, creada por los temas y sus variantes, que van pasando de uno a otro movimiento. Debido a ello Schumann creo secciones de enlace entre los diversos movimientos, indicando que debían interpretarse sin interrupción. A pesar de conservar en el fondo la forma clásica, el desarrollo de los movimientos es muy libre.
Está pieza consta de 4 movimientos:
🎵 I. Ziemlich langsam - Lebhaft
🎵 II. Romanze. Ziemlich langsam
🎵 III. Scherzo. Lebhaft
🎵 IV. Langsam - Lebhaft - Presto
El primer movimiento, ziemlich langsam, lebhaft, empieza con una introducción lenta presentando el tema mediante la cuerda, llegando después de un crescendo a unas frases ondulantes de los contrabajos que preparan el terreno para el primer tema del lebhaft o sea vivace. El tema principal, construido en dos partes, se eleva por medio de la orquesta. Durante el desarrollo aparece un tema lírico derivado del primero. Termina con una variante del tema lírico presentado de forma marcial y la repetición del tema principal en forma de coda.
El segundo movimiento, romanze, ziemlich langsam, continúa sin interrupción. El oboe presenta una amplia y noble melodía. Aparece entonces el tema de la introducción del primer movimiento. La parte central la ocupa un tema basado en sinuosos descensos del primer violín. El tema del oboe termina este corto movimiento en forma alterada de lied. A, p, B, A. Unas ondulaciones de los violoncelos unen el anterior movimiento con el siguiente.
El tercer movimiento, scherzo, lebhaft, trío, empieza con un tema decidido que abarca toda la orquesta. El trío es contrastado y dulce. Se trata de una variante del tema sinuoso escuchado en la parte central del romanze, pero interpretado de un modo más melódico, evitando marcar los acentos rítmicos. Se repite el scherzo y el trío, con el cual el movimiento se va apagando, hasta terminar como el anterior movimiento, con una suave ondulación de los violoncelos, que servirá de puente para enlazar sin pausa con el último movimiento.
El cuarto movimiento, langsam, lebhaft, empieza con una introducción lenta, enlazando con el anterior. Esta parte termina con tres fuertes acordes que dan paso al vivace, con material que había pertenecido al primer movimiento. Un interesante episodio donde se alternan notas en forte y en piano, nos conduce a una atmósfera de felicidad. Tres rápidos acordes marcan el final de la exposición. La partitura indica la repetición en este punto de la exposición pero algunos directores continúan con la parte de desarrollo, saltándose estos 61 compases. Durante el desarrollo se emplean los temas anteriores, terminando con una corta reexposición y una coda conclusiva en crescendo. Una subida desde las cuerdas graves hasta las maderas y los metales termina la obra con un gran acorde.
@ClasicaAlAtardecer
LA SINFONÍA N.º 4 EN RE MENOR, OP. 120.
La Sinfonía n.º 4 en re menor, Op. 120, es una obra sinfónica escrita por Robert Schumann y estrenada en 1841. Fue revisada y reorquestada por el mismo compositor en 1851. Su estreno se produjo el 6 de diciembre de 1841 interpretada por la orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, como “Sinfonía Nº2”. Más tarde en 1851 Schumann hizo una revisión y nueva orquestación de la obra publicándola como “Sinfonía Nº4”.
La sinfonía presenta una forma muy homogénea, creada por los temas y sus variantes, que van pasando de uno a otro movimiento. Debido a ello Schumann creo secciones de enlace entre los diversos movimientos, indicando que debían interpretarse sin interrupción. A pesar de conservar en el fondo la forma clásica, el desarrollo de los movimientos es muy libre.
Está pieza consta de 4 movimientos:
🎵 I. Ziemlich langsam - Lebhaft
🎵 II. Romanze. Ziemlich langsam
🎵 III. Scherzo. Lebhaft
🎵 IV. Langsam - Lebhaft - Presto
El primer movimiento, ziemlich langsam, lebhaft, empieza con una introducción lenta presentando el tema mediante la cuerda, llegando después de un crescendo a unas frases ondulantes de los contrabajos que preparan el terreno para el primer tema del lebhaft o sea vivace. El tema principal, construido en dos partes, se eleva por medio de la orquesta. Durante el desarrollo aparece un tema lírico derivado del primero. Termina con una variante del tema lírico presentado de forma marcial y la repetición del tema principal en forma de coda.
El segundo movimiento, romanze, ziemlich langsam, continúa sin interrupción. El oboe presenta una amplia y noble melodía. Aparece entonces el tema de la introducción del primer movimiento. La parte central la ocupa un tema basado en sinuosos descensos del primer violín. El tema del oboe termina este corto movimiento en forma alterada de lied. A, p, B, A. Unas ondulaciones de los violoncelos unen el anterior movimiento con el siguiente.
El tercer movimiento, scherzo, lebhaft, trío, empieza con un tema decidido que abarca toda la orquesta. El trío es contrastado y dulce. Se trata de una variante del tema sinuoso escuchado en la parte central del romanze, pero interpretado de un modo más melódico, evitando marcar los acentos rítmicos. Se repite el scherzo y el trío, con el cual el movimiento se va apagando, hasta terminar como el anterior movimiento, con una suave ondulación de los violoncelos, que servirá de puente para enlazar sin pausa con el último movimiento.
El cuarto movimiento, langsam, lebhaft, empieza con una introducción lenta, enlazando con el anterior. Esta parte termina con tres fuertes acordes que dan paso al vivace, con material que había pertenecido al primer movimiento. Un interesante episodio donde se alternan notas en forte y en piano, nos conduce a una atmósfera de felicidad. Tres rápidos acordes marcan el final de la exposición. La partitura indica la repetición en este punto de la exposición pero algunos directores continúan con la parte de desarrollo, saltándose estos 61 compases. Durante el desarrollo se emplean los temas anteriores, terminando con una corta reexposición y una coda conclusiva en crescendo. Una subida desde las cuerdas graves hasta las maderas y los metales termina la obra con un gran acorde.
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#Sinfonía4 #RobertSchumann #JesúsAmigo
Título: La Sinfonía n.º 4 en re menor, Op. 120.
Autor: Robert Schumann
Movimientos:
🎵 I. Ziemlich langsam - Lebhaft
🎵 II. Romanze. Ziemlich langsam
🎵 III. Scherzo. Lebhaft
🎵 IV. Langsam - Lebhaft - Presto
Interpretación:
Orquesta Sinfónica del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Director:
Jesús Amigo
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Título: La Sinfonía n.º 4 en re menor, Op. 120.
Autor: Robert Schumann
Movimientos:
🎵 I. Ziemlich langsam - Lebhaft
🎵 II. Romanze. Ziemlich langsam
🎵 III. Scherzo. Lebhaft
🎵 IV. Langsam - Lebhaft - Presto
Interpretación:
Orquesta Sinfónica del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Director:
Jesús Amigo
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#Serenade #Tchaikovsky #AlainAltinoglu
SERENADE FOR STRING ORCHESTRA, OP.48
La Serenata en Do M. de Tchaikovsky se ha convertido con el tiempo en uno de los monumentos sonoros más singulares e influentes de la música clásica y es sin duda una de sus mejores obras.
Y en palabras del propio compositor: ”la Serenata la escribí desde la compulsión interna. Esta es una pieza escrita desde del corazón, y por esta motivo me atrevo a decir que este trabajo no está exento de cualidades artísticas”. Una gran afirmación y una gran verdad.
La Serenata para cuerdas tiene 4 movimientos:
🎵 Movimiento I: Pezzo in forma di sonatina: Andante non troppo — Allegro moderato
🎵 Movimiento II: Valse: Moderato — Tempo di valse
🎵 Movimiento III: Élégie: Larghetto elegiaco
🎵 Movimiento IV: Finale (Tema russo): Andante — Allegro con spirito
Tchaikovsky tenía la intención de que el primer movimiento fuera una imitación del estilo de Mozart, y estaba basada en la forma de la sonatina clásica, con una introducción lenta.
La agitada introducción Andante de 36 compases lleva la indicación "sempre marcatissimo" y llena de dobles cuerdas en los violines y violas, formando imponentes estructuras acordales. Esta introducción es reiterada al final del movimiento, y luego vuelve a aparecer, transformado, en la coda del cuarto movimiento, enlazando la totalidad de la obra en conjunto.
En la segunda página de la partitura de Tchaikovsky escribió, "Cuantos más músicos en la orquesta de cuerda, más estará en conformidad con los deseos del autor." El segundo movimiento, el Vals, se ha convertido en una pieza popular en su propio derecho.
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SERENADE FOR STRING ORCHESTRA, OP.48
La Serenata en Do M. de Tchaikovsky se ha convertido con el tiempo en uno de los monumentos sonoros más singulares e influentes de la música clásica y es sin duda una de sus mejores obras.
Energía en estado puro y llena de melodías encantadoras, es según el autor un homenaje a Mozart y su estilo. Escrita en poco más de un mes muestra totalmente el romanticismo de Tchaikovsky rodeando la arquitectura del estilo clásico. Y en palabras del propio compositor: ”la Serenata la escribí desde la compulsión interna. Esta es una pieza escrita desde del corazón, y por esta motivo me atrevo a decir que este trabajo no está exento de cualidades artísticas”. Una gran afirmación y una gran verdad.
La Serenata para cuerdas tiene 4 movimientos:
🎵 Movimiento I: Pezzo in forma di sonatina: Andante non troppo — Allegro moderato
🎵 Movimiento II: Valse: Moderato — Tempo di valse
🎵 Movimiento III: Élégie: Larghetto elegiaco
🎵 Movimiento IV: Finale (Tema russo): Andante — Allegro con spirito
Tchaikovsky tenía la intención de que el primer movimiento fuera una imitación del estilo de Mozart, y estaba basada en la forma de la sonatina clásica, con una introducción lenta.
La agitada introducción Andante de 36 compases lleva la indicación "sempre marcatissimo" y llena de dobles cuerdas en los violines y violas, formando imponentes estructuras acordales. Esta introducción es reiterada al final del movimiento, y luego vuelve a aparecer, transformado, en la coda del cuarto movimiento, enlazando la totalidad de la obra en conjunto.
En la segunda página de la partitura de Tchaikovsky escribió, "Cuantos más músicos en la orquesta de cuerda, más estará en conformidad con los deseos del autor." El segundo movimiento, el Vals, se ha convertido en una pieza popular en su propio derecho.
La Serenata se estrenó en un concierto privado en el Conservatorio de Moscú el 3 de diciembre de 1880. Su primera interpretación en público fue en San Petersburgo el 30 de octubre de 1881 con la dirección de Eduard Napravnik.
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#Serenade #Tchaikovsky #AlainAltinoglu
SERENADE FOR STRING ORCHESTRA, OP.48
La Serenata de Cuerda y el "1812". La obertura fue compuesta durante el otoño de 1880. Aunque Tchaikovsky consideraba la Serenata como una de sus mejores obras, no podía decir lo mismo de la obra que pronto se introduciría en la sala de la fama musical: "La Obertura será muy ruidosa y ruidosa, pero la escribí sin ningún tipo de sentimientos cálidos de amor y, por lo tanto, probablemente no tendrá ningún mérito artístico. Pero la Serenata, por el contrario, la escribí desde la compulsión interior. Esta es una pieza de corazón, y por eso, me atrevo a esperar que esta obra no carezca de cualidades artísticas".
El primer movimiento, Pezzo in forma di sonatina, está rematado por una coral marcada como Andante non troppo. La sonatina sugerida en el título comienza en el Allegro moderato, tomando la forma de una estructura de sonata concisa. "El primer movimiento es mi homenaje a Mozart", escribió Tchaikovsky. "Se pretende que sea una imitación de su estilo, y me encantaría si pensara que me he acercado a mi modelo."
El vals de Tchaikovsky se remonta a los minuetos de Mozart. Parece sensato que Tchaikovsky integrara el vals, la danza más amorosa del siglo XIX, en sus sinfonías y en la Serenata de Cuerdas. No es de extrañar que este Valse en particular recuerde más a los valses balleticos de Tchaikovsky que a los de Johann Strausses.
El tercer movimiento, Elegia, se abre con otro pasaje coral, aquí, que aspira incesantemente a elevarse por encima de su tesitura mezza-voce. La tierna escritura melódica del primer tema se hace realidad a su regreso, elaborada con otra capa melódica más florida; el contrapunto transparente que se eleva flota sobre el más ligero de los acompañamientos, figuras de pizzicato arpegiado en las cuerdas bajas. La voz más oscura y desesperada que se encuentra en las últimas tres sinfonías del compositor domina gran parte del estado de ánimo de este movimiento.
El cuarto movimiento, Finale (Tema Russo), se abre con una introducción andante basada en una canción folklórica rusa, una "canción de arrastre" del Volga. Tanto el tema principal del Allegro con spirito, basado en la forma de la coral de apertura de la Serenata, como la propia coral, que es el gesto final del movimiento, proporcionan un sentido de unidad que abarca toda la obra.
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SERENADE FOR STRING ORCHESTRA, OP.48
La Serenata de Cuerda y el "1812". La obertura fue compuesta durante el otoño de 1880. Aunque Tchaikovsky consideraba la Serenata como una de sus mejores obras, no podía decir lo mismo de la obra que pronto se introduciría en la sala de la fama musical: "La Obertura será muy ruidosa y ruidosa, pero la escribí sin ningún tipo de sentimientos cálidos de amor y, por lo tanto, probablemente no tendrá ningún mérito artístico. Pero la Serenata, por el contrario, la escribí desde la compulsión interior. Esta es una pieza de corazón, y por eso, me atrevo a esperar que esta obra no carezca de cualidades artísticas".
El primer movimiento, Pezzo in forma di sonatina, está rematado por una coral marcada como Andante non troppo. La sonatina sugerida en el título comienza en el Allegro moderato, tomando la forma de una estructura de sonata concisa. "El primer movimiento es mi homenaje a Mozart", escribió Tchaikovsky. "Se pretende que sea una imitación de su estilo, y me encantaría si pensara que me he acercado a mi modelo."
El vals de Tchaikovsky se remonta a los minuetos de Mozart. Parece sensato que Tchaikovsky integrara el vals, la danza más amorosa del siglo XIX, en sus sinfonías y en la Serenata de Cuerdas. No es de extrañar que este Valse en particular recuerde más a los valses balleticos de Tchaikovsky que a los de Johann Strausses.
El tercer movimiento, Elegia, se abre con otro pasaje coral, aquí, que aspira incesantemente a elevarse por encima de su tesitura mezza-voce. La tierna escritura melódica del primer tema se hace realidad a su regreso, elaborada con otra capa melódica más florida; el contrapunto transparente que se eleva flota sobre el más ligero de los acompañamientos, figuras de pizzicato arpegiado en las cuerdas bajas. La voz más oscura y desesperada que se encuentra en las últimas tres sinfonías del compositor domina gran parte del estado de ánimo de este movimiento.
El cuarto movimiento, Finale (Tema Russo), se abre con una introducción andante basada en una canción folklórica rusa, una "canción de arrastre" del Volga. Tanto el tema principal del Allegro con spirito, basado en la forma de la coral de apertura de la Serenata, como la propia coral, que es el gesto final del movimiento, proporcionan un sentido de unidad que abarca toda la obra.
Una vez más la inventiva de Tchaikovsky es abrumadora, finalizando este cuarto movimiento, “sorpresivamente”, con el tema “coral” con el que inicia el Primero, en el que se desarrolla un tema basado en una canción melódica popular rusa, primero ejecutado lentamente y luego más vivazmente.
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#Serenade #Tchaikovsky #AlainAltinoglu
Titulo: Serenade for String Orchestra in C major op.48
Autor: Peter Ilyich Tchaikovsky
Movimientos:
🎵 1. Pezzo in forma di Sonatina. Andante non troppo - Allegro moderato
🎵 2. Valse. Moderato. Tempo di Valse
🎵 3. Elegia. Larghetto elegiaco
🎵 4. Finale. Tema russo. Andante - Allegro con spirito
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Alain Altinoglu
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Titulo: Serenade for String Orchestra in C major op.48
Autor: Peter Ilyich Tchaikovsky
Movimientos:
🎵 1. Pezzo in forma di Sonatina. Andante non troppo - Allegro moderato
🎵 2. Valse. Moderato. Tempo di Valse
🎵 3. Elegia. Larghetto elegiaco
🎵 4. Finale. Tema russo. Andante - Allegro con spirito
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Alain Altinoglu
Fuente: 🎼
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#Preludio28 #Chopin #YujaWang
LOS PRELUDIOS OP. 28
Los Preludios para piano solo compuestos por Fryderyk Chopin son un conjunto de veinticuatro preludios que conforman el Op. 28 del compositor polaco. Todos ellos son piezas bastante breves, de entre treinta segundos y cinco minutos de duración; y cada uno está escrito en una tonalidad distinta. Chopin tiene otros dos preludios, de los que uno es póstumo y el otro pertenece al Op. 45.
Chopin compuso los Preludios al igual que Johann Sebastian Bach estructuró El clave bien temperado. De la misma forma, Claude Debussy escribió veinticuatro preludios en dos libros y Aleksandr Skriabin compuso los Preludios Op. 11.
Chopin compuso sus preludios entre 1835 y 1839, en parte en la localidad mallorquina de Valldemosa, donde pasó el invierno de 1838-1839, con George Sand y sus hijos, para evitar el clima lluvioso de París. Sin embargo, este método de mejorar de sus enfermedades no funcionó, porque ese invierno fue muy duro en la isla. Además, tardaron mucho en traerle su piano desde Francia y tuvo que conformarse con uno que le dejaron, que se puede ver en la Cartuja de Valldemosa, donde estaban sus habitaciones. Los Preludios Op. 28 fueron publicados por primera vez en 1839.
Aunque el término preludio se utiliza por lo general para referirse a una pieza introductoria, los Preludios de Chopin son ya piezas completas por sí mismas, hechas todas y cada una de ellas para comunicar una idea o un sentimiento. Los Preludios de Chopin han sido comparados con los preludios de El clave bien temperado de Johann Sebastian Bach. Sin embargo, todos los preludios del alemán llevan a una fuga en la misma tonalidad y estaban ordenados cromáticamente, mientras que los de Chopin estaban ordenados por quintas.
Debido a su aparente falta de estructura formal y a su brevedad, los Preludios provocaron consternación entre los críticos de la época cuando fueron publicados. Ninguno de los preludios dura más de noventa compases —que son los que tiene el Preludio n.º 17—, y el más corto, el n.º 9, sólo ocupa doce compases.
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LOS PRELUDIOS OP. 28
Los Preludios para piano solo compuestos por Fryderyk Chopin son un conjunto de veinticuatro preludios que conforman el Op. 28 del compositor polaco. Todos ellos son piezas bastante breves, de entre treinta segundos y cinco minutos de duración; y cada uno está escrito en una tonalidad distinta. Chopin tiene otros dos preludios, de los que uno es póstumo y el otro pertenece al Op. 45.
Chopin compuso los Preludios al igual que Johann Sebastian Bach estructuró El clave bien temperado. De la misma forma, Claude Debussy escribió veinticuatro preludios en dos libros y Aleksandr Skriabin compuso los Preludios Op. 11.
Chopin compuso sus preludios entre 1835 y 1839, en parte en la localidad mallorquina de Valldemosa, donde pasó el invierno de 1838-1839, con George Sand y sus hijos, para evitar el clima lluvioso de París. Sin embargo, este método de mejorar de sus enfermedades no funcionó, porque ese invierno fue muy duro en la isla. Además, tardaron mucho en traerle su piano desde Francia y tuvo que conformarse con uno que le dejaron, que se puede ver en la Cartuja de Valldemosa, donde estaban sus habitaciones. Los Preludios Op. 28 fueron publicados por primera vez en 1839.
Aunque el término preludio se utiliza por lo general para referirse a una pieza introductoria, los Preludios de Chopin son ya piezas completas por sí mismas, hechas todas y cada una de ellas para comunicar una idea o un sentimiento. Los Preludios de Chopin han sido comparados con los preludios de El clave bien temperado de Johann Sebastian Bach. Sin embargo, todos los preludios del alemán llevan a una fuga en la misma tonalidad y estaban ordenados cromáticamente, mientras que los de Chopin estaban ordenados por quintas.
Debido a su aparente falta de estructura formal y a su brevedad, los Preludios provocaron consternación entre los críticos de la época cuando fueron publicados. Ninguno de los preludios dura más de noventa compases —que son los que tiene el Preludio n.º 17—, y el más corto, el n.º 9, sólo ocupa doce compases.
Robert Schumann dijo de ellos que «son esbozos, comienzos de estudios o, por así decirlo, ruinas, alas individuales de águila, todo desorden y confusiones salvajes». Por otro lado, la opinión de su amigo Franz Liszt puede calificarse de positiva: «Los Preludios de Chopin son composiciones de un calibre totalmente distinto».
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