#OberturadePascuaRusa #RimskiKórsakov #RafaelPayare
LA OBERTURA DE LA GRAN PASCUA RUSA, OP. 36
La Obertura de la gran Pascua rusa, Op. 36 (Svetliy prazdnik, también conocida como Obertura para el festival de la Pascua rusa) es una obertura concierto compuesta por el compositor ruso Nikolái Rimski-Kórsakov entre agosto de 1887 y abril de 1888, dedicada a la memoria de Modest Músorgski y Aleksandr Borodín.
El Festival de Pascua ruso se inició a principios de 1888 y se completó unos ocho meses más tarde, al mismo tiempo que Scheherazade. La obertura fue presentada al público justo antes de la Navidad del 88 por la Orquesta Sinfónica Rusa de San Petersburgo.
Rimski-Kórsakov extrajo abundante inspiración de los antiguos ritos paganos. El título y las raíces de la obertura Op. 36, compuesta sobre temas del obikhod colección de cantos de la Iglesia Ortodoxa Rusa, pueden sugerir una obra de profundo sustento religioso, pero fue el carácter esencialmente pagano del regocijo popular durante la Pascua, lo que realmente el compositor trató de expresar en su música. Hace hincapié sobre este punto en su autobiografía, cuando se propone el análisis de la obra: "En la lenta introducción de la obertura de Pascua de Resurrección, sobre dos temas de cantos litúrgicos Dios resucitará y El ángel habló- tuve siempre presente la antigua profecía de Isaías sobre la resurrección de Cristo. El sombrío colorido del Andante lúgubre pinta al Santo Sepulcro que irradia inefables destellos a partir del momento de la resurrección. El comienzo del Allegro conduce al ambiente festivo de la Misa de Gallo rusa, en la noche de Pascua de Resurrección. El solemne sonido de la trompeta, de la voz angélica, es sustituido por el alegre toque de las campanas de carácter casi bailable, que es seguido a su vez, por el rápido salmodiar del diácono y el pausado pregón de la buena nueva del Evangelio entonado por el sacerdote. La cantinela litúrgica Cristo ha resucitado tema secundario de la obertura, parece iluminada por el sonido de las trompetas y campanas, quedando fundidos en la obra los recuerdos del remoto tiempo de los Profetas y el sublime mensaje del Evangelio, con la imagen de la misa rusa de Pascua de Resurrección y su alegría pagana.
¿No creéis que la danza del Rey David ante el Arca trae el recuerdo de las ceremonias de los idólatras? ¿No es posible acaso, bailar al son del carrillón de los campanarios rusos? Este aspecto pagano y legendario de la fiesta de Resurrección, fue el que quise imitar en mi obertura. Por eso supliqué al Conde Golenischtscheff que redactase el programa en forma poética, más Resurrección y la misa correspondiente; dejé que las notas hablasen por mí, Consisten éstas en la transcripción de dos pasajes de la Biblia -Salmos 68, 1-2 y San Marcos, 16, 1-6, seguidos de las palabras del compositor. Es probable que esas tonalidades reflejen fielmente mis sentimientos e ideas, aunque gran parte del público quede en ayunas, no obstante la claridad ejemplar de mi música. Para comprender la obertura es preciso haber presenciado al menos una vez, la Misa del Gallo rusa, no en un oratorio sino entre la multitud, en una catedral, donde celebran simultáneamente la misa numerosos sacerdotes y diáconos. Mis impresiones datan de la infancia, del tiempo del convento de Tijvin."
Así, Rimsky se puso a trabajar en un programa, una maravilla de la discursividad, fuertemente ligada a las citas del Antiguo y Nuevo Testamento, pero terminando en un resplandor de gloria verbal que coincide con la exultante sección final de la música: "'Resurrexit!' canta el coro de los ángeles celestiales al sonido de las trompetas de los arcángeles y el batir de las alas de los serafines. "¡Resurrexit!" canta los sacerdotes del templo, entre nubes de incienso, a la luz de innumerables velas, al repique de las campanas triunfantes."
@ClasicaAlAtardecer
LA OBERTURA DE LA GRAN PASCUA RUSA, OP. 36
La Obertura de la gran Pascua rusa, Op. 36 (Svetliy prazdnik, también conocida como Obertura para el festival de la Pascua rusa) es una obertura concierto compuesta por el compositor ruso Nikolái Rimski-Kórsakov entre agosto de 1887 y abril de 1888, dedicada a la memoria de Modest Músorgski y Aleksandr Borodín.
El Festival de Pascua ruso se inició a principios de 1888 y se completó unos ocho meses más tarde, al mismo tiempo que Scheherazade. La obertura fue presentada al público justo antes de la Navidad del 88 por la Orquesta Sinfónica Rusa de San Petersburgo.
Rimski-Kórsakov extrajo abundante inspiración de los antiguos ritos paganos. El título y las raíces de la obertura Op. 36, compuesta sobre temas del obikhod colección de cantos de la Iglesia Ortodoxa Rusa, pueden sugerir una obra de profundo sustento religioso, pero fue el carácter esencialmente pagano del regocijo popular durante la Pascua, lo que realmente el compositor trató de expresar en su música. Hace hincapié sobre este punto en su autobiografía, cuando se propone el análisis de la obra: "En la lenta introducción de la obertura de Pascua de Resurrección, sobre dos temas de cantos litúrgicos Dios resucitará y El ángel habló- tuve siempre presente la antigua profecía de Isaías sobre la resurrección de Cristo. El sombrío colorido del Andante lúgubre pinta al Santo Sepulcro que irradia inefables destellos a partir del momento de la resurrección. El comienzo del Allegro conduce al ambiente festivo de la Misa de Gallo rusa, en la noche de Pascua de Resurrección. El solemne sonido de la trompeta, de la voz angélica, es sustituido por el alegre toque de las campanas de carácter casi bailable, que es seguido a su vez, por el rápido salmodiar del diácono y el pausado pregón de la buena nueva del Evangelio entonado por el sacerdote. La cantinela litúrgica Cristo ha resucitado tema secundario de la obertura, parece iluminada por el sonido de las trompetas y campanas, quedando fundidos en la obra los recuerdos del remoto tiempo de los Profetas y el sublime mensaje del Evangelio, con la imagen de la misa rusa de Pascua de Resurrección y su alegría pagana.
¿No creéis que la danza del Rey David ante el Arca trae el recuerdo de las ceremonias de los idólatras? ¿No es posible acaso, bailar al son del carrillón de los campanarios rusos? Este aspecto pagano y legendario de la fiesta de Resurrección, fue el que quise imitar en mi obertura. Por eso supliqué al Conde Golenischtscheff que redactase el programa en forma poética, más Resurrección y la misa correspondiente; dejé que las notas hablasen por mí, Consisten éstas en la transcripción de dos pasajes de la Biblia -Salmos 68, 1-2 y San Marcos, 16, 1-6, seguidos de las palabras del compositor. Es probable que esas tonalidades reflejen fielmente mis sentimientos e ideas, aunque gran parte del público quede en ayunas, no obstante la claridad ejemplar de mi música. Para comprender la obertura es preciso haber presenciado al menos una vez, la Misa del Gallo rusa, no en un oratorio sino entre la multitud, en una catedral, donde celebran simultáneamente la misa numerosos sacerdotes y diáconos. Mis impresiones datan de la infancia, del tiempo del convento de Tijvin."
Así, Rimsky se puso a trabajar en un programa, una maravilla de la discursividad, fuertemente ligada a las citas del Antiguo y Nuevo Testamento, pero terminando en un resplandor de gloria verbal que coincide con la exultante sección final de la música: "'Resurrexit!' canta el coro de los ángeles celestiales al sonido de las trompetas de los arcángeles y el batir de las alas de los serafines. "¡Resurrexit!" canta los sacerdotes del templo, entre nubes de incienso, a la luz de innumerables velas, al repique de las campanas triunfantes."
La obertura una de las obras más brillantes y emocionantes del repertorio sinfónico ruso está instrumentada para amplio conjunto, incluyendo campanas, triángulos, platillos, gong y arpa. @ClasicaAlAtardecer
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#OberturadePascuaRusa #RimskiKórsakov #RafaelPayare
Título: La Obertura De La Gran Pascua Rusa, Op. 36
Autor: Nikolay Rimsky-Korsakov
Interpretación:
Sinfónica Juventud Venezolana Simón Bolívar
Dirección:
Rafael Payare
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: La Obertura De La Gran Pascua Rusa, Op. 36
Autor: Nikolay Rimsky-Korsakov
Interpretación:
Sinfónica Juventud Venezolana Simón Bolívar
Dirección:
Rafael Payare
Fuente: 🎼
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#Sinfonía6 #D589 #Schubert #AntonelloManacorda
LA “SINFONÍA Nº 6 EN DO MAYOR” D 589
La “Sinfonía Nº 6 en do mayor” D 589 de Franz Schubert fue escrita entre octubre de 1817 (fecha que figura a la cabeza del manuscrito) y febrero de 1818. Es conocida como la pequeña do mayor, para diferenciarla de la Gran Sinfonía en do mayor (D. 944) del mismo compositor.
Esta sinfonía se estrenó privadamente por la orquesta no profesional que dirigía Otto Hatwig, poco tiempo después de su finalización.
Sinfonía en cuatro movimientos para orquesta de dos violines, viola, violonchelo, dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, dos trompas, dos trompetas y timbales.
🎵 I. Adagio - Allegro
🎵 II. Andante, en fa mayor
🎵 III. Scherzo: Presto. Trio: piu lento; el trío, en mi mayor
🎵 IV. Allegro moderato
Empieza con una introducción adagio que nos conduce al primer tema del allegro, movimiento que contiene delicados pasajes solistas de las maderas, alternando con los tutti de la orquesta.
El _andante_ empieza con una delicada melodía de gran ligereza y elegancia. El segundo tema es más dinámico, de tipo rítmico.
El tercer movimiento recibe el nombre de scherzo por primera vez en Schubert. Es un movimiento con gran ímpetu rítmico, que posee un _trío_ más sosegado. La obra termina con un allegro moderato que consiste en un divertimento de construcción libre. El primer tema posee un ligero ritmo saltarín. Es una música alegre con influencia de la ópera italiana, en especial de Rossini, que como se ha dicho estaba triunfando en Viena.
Después de un Scherzo beethoveniano que espera la "Gran Sinfonía en Do Mayor" en su gran diseño, el final es ligero y jocoso, mostrando una deliciosa habilidad en la orquestación. Los violines que acompañan a los diálogos de los vientos, las frases punteadas que van de un lado a otro y el impulso imparable llevan las marcas del estilo efervescente de Schubert. Si no es grandioso, es ciertamente estupendo.
Sus primeras obras interpretadas en público fueron las dos “Oberturas en estilo italiano”. El 1 de marzo de 1818 en el salón de la posada Zum römischen Kaiser se interpretó una de las oberturas italianas de Schubert. También se publicó uno de sus lieder, “Am Erlaufsee”. Después de su sexta sinfonía, Schubert comienza un periodo durante el cual no terminaría ninguna de las sinfonías en las que trabaja.
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LA “SINFONÍA Nº 6 EN DO MAYOR” D 589
La “Sinfonía Nº 6 en do mayor” D 589 de Franz Schubert fue escrita entre octubre de 1817 (fecha que figura a la cabeza del manuscrito) y febrero de 1818. Es conocida como la pequeña do mayor, para diferenciarla de la Gran Sinfonía en do mayor (D. 944) del mismo compositor.
Esta sinfonía se estrenó privadamente por la orquesta no profesional que dirigía Otto Hatwig, poco tiempo después de su finalización.
Sinfonía en cuatro movimientos para orquesta de dos violines, viola, violonchelo, dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, dos trompas, dos trompetas y timbales.
🎵 I. Adagio - Allegro
🎵 II. Andante, en fa mayor
🎵 III. Scherzo: Presto. Trio: piu lento; el trío, en mi mayor
🎵 IV. Allegro moderato
Empieza con una introducción adagio que nos conduce al primer tema del allegro, movimiento que contiene delicados pasajes solistas de las maderas, alternando con los tutti de la orquesta.
El _andante_ empieza con una delicada melodía de gran ligereza y elegancia. El segundo tema es más dinámico, de tipo rítmico.
El tercer movimiento recibe el nombre de scherzo por primera vez en Schubert. Es un movimiento con gran ímpetu rítmico, que posee un _trío_ más sosegado. La obra termina con un allegro moderato que consiste en un divertimento de construcción libre. El primer tema posee un ligero ritmo saltarín. Es una música alegre con influencia de la ópera italiana, en especial de Rossini, que como se ha dicho estaba triunfando en Viena.
Después de un Scherzo beethoveniano que espera la "Gran Sinfonía en Do Mayor" en su gran diseño, el final es ligero y jocoso, mostrando una deliciosa habilidad en la orquestación. Los violines que acompañan a los diálogos de los vientos, las frases punteadas que van de un lado a otro y el impulso imparable llevan las marcas del estilo efervescente de Schubert. Si no es grandioso, es ciertamente estupendo.
Sus primeras obras interpretadas en público fueron las dos “Oberturas en estilo italiano”. El 1 de marzo de 1818 en el salón de la posada Zum römischen Kaiser se interpretó una de las oberturas italianas de Schubert. También se publicó uno de sus lieder, “Am Erlaufsee”. Después de su sexta sinfonía, Schubert comienza un periodo durante el cual no terminaría ninguna de las sinfonías en las que trabaja.
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#Sinfonía6 #D589 #Schubert #AntonelloManacorda
Título: La “Sinfonía Nº 6 en do mayor” D 589
Autor: Franz Schubert
Movimientos:
🎵 I. Adagio - Allegro
🎵 II. Andante, en fa mayor
🎵 III. Scherzo: Presto. Trio: piu lento; el trío, en mi mayor
🎵 IV. Allegro moderato
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Antonello Manacorda
@ClasicaAlAtardecer
Título: La “Sinfonía Nº 6 en do mayor” D 589
Autor: Franz Schubert
Movimientos:
🎵 I. Adagio - Allegro
🎵 II. Andante, en fa mayor
🎵 III. Scherzo: Presto. Trio: piu lento; el trío, en mi mayor
🎵 IV. Allegro moderato
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Antonello Manacorda
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#Sinfonía13 #K112 #Mozart #FabioBiondi
LA SINFONÍA N.º 13 EN FA MAYOR, K. 112
La Sinfonía n.º 13 en fa mayor, K. 112 de Wolfgang Amadeus Mozart fue escrita en Milán durante su segundo viaje a Italia en el otoño de 1771. La sinfonía consta de cuatro movimientos, tratándose de la segunda de sus sinfonías compuesta sólo para cuerdas.
La instrumentación de la obra es: cuerda, 2 oboes, 2 trompas, fagot y bajo ccontinuo
Los movimientos de que consta son los siguientes:
🎵 I. Allegro, en 3/4.
🎵 II. Andante, en 2/4.
🎵 III. Menuetto y Trio, en 3/4.
🎵 III. Molto allegro, en 3/8.
El movimiento de apertura de esta sinfonía infantil final es nítido, limpio, brillante y establece el ambiente para toda la obra, una muy agradable. Es refrescante, accesible y sencillo, pero todavía hay muchos detalles para disfrutar, pequeños comentarios de las violas en el fondo, que hacen que este sea más que otro primer movimiento monótono en forma de sonata.
El segundo movimiento está marcado andante y es el más largo con diferencia de los cuatro movimientos. Los movimientos lentos, especialmente acompañados por otros movimientos tan emocionantes, tienen el potencial de ser aburridos o sin incidentes, pero este andante tiene suficiente profundidad y movimiento en sus melodías. Es espacioso, no tiene mucha prisa por ir rápido a ningún lado, pero nos da tiempo, casi anima al oyente, a respirar hondo y simplemente disfrutar; no tengas tanta prisa. Es como flotar en un arroyo lento y claro en un día de primavera.
El tercer movimiento es un Menuetto, es una muy agradable. No hay nada demasiado duro, emocionante o exagerado en este minuetto y trío, es simplemente refrescante y bonito. Este minueto puede haber sido escrito antes, e incorporado posteriormente a la sinfonía el manuscrito autógrafo muestra el minueto copiado por la mano de Leopold.
El movimiento final es una extraña mezcla de majestuosidad y picardía. Comienza con una melodía de estilo real (diría majestuosa si fuera un poco más lenta), pero tiene suficiente humor y diversión para recordar que Mozart solo tenía 15 años cuando escribió esto. Gran parte de las líneas de cuerda me suenan a risa, en contraste con un tema más tranquilo y distante. Es un pequeño movimiento corto, pero avanza y nos aporta suficiente tensión para contrastar con la alegre apertura del movimiento y de la obra en general, pero como debe ser, termina alegremente con una pequeña coda que completa todo el movimiento. en una disposición luminosa y soleada.
Es una obra de originalidad y humor, usando instrumentación muy limitada.
@ClasicaAlAtardecer
LA SINFONÍA N.º 13 EN FA MAYOR, K. 112
La Sinfonía n.º 13 en fa mayor, K. 112 de Wolfgang Amadeus Mozart fue escrita en Milán durante su segundo viaje a Italia en el otoño de 1771. La sinfonía consta de cuatro movimientos, tratándose de la segunda de sus sinfonías compuesta sólo para cuerdas.
La instrumentación de la obra es: cuerda, 2 oboes, 2 trompas, fagot y bajo ccontinuo
Los movimientos de que consta son los siguientes:
🎵 I. Allegro, en 3/4.
🎵 II. Andante, en 2/4.
🎵 III. Menuetto y Trio, en 3/4.
🎵 III. Molto allegro, en 3/8.
El movimiento de apertura de esta sinfonía infantil final es nítido, limpio, brillante y establece el ambiente para toda la obra, una muy agradable. Es refrescante, accesible y sencillo, pero todavía hay muchos detalles para disfrutar, pequeños comentarios de las violas en el fondo, que hacen que este sea más que otro primer movimiento monótono en forma de sonata.
El segundo movimiento está marcado andante y es el más largo con diferencia de los cuatro movimientos. Los movimientos lentos, especialmente acompañados por otros movimientos tan emocionantes, tienen el potencial de ser aburridos o sin incidentes, pero este andante tiene suficiente profundidad y movimiento en sus melodías. Es espacioso, no tiene mucha prisa por ir rápido a ningún lado, pero nos da tiempo, casi anima al oyente, a respirar hondo y simplemente disfrutar; no tengas tanta prisa. Es como flotar en un arroyo lento y claro en un día de primavera.
El tercer movimiento es un Menuetto, es una muy agradable. No hay nada demasiado duro, emocionante o exagerado en este minuetto y trío, es simplemente refrescante y bonito. Este minueto puede haber sido escrito antes, e incorporado posteriormente a la sinfonía el manuscrito autógrafo muestra el minueto copiado por la mano de Leopold.
El movimiento final es una extraña mezcla de majestuosidad y picardía. Comienza con una melodía de estilo real (diría majestuosa si fuera un poco más lenta), pero tiene suficiente humor y diversión para recordar que Mozart solo tenía 15 años cuando escribió esto. Gran parte de las líneas de cuerda me suenan a risa, en contraste con un tema más tranquilo y distante. Es un pequeño movimiento corto, pero avanza y nos aporta suficiente tensión para contrastar con la alegre apertura del movimiento y de la obra en general, pero como debe ser, termina alegremente con una pequeña coda que completa todo el movimiento. en una disposición luminosa y soleada.
Es una obra de originalidad y humor, usando instrumentación muy limitada.
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#Sinfonía13 #K112 #Mozart #FabioBiondi
Título: La “Sinfonía Nº 13 en Fa mayor” K.112
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Movimientos:
🎵 I. Allegro, en 3/4.
🎵 II. Andante, en 2/4.
🎵 III. Menuetto y Trio, en 3/4.
🎵 III. Molto allegro, en 3/8.
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Fabio Biondi
@ClasicaAlAtardecer
Título: La “Sinfonía Nº 13 en Fa mayor” K.112
Autor: Wolfgang Amadeus Mozart
Movimientos:
🎵 I. Allegro, en 3/4.
🎵 II. Andante, en 2/4.
🎵 III. Menuetto y Trio, en 3/4.
🎵 III. Molto allegro, en 3/8.
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Fabio Biondi
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#SinfoníaDoMenor #VB142 #Kraus #AndreaMarcon
LA “SINFONÍA EN DO MENOR” VB 142
La “Sinfonía en do menor” VB 142 fue escrita en Viena por Joseph Martin Kraus, y estrenada en 1783 durante la visita que hizo Kraus a Haydn en el palacio de Esterháza. Lo que parece seguro, es que Haydn pudo escuchar una sinfonía de su colega, probablemente una “Sinfonía en re mayor”. El comentario que hizo el padre de la sinfonia es elocuente. La sinfonía que ha escrito en Viena especialmente para mí será considerada como una obra maestra en los siglos venideros. Creedme, hay poca gente capaz de escribir una cosa comparable.
Está pieza consta de 3 movimientos:
🎵 I. Larghetto – Allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Allegro assai
El primer movimiento, larghetto, allegro, empieza de modo lento apasionado, reflejo de la época del Sturm und Drang. Musicalmente, Sturm und Drang significaba arrebatos apasionados, casi violentos, mucha escritura en tono menor, un irresistible impulso rítmico y una crudeza general de sentimiento no diluida por los buenos modales clásicos, todos ellos rasgos que dominan la Sinfonía en Do menor de Kraus
La Sinfonía de Kraus sólo asumió estas dimensiones clásicas después de un proceso de revisión y recomposición exhaustiva. La obra comenzó como una Sinfonía en Do sostenido menor, concebida a escala de cámara por Kraus durante sus primeros años en Estocolmo, en algún momento antes de 1781. Los inesperados giros expresivos de la obra en Do sostenido menor la sitúan en la tradición de Sturm und Drang. Estos se suavizan en la Sinfonía en Do menor. A partir de los agitados e inestables fragmentos temáticos que caracterizan la obra anterior, Kraus desarrolló temas de larga duración que se desarrollan a un ritmo casi épico (al menos para el siglo XVIII).
Kraus también sustituyó las flautas del original por oboes, duplicó el número de trompas y eliminó el tintineo del continuo del clavicémbalo, dando a la orquesta una sonoridad más oscura y pesada. Finalmente, suprimió el tercer movimiento, un breve minué sin el trío adecuado que el público vienés hubiera esperado.
La Sinfonía en Do menor era bien conocida por los músicos a finales del siglo XVIII. Fue publicada por Breitkopf & Härtel en Leipzig en 1797 y se interpretó en la Gewandhaus (la famosa sala de conciertos de la ciudad) en 1817. Por desgracia, Kraus no vivió lo suficiente como para ver estos éxitos o para consolidar su reputación mediante nuevos triunfos; murió de tuberculosis en 1792, a la edad de 36 años.
@ClasicaAlAtardecer
LA “SINFONÍA EN DO MENOR” VB 142
La “Sinfonía en do menor” VB 142 fue escrita en Viena por Joseph Martin Kraus, y estrenada en 1783 durante la visita que hizo Kraus a Haydn en el palacio de Esterháza. Lo que parece seguro, es que Haydn pudo escuchar una sinfonía de su colega, probablemente una “Sinfonía en re mayor”. El comentario que hizo el padre de la sinfonia es elocuente. La sinfonía que ha escrito en Viena especialmente para mí será considerada como una obra maestra en los siglos venideros. Creedme, hay poca gente capaz de escribir una cosa comparable.
Está pieza consta de 3 movimientos:
🎵 I. Larghetto – Allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Allegro assai
El primer movimiento, larghetto, allegro, empieza de modo lento apasionado, reflejo de la época del Sturm und Drang. Musicalmente, Sturm und Drang significaba arrebatos apasionados, casi violentos, mucha escritura en tono menor, un irresistible impulso rítmico y una crudeza general de sentimiento no diluida por los buenos modales clásicos, todos ellos rasgos que dominan la Sinfonía en Do menor de Kraus
La Sinfonía de Kraus sólo asumió estas dimensiones clásicas después de un proceso de revisión y recomposición exhaustiva. La obra comenzó como una Sinfonía en Do sostenido menor, concebida a escala de cámara por Kraus durante sus primeros años en Estocolmo, en algún momento antes de 1781. Los inesperados giros expresivos de la obra en Do sostenido menor la sitúan en la tradición de Sturm und Drang. Estos se suavizan en la Sinfonía en Do menor. A partir de los agitados e inestables fragmentos temáticos que caracterizan la obra anterior, Kraus desarrolló temas de larga duración que se desarrollan a un ritmo casi épico (al menos para el siglo XVIII).
Kraus también sustituyó las flautas del original por oboes, duplicó el número de trompas y eliminó el tintineo del continuo del clavicémbalo, dando a la orquesta una sonoridad más oscura y pesada. Finalmente, suprimió el tercer movimiento, un breve minué sin el trío adecuado que el público vienés hubiera esperado.
La Sinfonía en Do menor era bien conocida por los músicos a finales del siglo XVIII. Fue publicada por Breitkopf & Härtel en Leipzig en 1797 y se interpretó en la Gewandhaus (la famosa sala de conciertos de la ciudad) en 1817. Por desgracia, Kraus no vivió lo suficiente como para ver estos éxitos o para consolidar su reputación mediante nuevos triunfos; murió de tuberculosis en 1792, a la edad de 36 años.
@ClasicaAlAtardecer
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#SinfoníaDoMenor #VB142 #Kraus #AndreaMarcon
Título: La “Sinfonía en do menor”, VB 142
Autor: Joseph Martin Kraus
Movimientos:
🎵 I. Larghetto – Allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Allegro assai
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Andrea Marcon
@ClasicaAlAtardecer
Título: La “Sinfonía en do menor”, VB 142
Autor: Joseph Martin Kraus
Movimientos:
🎵 I. Larghetto – Allegro
🎵 II. Andante
🎵 III. Allegro assai
Interpretación:
Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt
Director:
Andrea Marcon
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#CaroloftheBells #Shchedryk #MykolaLeontovych #PedroWilhousky #JenniferThomas #GlenGabriel
CAROL OF THE BELLS
Carol of the Bells es un villancico popular, uno de mis preferidos, compuesto por Mykola Leontovych en 1904 y con letra de Pedro J. Wilhousky. La composición se basa en un canto popular conocido en Ucrania como "Shchedryk" y la letra en ingles que escribió en los años '30 Wilhousky tiene derechos de autor, aunque la composición musical no.
La pieza cuenta la historia de una golondrina que vuela por el centro de un barrio para anunciar que se acerca la próxima primavera. El villancico se suele cantar en la noche del 13 de enero que de acuerdo con el calendario juliano equivale al 31 de diciembre, en el que se celebra la «Tarde de generosidad».
La historia popular original relatada en la canción estaba asociada con la llegada del Año Nuevo , que, en la Ucrania precristiana , se celebraba con la llegada de la primavera en abril. El título ucraniano original se traduce como "el generoso" o tal vez se deriva de la palabra ucraniana para abundante (shchedryj ).
Con la introducción del cristianismo en Ucrania y la adopción del calendario juliano , la celebración del Año Nuevo se trasladó de abril a enero, y la festividad con la que originalmente se asoció el canto se convirtió en Malanka (ucraniano: Щедрий вечір , Shchedry vechir ), la víspera del Año Nuevo juliano (la noche del 13 al 14 de enero en el calendario gregoriano). Las canciones cantadas para esta celebración se conocen como Shchedrivky .
La canción fue interpretada por primera vez por estudiantes de la Universidad de Kiev en diciembre de 1916, pero la canción perdió popularidad en Ucrania poco después de que se estableciera la Unión Soviética. Fue presentado al público occidental por el Coro Nacional de Ucrania durante su gira de conciertos de 1919 por Europa y América, donde se estrenó en los Estados Unidos el 5 de octubre de 1922, ante una audiencia con entradas agotadas en el Carnegie Hall. La obra original estaba destinada a ser cantada a capella por un coro mixto a cuatro voces.
Leontovych también creó otros dos escenarios de la composición: uno para coro de mujeres (sin acompañamiento) y otro para coro de niños con acompañamiento de piano. Estos rara vez se realizan o graban.
La música se basa en un ostinato de cuatro notas y está en 3/4 compás, con la campana en si bemol repicando en 6/8 tiempo. El villancico es métricamente biestable, y un oyente puede concentrarse en medir o cambiar entre ellos. Ha sido adaptado para muchos géneros, incluyendo: clásico , metal , jazz , música country , rock , trap y pop . La pieza también aparece en películas, programas de televisión y parodias.
Aunque ganó una fama casi inigualable en los EE. UU., la canción sigue siendo poco apreciada en su país de origen para Navidad, donde la interpretación se restringe principalmente a la víspera de Año Nuevo del calendario juliano.
@ClasicaAlAtardecer
CAROL OF THE BELLS
Carol of the Bells es un villancico popular, uno de mis preferidos, compuesto por Mykola Leontovych en 1904 y con letra de Pedro J. Wilhousky. La composición se basa en un canto popular conocido en Ucrania como "Shchedryk" y la letra en ingles que escribió en los años '30 Wilhousky tiene derechos de autor, aunque la composición musical no.
La pieza cuenta la historia de una golondrina que vuela por el centro de un barrio para anunciar que se acerca la próxima primavera. El villancico se suele cantar en la noche del 13 de enero que de acuerdo con el calendario juliano equivale al 31 de diciembre, en el que se celebra la «Tarde de generosidad».
La historia popular original relatada en la canción estaba asociada con la llegada del Año Nuevo , que, en la Ucrania precristiana , se celebraba con la llegada de la primavera en abril. El título ucraniano original se traduce como "el generoso" o tal vez se deriva de la palabra ucraniana para abundante (shchedryj ).
Con la introducción del cristianismo en Ucrania y la adopción del calendario juliano , la celebración del Año Nuevo se trasladó de abril a enero, y la festividad con la que originalmente se asoció el canto se convirtió en Malanka (ucraniano: Щедрий вечір , Shchedry vechir ), la víspera del Año Nuevo juliano (la noche del 13 al 14 de enero en el calendario gregoriano). Las canciones cantadas para esta celebración se conocen como Shchedrivky .
La canción fue interpretada por primera vez por estudiantes de la Universidad de Kiev en diciembre de 1916, pero la canción perdió popularidad en Ucrania poco después de que se estableciera la Unión Soviética. Fue presentado al público occidental por el Coro Nacional de Ucrania durante su gira de conciertos de 1919 por Europa y América, donde se estrenó en los Estados Unidos el 5 de octubre de 1922, ante una audiencia con entradas agotadas en el Carnegie Hall. La obra original estaba destinada a ser cantada a capella por un coro mixto a cuatro voces.
Leontovych también creó otros dos escenarios de la composición: uno para coro de mujeres (sin acompañamiento) y otro para coro de niños con acompañamiento de piano. Estos rara vez se realizan o graban.
La música se basa en un ostinato de cuatro notas y está en 3/4 compás, con la campana en si bemol repicando en 6/8 tiempo. El villancico es métricamente biestable, y un oyente puede concentrarse en medir o cambiar entre ellos. Ha sido adaptado para muchos géneros, incluyendo: clásico , metal , jazz , música country , rock , trap y pop . La pieza también aparece en películas, programas de televisión y parodias.
Aunque ganó una fama casi inigualable en los EE. UU., la canción sigue siendo poco apreciada en su país de origen para Navidad, donde la interpretación se restringe principalmente a la víspera de Año Nuevo del calendario juliano.
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#CaroloftheBells #Shchedryk #MykolaLeontovych #PedroWilhousky #JenniferThomas #GlenGabriel
Título: Carol of the Bells
Autor: Mykola Leontovych, Pedro J. Wilhousky
Interpretación:
La Sinfonía y el Coro de Ensign
Piano:
Jennifer Thomas
Director:
Glen Gabriel
@ClasicaAlAtardecer
Título: Carol of the Bells
Autor: Mykola Leontovych, Pedro J. Wilhousky
Interpretación:
La Sinfonía y el Coro de Ensign
Piano:
Jennifer Thomas
Director:
Glen Gabriel
Fuente: 🎼@ClasicaAlAtardecer
#Sinfonía5 #LaReforma #Mendelssohn #JérémieRhorer
LA SINFONÍA NO.5 EN RE MAYOR OP. 107
La Sinfonía No.5 en Re Mayor Op. 107, conocida como Sinfonía de la Reforma, fue compuesta por Felix Mendelssohn en 1830, y estrenada en noviembre de 1832, en Berlín. La sinfonía se compuso en honor al tricentenario de la presentación de las confesiones de Augsburgo, también conocidas como Confesión Augustana.
Esta obra fue compuesta en ocasión al tricentenario de la Conferencia de Augsburgo de 1530, en la cual se definió la doctrina de la Iglesia Luterana. Pero el año 1830 fue un año de acontecimientos políticos, recordemos la revolución en Francia que provocó la caída de Carlos X y su repercusión en toda Europa mediante movimientos liberales. Es el primer estallido del nacionalismo. Bélgica y Grecia alcanzan la independencia. Italia busca la unidad nacional. Por este motivo su estreno hubo de posponerse. La prevista presentación en París durante la temporada 1831-32 no se realizó, al encontrar, según los promotores que “la sinfonía era demasiado estudiada, contenía mucho fugato y poca melodía”.
Para la construcción de esta sinfonía Mendelssohn tomó el coral de Lutero, “Ein feste Burg ist unser Gott” de 1529 y el “Dresden Amen”, el cual parece que fue escrito por Johann Naumann (1741-1801). Este tema más tarde fue usado por Wagner en su Parsifal. La orquestación comprende la cuerda, madera y metal habitual, tres trombones, tuba y timbales. Su estructura ha sido muy discutida, algunos diciendo que tiene cuatro movimientos, otros cinco, pero según el propio Mendelssohn tiene tres movimientos. El último está dividido en tres partes interpretadas sin interrupción.
La sinfonía consta de cuatro movimientos:
🎵 I. Andante – Allegro con Fuoco – Andante – meno Allegro
🎵 II. Allegro vivace
🎵 III. Andante
🎵 IV. Chorale: Ein’ feste Burg ist unser Gott. Andante con moto – Allegro vivace – Allegro maestoso
El primer movimiento, andante, allegrop con fuoco, empieza con una solemne introducción lenta, al final de la cual aparece el “Dresden Amen” iniciando la exposición de un vigoroso allegro. El desarrollo con influencias de Beethoven, acaba con un retorno al tema del amén de Dresde, dando paso a la reexposición, que empieza de modo reflexivo, terminando con una solemne coda.
El segundo movimiento, allegro vivace, posee la estructura de un scherzo. Es un movimiento típico de Mendelssohn con dominio del viento. El trío interpretado por el oboe y las cuerdas es muy representativo de su estilo. Termina con una fina coda, desapareciendo lentamente.
El tercer movimiento, andante, empieza con un preámbulo de la parte fundamental de la sinfonía. Es una especie de interludio presentado por las flautas, fagots y cuerda, como una canción sin palabras. Enlaza sin pausa con el siguiente movimiento.
El cuarto movimiento, choral, andante con moto, allegro vivace, allegro maestoso, continúa sin interrupción, con una nota mantenida por las cuerdas graves. Un solo de flauta introduce el coral “Ein feste Burg” en modo lento. La melodía se armoniza con la entrada de violas y violoncelos, acelerándose hasta el allegro. El desarrollo es una especie de fuga con motivos derivados del coral luterano. La sinfonía termina con una solemne coda en tutti orquestal, celebrando a Dios como una Fuerte Fortaleza, en una forma orquestal de los corales de sus oratorios.
Pero la melodía nunca se completa, y la orquesta completa la interrumpe con el comienzo del final propiamente dicho, una declaración vigorosamente positiva para apoyar el triunfo de la Reforma.
Los fragmentos del coral son admitidos en la textura y eventualmente el coral aparece en una fuerte declaración de los vientos. Su cepa final proporciona un cierre del que se han desterrado todos los elementos de duda y conflicto.
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LA SINFONÍA NO.5 EN RE MAYOR OP. 107
La Sinfonía No.5 en Re Mayor Op. 107, conocida como Sinfonía de la Reforma, fue compuesta por Felix Mendelssohn en 1830, y estrenada en noviembre de 1832, en Berlín. La sinfonía se compuso en honor al tricentenario de la presentación de las confesiones de Augsburgo, también conocidas como Confesión Augustana.
Esta obra fue compuesta en ocasión al tricentenario de la Conferencia de Augsburgo de 1530, en la cual se definió la doctrina de la Iglesia Luterana. Pero el año 1830 fue un año de acontecimientos políticos, recordemos la revolución en Francia que provocó la caída de Carlos X y su repercusión en toda Europa mediante movimientos liberales. Es el primer estallido del nacionalismo. Bélgica y Grecia alcanzan la independencia. Italia busca la unidad nacional. Por este motivo su estreno hubo de posponerse. La prevista presentación en París durante la temporada 1831-32 no se realizó, al encontrar, según los promotores que “la sinfonía era demasiado estudiada, contenía mucho fugato y poca melodía”.
Para la construcción de esta sinfonía Mendelssohn tomó el coral de Lutero, “Ein feste Burg ist unser Gott” de 1529 y el “Dresden Amen”, el cual parece que fue escrito por Johann Naumann (1741-1801). Este tema más tarde fue usado por Wagner en su Parsifal. La orquestación comprende la cuerda, madera y metal habitual, tres trombones, tuba y timbales. Su estructura ha sido muy discutida, algunos diciendo que tiene cuatro movimientos, otros cinco, pero según el propio Mendelssohn tiene tres movimientos. El último está dividido en tres partes interpretadas sin interrupción.
La sinfonía consta de cuatro movimientos:
🎵 I. Andante – Allegro con Fuoco – Andante – meno Allegro
🎵 II. Allegro vivace
🎵 III. Andante
🎵 IV. Chorale: Ein’ feste Burg ist unser Gott. Andante con moto – Allegro vivace – Allegro maestoso
El primer movimiento, andante, allegrop con fuoco, empieza con una solemne introducción lenta, al final de la cual aparece el “Dresden Amen” iniciando la exposición de un vigoroso allegro. El desarrollo con influencias de Beethoven, acaba con un retorno al tema del amén de Dresde, dando paso a la reexposición, que empieza de modo reflexivo, terminando con una solemne coda.
El segundo movimiento, allegro vivace, posee la estructura de un scherzo. Es un movimiento típico de Mendelssohn con dominio del viento. El trío interpretado por el oboe y las cuerdas es muy representativo de su estilo. Termina con una fina coda, desapareciendo lentamente.
El tercer movimiento, andante, empieza con un preámbulo de la parte fundamental de la sinfonía. Es una especie de interludio presentado por las flautas, fagots y cuerda, como una canción sin palabras. Enlaza sin pausa con el siguiente movimiento.
El cuarto movimiento, choral, andante con moto, allegro vivace, allegro maestoso, continúa sin interrupción, con una nota mantenida por las cuerdas graves. Un solo de flauta introduce el coral “Ein feste Burg” en modo lento. La melodía se armoniza con la entrada de violas y violoncelos, acelerándose hasta el allegro. El desarrollo es una especie de fuga con motivos derivados del coral luterano. La sinfonía termina con una solemne coda en tutti orquestal, celebrando a Dios como una Fuerte Fortaleza, en una forma orquestal de los corales de sus oratorios.
Pero la melodía nunca se completa, y la orquesta completa la interrumpe con el comienzo del final propiamente dicho, una declaración vigorosamente positiva para apoyar el triunfo de la Reforma.
Los fragmentos del coral son admitidos en la textura y eventualmente el coral aparece en una fuerte declaración de los vientos. Su cepa final proporciona un cierre del que se han desterrado todos los elementos de duda y conflicto.
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