🎥 - LA TRUCHA - 🎥
Duración: 56min
Título Original: The trout
Año: 1969
Director: Christopher Nupen
Reparto: Jacqueline du Pré, Daniel Barenboim, Itzhak Perlman, Pinchas Zukerman, Zubin Mehta
Género: 🎞 Documental
Idioma: Inglés 🇬🇧
Subtítulos: Español 🇪🇸
Sinopsis: cinco jóvenes músicos, destinados a convertirse en artistas internacionales de gran categoría, se unieron para tocar el Quinteto La Trucha de Schubert.
Puntaje IMDB: ⭐️8.5
@ClasicaAlAtardecer
Duración: 56min
Título Original: The trout
Año: 1969
Director: Christopher Nupen
Reparto: Jacqueline du Pré, Daniel Barenboim, Itzhak Perlman, Pinchas Zukerman, Zubin Mehta
Género: 🎞 Documental
Idioma: Inglés 🇬🇧
Subtítulos: Español 🇪🇸
Sinopsis: cinco jóvenes músicos, destinados a convertirse en artistas internacionales de gran categoría, se unieron para tocar el Quinteto La Trucha de Schubert.
Puntaje IMDB: ⭐️8.5
@ClasicaAlAtardecer
La grandeza de DuPre para que todos la vean
06 de julio de 1991 | por LYNN HARRELL
(comentario acerca del lanzamiento de dos documentales referentes a Jacqueline duPre, entre ellos "La Trucha")
#Elgar #Jacqueline_DuPre
1/2
Al escuchar una grabación de la difunta violonchelista Jacqueline duPre, uno puede sentir sus cualidades únicas, pero verla tocar es una revelación.
Tenemos la oportunidad de hacer esto una vez más con el lanzamiento de dos documentales de Teldec ("Jacqueline duPre y el Concierto para Cello de Elgar: Un retrato íntimo de un músico legendario" y "La trucha: El documental histórico de 1969"). Las cintas de video revelan en detalle íntimo y glorioso algo de lo que solo se puede sentir al verla.
Lo que emerge del documental histórico de 1969, de esta figura de Alicia en el país de las maravillas con su largo cabello rubio y su forma de niña es una fuerza, un dinamismo, incluso una musculatura que es totalmente convincente. Y, de una manera mística, hay un poder que parece envolverla también.
Ninguno de nosotros realmente confía en lo que escuchamos en una grabación. Con razón, debido a la manipulación tecnológica involucrada en el proceso. Pero aquí ante nuestros ojos, en el desempeño, nos enfrentamos a una honestidad, un abandono, un amor y un compromiso de un tipo que solo proviene de un artista. No puede ser algo que alguien se ponga, como un traje especial de escenario.
Lo que me asombra tanto no es solo el prodigioso talento y la técnica instrumental de Jacqueline duPre a una edad tan joven, sino que a los 17 años, como vemos aquí, ya tenía su propia voz interior clara e inconfundible.
Nadie expresó vida en el cello como ella lo hizo, ni antes ni después. No tengo ninguna duda en mi mente de que, junto con un grupo muy selecto que incluye a Casals, Feuermann, Piatigorsky, Rostropovich, ella está entre los mejores violoncelistas de todos los tiempos.
Esto se manifiesta claramente porque el director Christopher Nupen la conocía y la quería profundamente. Ella no está "en un papel de actuación" en las entrevistas con Nupen; ella sólo se revela a sí misma. Habla con afecto de sus instrumentos, dos de los mejores violoncelos de Stradivari, donados de forma anónima a ella, según algunos, por el príncipe Carlos, quien recibió lecciones de ella una vez. Ella a su vez recibió instrucciones de grandes maestros: el fascinante violonchelista británico William Pleeth, Casals en clase magistral, Rostropovich en Moscú.
La vemos y la escuchamos cuando era una jovencita de unos 20 años. Sin embargo, menos de 15 años después, ella estaba en una silla de ruedas, derribada por la esclerosis múltiple, la enfermedad que se llevó su vida de manera tan trágica.
Pero cuando toca, todo el concierto de Elgar, está más allá de la edad, más allá del género, más allá de la nacionalidad e, incluso, más allá de sí misma.
El Elgar es una obra colosal, como un gigante dormido. Es una elegía para un imperio agonizante, para el mundo de Elgar, un mundo que pereció en las trincheras de la Gran Guerra de 1914. Las líneas arqueadas y dolorosas del movimiento lento, hasta el día de hoy, detienen mi corazón y es donde solo puedo pensar en la interpretación de Jackie.
Tenía unos 20 años cuando la escuché por primera vez. Al principio, me disgustó su toque. Me indigné, tal vez porque crecí admirando a Leonard Rose, el violonchelista con la delicadeza más bella de todos los tiempos.
Aquí estaba esta niña como una pantera salvaje, masticando esta pieza y escupiéndola. Para cuando terminó el Elgar, yo sabía que me había afectado y cambiado. Como todos quienes tuvimos el privilegio de poderla escuchar.
Estas películas capturan ese espíritu y el misterio de su arte.
@ClasicaAlAtardecer
06 de julio de 1991 | por LYNN HARRELL
(comentario acerca del lanzamiento de dos documentales referentes a Jacqueline duPre, entre ellos "La Trucha")
#Elgar #Jacqueline_DuPre
1/2
Al escuchar una grabación de la difunta violonchelista Jacqueline duPre, uno puede sentir sus cualidades únicas, pero verla tocar es una revelación.
Tenemos la oportunidad de hacer esto una vez más con el lanzamiento de dos documentales de Teldec ("Jacqueline duPre y el Concierto para Cello de Elgar: Un retrato íntimo de un músico legendario" y "La trucha: El documental histórico de 1969"). Las cintas de video revelan en detalle íntimo y glorioso algo de lo que solo se puede sentir al verla.
Lo que emerge del documental histórico de 1969, de esta figura de Alicia en el país de las maravillas con su largo cabello rubio y su forma de niña es una fuerza, un dinamismo, incluso una musculatura que es totalmente convincente. Y, de una manera mística, hay un poder que parece envolverla también.
Ninguno de nosotros realmente confía en lo que escuchamos en una grabación. Con razón, debido a la manipulación tecnológica involucrada en el proceso. Pero aquí ante nuestros ojos, en el desempeño, nos enfrentamos a una honestidad, un abandono, un amor y un compromiso de un tipo que solo proviene de un artista. No puede ser algo que alguien se ponga, como un traje especial de escenario.
Lo que me asombra tanto no es solo el prodigioso talento y la técnica instrumental de Jacqueline duPre a una edad tan joven, sino que a los 17 años, como vemos aquí, ya tenía su propia voz interior clara e inconfundible.
Nadie expresó vida en el cello como ella lo hizo, ni antes ni después. No tengo ninguna duda en mi mente de que, junto con un grupo muy selecto que incluye a Casals, Feuermann, Piatigorsky, Rostropovich, ella está entre los mejores violoncelistas de todos los tiempos.
Esto se manifiesta claramente porque el director Christopher Nupen la conocía y la quería profundamente. Ella no está "en un papel de actuación" en las entrevistas con Nupen; ella sólo se revela a sí misma. Habla con afecto de sus instrumentos, dos de los mejores violoncelos de Stradivari, donados de forma anónima a ella, según algunos, por el príncipe Carlos, quien recibió lecciones de ella una vez. Ella a su vez recibió instrucciones de grandes maestros: el fascinante violonchelista británico William Pleeth, Casals en clase magistral, Rostropovich en Moscú.
La vemos y la escuchamos cuando era una jovencita de unos 20 años. Sin embargo, menos de 15 años después, ella estaba en una silla de ruedas, derribada por la esclerosis múltiple, la enfermedad que se llevó su vida de manera tan trágica.
Pero cuando toca, todo el concierto de Elgar, está más allá de la edad, más allá del género, más allá de la nacionalidad e, incluso, más allá de sí misma.
El Elgar es una obra colosal, como un gigante dormido. Es una elegía para un imperio agonizante, para el mundo de Elgar, un mundo que pereció en las trincheras de la Gran Guerra de 1914. Las líneas arqueadas y dolorosas del movimiento lento, hasta el día de hoy, detienen mi corazón y es donde solo puedo pensar en la interpretación de Jackie.
Tenía unos 20 años cuando la escuché por primera vez. Al principio, me disgustó su toque. Me indigné, tal vez porque crecí admirando a Leonard Rose, el violonchelista con la delicadeza más bella de todos los tiempos.
Aquí estaba esta niña como una pantera salvaje, masticando esta pieza y escupiéndola. Para cuando terminó el Elgar, yo sabía que me había afectado y cambiado. Como todos quienes tuvimos el privilegio de poderla escuchar.
Estas películas capturan ese espíritu y el misterio de su arte.
@ClasicaAlAtardecer
#Delius #SaintSäens #JacquelineDuPré
2/2
La relación personal de Nupen con estos músicos le permitía total libertad, incluso licencia. Él los dejó ser como eran. El resultado es una mirada franca y radiante a las luminarias de hoy al comienzo de sus carreras.
Jackie siempre será joven para nosotros debido al simple y espantoso hecho de que se vio obligada a dejar de tocar tan pronto, a los 20 años.
Pero cuando pensamos en Itzhak Perlman, invitado honorífico habitual en la Casa Blanca, portavoz de personas con discapacidades en todo el mundo, anciano estadista de "Sesame Street"... y cuando pensamos en Zubin Mehta, laureado director... o cuando pensamos en el marido de Jackie, Daniel Barenboim, sabio y canoso, como director musical de la Sinfónica de Chicago... o en Pinchas Zukerman, ídolo y gurú de jóvenes talentos del violín... Bueno, estamos hablando de autoridades en el mundo musical de nuestro tiempo.
Qué maravilloso, y qué placer, verlos hace casi 25 años en el documental de Nupen sobre la grabación de Schubert: jugando como cachorritos para, entre bromas, regalarnos el glorioso Quinteto "La trucha".
Vemos a los espíritus elevados, las caras jóvenes y toda su travesura musical. Itzhak tocando "El vuelo del moscardón" en el chelo de Jackie, y tocándolo increíblemente bien. Zubin, un conductor de pleno derecho incluso entonces, ya un poco incómodo en su contrabajo. Daniel, un poco mandón y desaprobando tanta diversión a su alrededor. Pinchas, el bohemio del grupo. Y a Jackie, a quien amaban y admiraban, y por quien todos suspiraban, que se muestra aquí en toda su gracia.
Y qué maravillosa, maravillosa actuación cuando finalmente llega.
Cómo no darse cuenta de que Schubert escribió el Quinteto "La trucha" cuando tenía la edad que estos jóvenes, y que también lo escribió para amigos de esa edad.
Está lleno de sol, de gozo, belleza libre y fluida, e infinita ternura. Y este grupo lo captura todo.
Tienen grandeza ahora. Pero entonces, tenían algo casi inmortal... La bendición de la juventud.
Cuando pienso en la clase que dicto en la universidad, creo que debería tomarme la mitad del semestre y sentar a los jóvenes músicos que son mis estudiantes frente a estos dos videos una y otra vez. . . hasta que les llegue la magia. Ese amor por la música, el compromiso, el entusiasmo que viene de los huesos, no de la ambición, para lograr que la propia voz interior suene verdadera. Esto es hacer música como debe ser.
Nos enfrenta aquí por fin con estos maravillosos, valiosos y muy atesorados documentales.
@ClasicaAlAtardecer
2/2
La relación personal de Nupen con estos músicos le permitía total libertad, incluso licencia. Él los dejó ser como eran. El resultado es una mirada franca y radiante a las luminarias de hoy al comienzo de sus carreras.
Jackie siempre será joven para nosotros debido al simple y espantoso hecho de que se vio obligada a dejar de tocar tan pronto, a los 20 años.
Pero cuando pensamos en Itzhak Perlman, invitado honorífico habitual en la Casa Blanca, portavoz de personas con discapacidades en todo el mundo, anciano estadista de "Sesame Street"... y cuando pensamos en Zubin Mehta, laureado director... o cuando pensamos en el marido de Jackie, Daniel Barenboim, sabio y canoso, como director musical de la Sinfónica de Chicago... o en Pinchas Zukerman, ídolo y gurú de jóvenes talentos del violín... Bueno, estamos hablando de autoridades en el mundo musical de nuestro tiempo.
Qué maravilloso, y qué placer, verlos hace casi 25 años en el documental de Nupen sobre la grabación de Schubert: jugando como cachorritos para, entre bromas, regalarnos el glorioso Quinteto "La trucha".
Vemos a los espíritus elevados, las caras jóvenes y toda su travesura musical. Itzhak tocando "El vuelo del moscardón" en el chelo de Jackie, y tocándolo increíblemente bien. Zubin, un conductor de pleno derecho incluso entonces, ya un poco incómodo en su contrabajo. Daniel, un poco mandón y desaprobando tanta diversión a su alrededor. Pinchas, el bohemio del grupo. Y a Jackie, a quien amaban y admiraban, y por quien todos suspiraban, que se muestra aquí en toda su gracia.
Y qué maravillosa, maravillosa actuación cuando finalmente llega.
Cómo no darse cuenta de que Schubert escribió el Quinteto "La trucha" cuando tenía la edad que estos jóvenes, y que también lo escribió para amigos de esa edad.
Está lleno de sol, de gozo, belleza libre y fluida, e infinita ternura. Y este grupo lo captura todo.
Tienen grandeza ahora. Pero entonces, tenían algo casi inmortal... La bendición de la juventud.
Cuando pienso en la clase que dicto en la universidad, creo que debería tomarme la mitad del semestre y sentar a los jóvenes músicos que son mis estudiantes frente a estos dos videos una y otra vez. . . hasta que les llegue la magia. Ese amor por la música, el compromiso, el entusiasmo que viene de los huesos, no de la ambición, para lograr que la propia voz interior suene verdadera. Esto es hacer música como debe ser.
Nos enfrenta aquí por fin con estos maravillosos, valiosos y muy atesorados documentales.
@ClasicaAlAtardecer
#Beethoven #GrigorySokolov
El "Rondo alla ingharese quasi un capriccio" en sol mayor, op. 129 (en italiano, "Rondo en el estilo húngaro [es decir, gitano], casi un capricho"), es un rondo para piano de Ludwig van Beethoven. Es más conocido por el título Rabia por un penique perdido, descargada en un capricho (del alemán: Die Wut über den verlorenen Groschen, ausgetobt en einer Caprice). Este título aparece en el manuscrito del autógrafo, pero no en la mano de Beethoven, y ha sido atribuido a su amigo Anton Schindler. Es uno de los favoritos del público y se realiza con frecuencia como una pieza de espectáculo.
A pesar del número de opus tardío, la composición de la obra ha sido fechada entre 1795 y 1798. Beethoven dejó la pieza inédita e incompleta; fue publicada en 1828 por Anton Diabelli, quien ocultó el hecho de que se había dejado sin terminar. El tiempo de ejecución se extiende entre cinco y seis minutos; El tempo de la pieza es Allegro vivace (132–160).
La indicación alla ingharese es interesante, ya que en italiano estándar no existe la palabra "ingharese". Para la gente de la época de Beethoven, "música gitana" y "música húngara" eran expresiones sinónimas. Beethoven parece haber combinado alla zingarese (en el estilo gitano) y all'ongarese (en el estilo húngaro) para crear un término único alla ingharese.
Robert Schumann escribió sobre la obra que "sería difícil encontrar algo más divertido que este capricho... Es la ira más amable e inofensiva, similar a la que se siente cuando uno no puede sacar un zapato del pie". Schumann se refería a esta obra como un ejemplo de la terrenalidad de Beethoven para oponerse a aquellos que se obsesionaban en divinizar al compositor.
Esta versión de la obra está interpretada por Grigory Sokolov, quien actualmente está considerado por muchos como uno de los mayores pianistas vivientes.
(Texto extraído de Wikipedia)
@ClasicaAlAtardecer
El "Rondo alla ingharese quasi un capriccio" en sol mayor, op. 129 (en italiano, "Rondo en el estilo húngaro [es decir, gitano], casi un capricho"), es un rondo para piano de Ludwig van Beethoven. Es más conocido por el título Rabia por un penique perdido, descargada en un capricho (del alemán: Die Wut über den verlorenen Groschen, ausgetobt en einer Caprice). Este título aparece en el manuscrito del autógrafo, pero no en la mano de Beethoven, y ha sido atribuido a su amigo Anton Schindler. Es uno de los favoritos del público y se realiza con frecuencia como una pieza de espectáculo.
A pesar del número de opus tardío, la composición de la obra ha sido fechada entre 1795 y 1798. Beethoven dejó la pieza inédita e incompleta; fue publicada en 1828 por Anton Diabelli, quien ocultó el hecho de que se había dejado sin terminar. El tiempo de ejecución se extiende entre cinco y seis minutos; El tempo de la pieza es Allegro vivace (132–160).
La indicación alla ingharese es interesante, ya que en italiano estándar no existe la palabra "ingharese". Para la gente de la época de Beethoven, "música gitana" y "música húngara" eran expresiones sinónimas. Beethoven parece haber combinado alla zingarese (en el estilo gitano) y all'ongarese (en el estilo húngaro) para crear un término único alla ingharese.
Robert Schumann escribió sobre la obra que "sería difícil encontrar algo más divertido que este capricho... Es la ira más amable e inofensiva, similar a la que se siente cuando uno no puede sacar un zapato del pie". Schumann se refería a esta obra como un ejemplo de la terrenalidad de Beethoven para oponerse a aquellos que se obsesionaban en divinizar al compositor.
Esta versión de la obra está interpretada por Grigory Sokolov, quien actualmente está considerado por muchos como uno de los mayores pianistas vivientes.
(Texto extraído de Wikipedia)
@ClasicaAlAtardecer
#Bach #JeanPierreRampal
La badinerie o badinage es una danza breve y muy viva. Toma su nombre del verbo francés badiner (bromear).
El término comenzó a usarse debido a la inclusión de esta danza como uno de los movimientos de la suite barroca, al verse como una pieza breve, juguetona y alegre.
La Badinerie de la Suite orquestal Nº2 para flauta, cuerdas y continuo, BWV 1067 de Johann Sebastian Bach, es posiblemente el ejemplo más brillante y conocido de badinerie en la historia de la música.
Esta pieza, que es el último movimiento de la mencionada Suite, es de deslumbrante vivacidad y tiene un tema pegadizo que inevitablemente permanece impregnado en la memoria.
Esta versión de la obra está interpretada por Jean-Pierre Rampal con la Orquesta de cámara de Jean-François Paillard.
Jean-Pierre Rampal (n. 7 de enero de 1922, Marsella - † 20 de mayo de 2000) fue un flautista francés y ha sido reconocido por devolver a la flauta su popularidad como instrumento clásico solista, popularidad que no tenía desde el siglo XVIII.
(Texto extraído de Wikipedia)
@ClasicaAlAtardecer
La badinerie o badinage es una danza breve y muy viva. Toma su nombre del verbo francés badiner (bromear).
El término comenzó a usarse debido a la inclusión de esta danza como uno de los movimientos de la suite barroca, al verse como una pieza breve, juguetona y alegre.
La Badinerie de la Suite orquestal Nº2 para flauta, cuerdas y continuo, BWV 1067 de Johann Sebastian Bach, es posiblemente el ejemplo más brillante y conocido de badinerie en la historia de la música.
Esta pieza, que es el último movimiento de la mencionada Suite, es de deslumbrante vivacidad y tiene un tema pegadizo que inevitablemente permanece impregnado en la memoria.
Esta versión de la obra está interpretada por Jean-Pierre Rampal con la Orquesta de cámara de Jean-François Paillard.
Jean-Pierre Rampal (n. 7 de enero de 1922, Marsella - † 20 de mayo de 2000) fue un flautista francés y ha sido reconocido por devolver a la flauta su popularidad como instrumento clásico solista, popularidad que no tenía desde el siglo XVIII.
(Texto extraído de Wikipedia)
@ClasicaAlAtardecer
#Gorécki #SinfoníaCoral
SINFONÍA N.º 3 (GÓRECKI)
Sinfonía de las lamentaciones (en polaco Symfonia pieśni żałosnych), es una sinfonía en tres movimientos compuesta por el compositor Henryk Gorécki en Katowice, Polonia, entre octubre y diciembre de 1976.
Esta obra es representativa de la transición del compositor entre un estilo disonante y otro más tonal.
La sinfonía está escrita para orquesta y soprano. Ésta canta un texto polaco distinto en cada uno de los tres movimientos:
- en el primero, un lamento atribuido a la Vírgen María escrito en el siglo XV;
- en el segundo, un mensaje escrito en la pared de una cárcel de la Gestapo durante la Segunda Guerra Mundial;
- en el tercero, una canción folclórica sobre una madre que busca a su hijo, asesinado durante la insurrección silesia de 1919.
El tema central de la sinfonía es el de la maternidad y la separación de los seres queridos por culpa de la guerra.
Disco de oro en Gran Bretaña.
(Texto extraído de Wikipedia)
@ClasicaAlAtardecer
SINFONÍA N.º 3 (GÓRECKI)
Sinfonía de las lamentaciones (en polaco Symfonia pieśni żałosnych), es una sinfonía en tres movimientos compuesta por el compositor Henryk Gorécki en Katowice, Polonia, entre octubre y diciembre de 1976.
Esta obra es representativa de la transición del compositor entre un estilo disonante y otro más tonal.
La sinfonía está escrita para orquesta y soprano. Ésta canta un texto polaco distinto en cada uno de los tres movimientos:
- en el primero, un lamento atribuido a la Vírgen María escrito en el siglo XV;
- en el segundo, un mensaje escrito en la pared de una cárcel de la Gestapo durante la Segunda Guerra Mundial;
- en el tercero, una canción folclórica sobre una madre que busca a su hijo, asesinado durante la insurrección silesia de 1919.
El tema central de la sinfonía es el de la maternidad y la separación de los seres queridos por culpa de la guerra.
Disco de oro en Gran Bretaña.
(Texto extraído de Wikipedia)
@ClasicaAlAtardecer