#Sinfonía9 #Dvořák #SergiuCelibidache
LA “SINFONÍA Nº 9 EN MI MENOR” (DESDE EL NUEVO MUNDO) OP.95, B 178
La “Sinfonía Nº 9 en mi menor” (Desde el Nuevo Mundo) Op.95, B 178 fue compuesta entre el 10 de enero y el 24 de mayo de 1893. Se estrenó por la orquesta Filarmónica de Nueva York, dirigida por el director húngaro Anton Seidl, el 16 de diciembre de 1893 en el Carneglie Hall. El éxito según la crítica de la época fue arrollador.
Según el propio Dvořak no usa temas americanos en la obra, solo crea melodías con el espíritu nacionalista del país en el cual la obra fue creada. La estructura empleada es la forma sonata clásica en los dos movimientos extremos, mientras que los intermedios tienen construcción ternaria en forma de lied.
La obra tiene cuatro movimientos:
🎵 Adagio, 4/8 - Allegro molto, 2/4 en mi menor.
🎵 Largo, 4/4 en re bemol mayor, más tarde en do sostenido menor.
🎵 Scherzo: Molto vivace - Poco sostenuto, 3/4, en mi menor.
🎵 Allegro con fuoco, 4/4 en mi menor.
El primer movimiento empieza con una introducción adagio, una triste frase que es presentada por la cuerda grave. Después una llamada de la trompa, es contestada por las maderas de un modo mas consolador. Sigue una sección dramática que prepara el allegro molto. El primer tema es presentado por la trompa con la respuesta del oboe. El tema pasa al tutti orquestal. Luego aparece el segundo tema. La flauta cierra la exposición con una melódica interpretación del tercer tema, parecido a un famoso espiritual negro norteamericano. El desarrollo empieza con este tema por medio de una variación de carácter épico, hasta la nueva aparición del primer tema que enlaza con la sección de recapitulación, que repite los tres temas. Termina con un dramático regreso al tema principal que concluye mediante una poderosa coda.
El segundo movimiento es un largo que empieza con unos compases de introducción, hasta que el corno inglés presenta el tema principal, una triste melodía de sabor negro colonial. Los violines repiten mas tarde el melancólico tema, que concluye nuevamente el corno inglés. En la parte central los oboes y flautas exponen un nuevo tema esperanzador, que es repetido con mas tristeza por los violines. Pero repentinamente el oboe empieza un tema danzante que pasa a la orquesta, llevándola a un climax, escuchándose el tema del primer movimiento. Se vuelve a la repetición de la primera parte con el tema del corno inglés, terminando con una etérea coda.
El scherzo empieza con una ondulada melodía fuertemente rítmica, marcada con golpes del timbal. El segundo elemento del scherzo es una variación del tema principal del largo que interpreta el corno inglés. Luego se repite la primera sección. El trio tiene el sabor del folclore checo. Termina con la repetición del scherzo y una extensa coda en que aparece nuevamente el tema principal del primer movimiento y el tercero que interpretaba la flauta.
El último movimiento es un allegro con fuoco. Después de una introducción de la cuerda, las trompas y trompetas introducen el tema principal de ritmo marcial. Los violines aumentan con su ritmo la velocidad del movimiento, hasta su dilución al aparecer el segundo tema melódico en el clarinete, que continúan los violines, terminando la exposición.
En el desarrollo se combinan elementos de los tres últimos movimientos. El tema principal abre la recapitulación seguido del segundo tema en los violines. Antes de terminar se recuerdan los temas de los cuatro movimientos. Con lo cual hace una unión cíclica de la estructura de la sinfonía. En la coda aparece nuevamente el tema principal del primer movimiento, terminando con una conclusiva stretta.
@ClasicaAlAtardecer
LA “SINFONÍA Nº 9 EN MI MENOR” (DESDE EL NUEVO MUNDO) OP.95, B 178
La “Sinfonía Nº 9 en mi menor” (Desde el Nuevo Mundo) Op.95, B 178 fue compuesta entre el 10 de enero y el 24 de mayo de 1893. Se estrenó por la orquesta Filarmónica de Nueva York, dirigida por el director húngaro Anton Seidl, el 16 de diciembre de 1893 en el Carneglie Hall. El éxito según la crítica de la época fue arrollador.
Según el propio Dvořak no usa temas americanos en la obra, solo crea melodías con el espíritu nacionalista del país en el cual la obra fue creada. La estructura empleada es la forma sonata clásica en los dos movimientos extremos, mientras que los intermedios tienen construcción ternaria en forma de lied.
La obra tiene cuatro movimientos:
🎵 Adagio, 4/8 - Allegro molto, 2/4 en mi menor.
🎵 Largo, 4/4 en re bemol mayor, más tarde en do sostenido menor.
🎵 Scherzo: Molto vivace - Poco sostenuto, 3/4, en mi menor.
🎵 Allegro con fuoco, 4/4 en mi menor.
El primer movimiento empieza con una introducción adagio, una triste frase que es presentada por la cuerda grave. Después una llamada de la trompa, es contestada por las maderas de un modo mas consolador. Sigue una sección dramática que prepara el allegro molto. El primer tema es presentado por la trompa con la respuesta del oboe. El tema pasa al tutti orquestal. Luego aparece el segundo tema. La flauta cierra la exposición con una melódica interpretación del tercer tema, parecido a un famoso espiritual negro norteamericano. El desarrollo empieza con este tema por medio de una variación de carácter épico, hasta la nueva aparición del primer tema que enlaza con la sección de recapitulación, que repite los tres temas. Termina con un dramático regreso al tema principal que concluye mediante una poderosa coda.
El segundo movimiento es un largo que empieza con unos compases de introducción, hasta que el corno inglés presenta el tema principal, una triste melodía de sabor negro colonial. Los violines repiten mas tarde el melancólico tema, que concluye nuevamente el corno inglés. En la parte central los oboes y flautas exponen un nuevo tema esperanzador, que es repetido con mas tristeza por los violines. Pero repentinamente el oboe empieza un tema danzante que pasa a la orquesta, llevándola a un climax, escuchándose el tema del primer movimiento. Se vuelve a la repetición de la primera parte con el tema del corno inglés, terminando con una etérea coda.
El scherzo empieza con una ondulada melodía fuertemente rítmica, marcada con golpes del timbal. El segundo elemento del scherzo es una variación del tema principal del largo que interpreta el corno inglés. Luego se repite la primera sección. El trio tiene el sabor del folclore checo. Termina con la repetición del scherzo y una extensa coda en que aparece nuevamente el tema principal del primer movimiento y el tercero que interpretaba la flauta.
El último movimiento es un allegro con fuoco. Después de una introducción de la cuerda, las trompas y trompetas introducen el tema principal de ritmo marcial. Los violines aumentan con su ritmo la velocidad del movimiento, hasta su dilución al aparecer el segundo tema melódico en el clarinete, que continúan los violines, terminando la exposición.
En el desarrollo se combinan elementos de los tres últimos movimientos. El tema principal abre la recapitulación seguido del segundo tema en los violines. Antes de terminar se recuerdan los temas de los cuatro movimientos. Con lo cual hace una unión cíclica de la estructura de la sinfonía. En la coda aparece nuevamente el tema principal del primer movimiento, terminando con una conclusiva stretta.
@ClasicaAlAtardecer
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#Sinfonía9 #Dvořák #SergiuCelibidache
Título: La “Sinfonía Nº 9 en mi menor”, Op.95, B 178
Autor: Antonín Dvořák
Movimientos:
🎵 Adagio, 4/8 - Allegro molto, 2/4 en mi menor.
🎵 Largo, 4/4 en re bemol mayor, más tarde en do sostenido menor.
🎵 Scherzo: Molto vivace - Poco sostenuto, 3/4, en mi menor.
🎵 Allegro con fuoco, 4/4 en mi menor.
Interpretación:
Filarmónica de Múnich
Director:
Sergiu Celibidache
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: La “Sinfonía Nº 9 en mi menor”, Op.95, B 178
Autor: Antonín Dvořák
Movimientos:
🎵 Adagio, 4/8 - Allegro molto, 2/4 en mi menor.
🎵 Largo, 4/4 en re bemol mayor, más tarde en do sostenido menor.
🎵 Scherzo: Molto vivace - Poco sostenuto, 3/4, en mi menor.
🎵 Allegro con fuoco, 4/4 en mi menor.
Interpretación:
Filarmónica de Múnich
Director:
Sergiu Celibidache
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
#Sinfonía9 #Dvořák #JesúsEcheverría
LA SERENATA PARA CUERDAS EN MI MAYOR, OP. 22
La serenata para cuerdas en mi mayor, op. 22, es una obra de cinco movimientos compuesta por Antonín Dvořák en 1875. La partitura se publicó en 1877 en su versión a dúo de piano y en 1879 en su instrumentación original. La Serenata sigue siendo una de las obras más populares de Dvořák hasta el día de hoy.
Se dice que Dvořák escribió la Serenata en solo 12 días, del 3 al 14 de mayo. La pieza fue estrenada en Praga el 10 de diciembre de 1876 por Adolf Čech y las orquestas combinadas de los teatros checo y alemán. Fue publicado en 1877 en el arreglo a dúo de piano del compositor por Emanuel Starý en Praga.
La Serenata para cuerdas de Dvořák consta de cinco movimientos:
🎵 Moderato
🎵 Tempo di Valse
🎵 Scherzo : Vivace
🎵 Larghetto
🎵 Final: Allegro vivace
El primer movimiento comienza con la Serenata en la clave de Mi mayor. Los segundos violines y violonchelos introducen el tema principal lírico sobre un pulso de corchea en las violas . El tema se intercambia de un lado a otro, y los segundos violines lo repiten bajo un pasaje altísimo en los primeros.
El segundo movimiento, un vals, se abre con una melodía de danza cadenciosa en C ♯ menor. La primera sección se repite y la segunda sección comienza en mi mixolidio. Una cadena de corcheas en los violines pasa al segundo tema en La mayor. El primer tema regresa y la Parte A se cierra con un acorde menor cadencial fortissimo C sostenido .
Parte B se abre con una modulación en el enarmónica paralelo importante de D ♭ importante. Se desarrolla el tema de esta sección y luego regresa la Parte A. El movimiento termina en un acorde de C ♯ mayor.
El tercer movimiento es un Scherzo vivo e hiperactivo en fa mayor . El tema se enuncia y posteriormente se desarrolla en secciones de diferentes tempos y estados de ánimo, incluida una incursión en La mayor ñ. El movimiento más monotemático hasta ahora, el scherzo termina con una coda que combina material del scherzo y el trío.
El lento movimiento de la Serenata es tranquilo y melancólico. Sus fluidas melodías y tiernas frases forman un amortiguador entre los vigorosos movimientos tercero y quinto. El tercer tema del segundo movimiento se cita repetidamente a lo largo.
El quinto movimiento es un final alegre y poco convencional que transmite el espíritu de un baile de pueblo bohemio. El tema principal es una figura descendente basada en tercios con acentos en ritmos débiles. Más material temático entra en el compás 32 mientras los violines y los chelos intercambian llamadas y respuestas sobre corcheas en las violas. Un tercer tema basado principalmente en optimistas de semicorchea aparece en el compás 87. Aparece un recuerdo nostálgico de la melodía del Larghetto anterior y luego desaparece en diminuendos.
Dado que Dvořák estaba solo en el umbral de desarrollar un estilo individual, tal vez no sea sorprendente que esta Serenata ligeramente inusual pero extremadamente lograda y agradable es la primera de sus composiciones en la que es probable que un oyente distante descubra el encanto.
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LA SERENATA PARA CUERDAS EN MI MAYOR, OP. 22
La serenata para cuerdas en mi mayor, op. 22, es una obra de cinco movimientos compuesta por Antonín Dvořák en 1875. La partitura se publicó en 1877 en su versión a dúo de piano y en 1879 en su instrumentación original. La Serenata sigue siendo una de las obras más populares de Dvořák hasta el día de hoy.
Se dice que Dvořák escribió la Serenata en solo 12 días, del 3 al 14 de mayo. La pieza fue estrenada en Praga el 10 de diciembre de 1876 por Adolf Čech y las orquestas combinadas de los teatros checo y alemán. Fue publicado en 1877 en el arreglo a dúo de piano del compositor por Emanuel Starý en Praga.
La Serenata para cuerdas de Dvořák consta de cinco movimientos:
🎵 Moderato
🎵 Tempo di Valse
🎵 Scherzo : Vivace
🎵 Larghetto
🎵 Final: Allegro vivace
El primer movimiento comienza con la Serenata en la clave de Mi mayor. Los segundos violines y violonchelos introducen el tema principal lírico sobre un pulso de corchea en las violas . El tema se intercambia de un lado a otro, y los segundos violines lo repiten bajo un pasaje altísimo en los primeros.
El segundo movimiento, un vals, se abre con una melodía de danza cadenciosa en C ♯ menor. La primera sección se repite y la segunda sección comienza en mi mixolidio. Una cadena de corcheas en los violines pasa al segundo tema en La mayor. El primer tema regresa y la Parte A se cierra con un acorde menor cadencial fortissimo C sostenido .
Parte B se abre con una modulación en el enarmónica paralelo importante de D ♭ importante. Se desarrolla el tema de esta sección y luego regresa la Parte A. El movimiento termina en un acorde de C ♯ mayor.
El tercer movimiento es un Scherzo vivo e hiperactivo en fa mayor . El tema se enuncia y posteriormente se desarrolla en secciones de diferentes tempos y estados de ánimo, incluida una incursión en La mayor ñ. El movimiento más monotemático hasta ahora, el scherzo termina con una coda que combina material del scherzo y el trío.
El lento movimiento de la Serenata es tranquilo y melancólico. Sus fluidas melodías y tiernas frases forman un amortiguador entre los vigorosos movimientos tercero y quinto. El tercer tema del segundo movimiento se cita repetidamente a lo largo.
El quinto movimiento es un final alegre y poco convencional que transmite el espíritu de un baile de pueblo bohemio. El tema principal es una figura descendente basada en tercios con acentos en ritmos débiles. Más material temático entra en el compás 32 mientras los violines y los chelos intercambian llamadas y respuestas sobre corcheas en las violas. Un tercer tema basado principalmente en optimistas de semicorchea aparece en el compás 87. Aparece un recuerdo nostálgico de la melodía del Larghetto anterior y luego desaparece en diminuendos.
Dado que Dvořák estaba solo en el umbral de desarrollar un estilo individual, tal vez no sea sorprendente que esta Serenata ligeramente inusual pero extremadamente lograda y agradable es la primera de sus composiciones en la que es probable que un oyente distante descubra el encanto.
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#Sinfonía9 #Dvořák #JesúsEcheverría
Título: La serenata para cuerdas en mi mayor, op. 22
Autor: Antonín Dvořák
Movimientos:
🎵 Moderato
🎵 Tempo di Valse
🎵 Scherzo : Vivace
🎵 Larghetto
🎵 Final: Allegro vivace
Interpretación:
Orquesta de Cuerda Civitas Musicae
Director:
Jesús Echeverría
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: La serenata para cuerdas en mi mayor, op. 22
Autor: Antonín Dvořák
Movimientos:
🎵 Moderato
🎵 Tempo di Valse
🎵 Scherzo : Vivace
🎵 Larghetto
🎵 Final: Allegro vivace
Interpretación:
Orquesta de Cuerda Civitas Musicae
Director:
Jesús Echeverría
Fuente: 🎼
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#SerenataDeLasCallesDeMadrid #Boccherini #ManfredKraemer #PabloValentti #AngeloBartoletti #BrunoCocset #AntoineLadrete
MÚSICA NOCTURNA DE LAS CALLES DE MADRID
Serenata de las calles de Madrid (en italiano, Musica notturna delle strade di Madrid) Op. 30 n.º 6 (G. 324), es un quintettino (quinteto) para instrumentos de cuerda compuesto alrededor de 1780 por Luigi Boccherini, compositor italiano al servicio de la Corte española desde 1761 hasta 1805. La obra describe las bulliciosas calles de la noche de Madrid.
El compositor italiano Luigi Boccherini fue contratado para la Corte española por el infante Luis de Borbón y Farnesio, hermano del rey Carlos III de España. Por haberse casado el infante con María Teresa de Vallabriga, el rey Carlos exilió a éste de la Corte de Madrid al palacio de Arenas de San Pedro, provincia de Ávila. Boccherini se unió al exilio como cortesano de Luis Antonio y tuvo mucho tiempo para la composición, donde completó más de un centenar de piezas.
La obra describe las bulliciosas calles de la noche de Madrid. Sobre la composición, el crítico Jaume Tortella, escribe:
Tomando su inspiración de escenas nocturnas de la calle de Madrid, que parece mirar con nostalgia a la alegría y el bullicio de la capital de España, recordando el sonido de las campanas de las iglesias de la ciudad en su llamada para la oración vespertina, los bailes populares que fueron el deleite de sus jóvenes y los mendigos ciegos tocando sus típicas viellas de rueda hasta que los soldados de la guarnición local dan el toque de Retreta de medianoche con su recogida en los cuarteles.
La pieza se hizo famosa en España durante la vida de Boccherini. Sus versiones más conocidas son los arreglos de la Ritirata (Retreta), el movimiento incorporado al quinteto de piano (G. 418) y el quinteto de guitarras (G. 453). Música nocturna de las calles de Madrid fue publicada años después de la muerte de Boccherini, porque le dijo a su editor: «La obra es absolutamente inútil, incluso ridícula, fuera de España, porque el público no puede esperar entender su significado, ni los artistas que la desempeñan cómo debe ser interpretada».
La Ritirata se hizo muy conocida desde el renacimiento del interés por la música de Luigi Boccherini a mediados del siglo XX. Luciano Berio la utilizó como base para una composición que superponía los cuatro arreglos que se conocen de la Ritirata, todos interpretados al mismo tiempo, yendo y viniendo de forma sincrónica y asincrónica.
@ClasicaAlAtardecer
MÚSICA NOCTURNA DE LAS CALLES DE MADRID
Serenata de las calles de Madrid (en italiano, Musica notturna delle strade di Madrid) Op. 30 n.º 6 (G. 324), es un quintettino (quinteto) para instrumentos de cuerda compuesto alrededor de 1780 por Luigi Boccherini, compositor italiano al servicio de la Corte española desde 1761 hasta 1805. La obra describe las bulliciosas calles de la noche de Madrid.
El compositor italiano Luigi Boccherini fue contratado para la Corte española por el infante Luis de Borbón y Farnesio, hermano del rey Carlos III de España. Por haberse casado el infante con María Teresa de Vallabriga, el rey Carlos exilió a éste de la Corte de Madrid al palacio de Arenas de San Pedro, provincia de Ávila. Boccherini se unió al exilio como cortesano de Luis Antonio y tuvo mucho tiempo para la composición, donde completó más de un centenar de piezas.
La obra describe las bulliciosas calles de la noche de Madrid. Sobre la composición, el crítico Jaume Tortella, escribe:
Tomando su inspiración de escenas nocturnas de la calle de Madrid, que parece mirar con nostalgia a la alegría y el bullicio de la capital de España, recordando el sonido de las campanas de las iglesias de la ciudad en su llamada para la oración vespertina, los bailes populares que fueron el deleite de sus jóvenes y los mendigos ciegos tocando sus típicas viellas de rueda hasta que los soldados de la guarnición local dan el toque de Retreta de medianoche con su recogida en los cuarteles.
La pieza se hizo famosa en España durante la vida de Boccherini. Sus versiones más conocidas son los arreglos de la Ritirata (Retreta), el movimiento incorporado al quinteto de piano (G. 418) y el quinteto de guitarras (G. 453). Música nocturna de las calles de Madrid fue publicada años después de la muerte de Boccherini, porque le dijo a su editor: «La obra es absolutamente inútil, incluso ridícula, fuera de España, porque el público no puede esperar entender su significado, ni los artistas que la desempeñan cómo debe ser interpretada».
La Ritirata se hizo muy conocida desde el renacimiento del interés por la música de Luigi Boccherini a mediados del siglo XX. Luciano Berio la utilizó como base para una composición que superponía los cuatro arreglos que se conocen de la Ritirata, todos interpretados al mismo tiempo, yendo y viniendo de forma sincrónica y asincrónica.
A pesar de su carácter ligeramente humorístico, como los arreglos de canciones folk de Berio, su interpretación de la Ritirata es atractiva y accesible, reconociendo y ampliando la composición de Boccherini.@ClasicaAlAtardecer
#SerenataDeLasCallesDeMadrid #Boccherini #ManfredKraemer #PabloValentti #AngeloBartoletti #BrunoCocset #AntoineLadrete
MÚSICA NOCTURNA DE LAS CALLES DE MADRID
La obra está instrumentada para dos violines, una viola y dos violonchelos. Está compuesta en do mayor y tiene una duración aproximada de 13 minutos.
Música nocturna de las calles de Madrid está formada por estos movimientos:
🎵 I. Le campane de l’Ave Maria (La campana del Ave María): la iglesia principal llama a los fieles para la oración del Ave María.
🎵 II. Il tamburo dei Soldati (El tambor de los soldados).
🎵 III. Minuetto dei Ciechi (Minueto de los mendigos ciegos): Boccherini indicó a los violonchelistas que colocaran sus instrumentos sobre sus rodillas y los rasguearan como guitarras.
🎵 IV. Il Rosario (El Rosario): una sección lenta no interpretada en tiempo estricto.
🎵 V. Passacaglia (Pasacalle), conocido como Los Manolos, bocazas de clase baja; no es un pasacalle en realidad, sino que imita su canto. En España, el pasacalle denota «pasar a través de la calle», cantando como diversión.
🎵 VI. Il tamburo (El tambor).
🎵 VII. Ritirata (Retreta): retirada de los militares de las calles de Madrid de su vigilia nocturna; la Banda de Guerra avisa a la tropa para que se recoja por la noche en el cuartel.
La obra comienza con Las Campanas del Ave María (Le campane dell'Ave Maria) con el segundo violín, la viola y los dos violonchelos tocando en pizzicato los acordes que emulan la llamada de las campanas. Los cuatro instrumentos (el primer violín descansa) atacan lentamente los tres compases iguales con tres acordes en corcheas cada uno (los violonchelos se adornan con la acciaccatura previa a cada acorde).
Del comienzo de la obra se encarga un violín que emite repetidamente un “do” enérgico y alegre, características que nos acompañarán en casi todos los momentos de la obra, aunque como puede observarse, el violoncello canta de forma homofónica con el violín en un tempo más calmado poco después (en la tonalidad de Sol Mayor).
Al finalizar esta parte, vuelve un fragmento enérgico y alegre para dar paso un poco más adelante a la entrada de los pizzicati (consiste en “pellizcar” las cuerdas) que otorgan a la obra un carácter divertido. Es aquí donde el cello lleva la parte cantada, Suponemos que el motivo por el que el cello tiene más protagonismo en dicho instante, fue debido a que Boccherini era cellista y quiso hacer resaltar a este instrumento de algún modo.
La Ritirata la parte más matizada dentro del esquema más rígido. Es un marcha en 2/4 que va doblando sus diferentes fragmentos en los que la frase melódica se va repitiendo con variaciones y matices que hacen que, por ejemplo, el ritmo (con los golpes de arco imitación del tambor) vaya saltando por los violonchelos, la viola y el segundo violín, mientras que la melodía que mantenida por el primer violín se va viendo apoyada alternativamente por el resto de instrumentos. El conjunto transmite ese aire marcial del desfile militar.
@ClasicaAlAtardecer
MÚSICA NOCTURNA DE LAS CALLES DE MADRID
La obra está instrumentada para dos violines, una viola y dos violonchelos. Está compuesta en do mayor y tiene una duración aproximada de 13 minutos.
Música nocturna de las calles de Madrid está formada por estos movimientos:
🎵 I. Le campane de l’Ave Maria (La campana del Ave María): la iglesia principal llama a los fieles para la oración del Ave María.
🎵 II. Il tamburo dei Soldati (El tambor de los soldados).
🎵 III. Minuetto dei Ciechi (Minueto de los mendigos ciegos): Boccherini indicó a los violonchelistas que colocaran sus instrumentos sobre sus rodillas y los rasguearan como guitarras.
🎵 IV. Il Rosario (El Rosario): una sección lenta no interpretada en tiempo estricto.
🎵 V. Passacaglia (Pasacalle), conocido como Los Manolos, bocazas de clase baja; no es un pasacalle en realidad, sino que imita su canto. En España, el pasacalle denota «pasar a través de la calle», cantando como diversión.
🎵 VI. Il tamburo (El tambor).
🎵 VII. Ritirata (Retreta): retirada de los militares de las calles de Madrid de su vigilia nocturna; la Banda de Guerra avisa a la tropa para que se recoja por la noche en el cuartel.
La obra comienza con Las Campanas del Ave María (Le campane dell'Ave Maria) con el segundo violín, la viola y los dos violonchelos tocando en pizzicato los acordes que emulan la llamada de las campanas. Los cuatro instrumentos (el primer violín descansa) atacan lentamente los tres compases iguales con tres acordes en corcheas cada uno (los violonchelos se adornan con la acciaccatura previa a cada acorde).
Del comienzo de la obra se encarga un violín que emite repetidamente un “do” enérgico y alegre, características que nos acompañarán en casi todos los momentos de la obra, aunque como puede observarse, el violoncello canta de forma homofónica con el violín en un tempo más calmado poco después (en la tonalidad de Sol Mayor).
Al finalizar esta parte, vuelve un fragmento enérgico y alegre para dar paso un poco más adelante a la entrada de los pizzicati (consiste en “pellizcar” las cuerdas) que otorgan a la obra un carácter divertido. Es aquí donde el cello lleva la parte cantada, Suponemos que el motivo por el que el cello tiene más protagonismo en dicho instante, fue debido a que Boccherini era cellista y quiso hacer resaltar a este instrumento de algún modo.
La Ritirata la parte más matizada dentro del esquema más rígido. Es un marcha en 2/4 que va doblando sus diferentes fragmentos en los que la frase melódica se va repitiendo con variaciones y matices que hacen que, por ejemplo, el ritmo (con los golpes de arco imitación del tambor) vaya saltando por los violonchelos, la viola y el segundo violín, mientras que la melodía que mantenida por el primer violín se va viendo apoyada alternativamente por el resto de instrumentos. El conjunto transmite ese aire marcial del desfile militar.
Los ataques constantes sobre las notas interpretadas por los violines o los cellos, así como la viola, hacen que en todo momento el carácter de la obra sea el mismo. De esta forma Boccherini aunque nos deje momentos para la relajación, nos recuerda que esa sin embargo, no es la intención de su obra.@ClasicaAlAtardecer
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#SerenataDeLasCallesDeMadrid #Boccherini #ManfredKraemer #PabloValentti #AngeloBartoletti #BrunoCocset #AntoineLadrete
Título: Música nocturna de las calles de Madrid.
Autor: Luigi Boccherini
Movimientos:
🎵 I. Le campane de l’Ave Maria (La campana del Ave María): la iglesia principal llama a los fieles para la oración del Ave María.
🎵 II. Il tamburo dei Soldati (El tambor de los soldados).
🎵 III. Minuetto dei Ciechi (Minueto de los mendigos ciegos).
🎵 IV. Il Rosario (El Rosario): una sección lenta no interpretada en tiempo estricto.
🎵 V. Passacaglia (Pasacalle), conocido como Los Manolos.
🎵 VI. Il tamburo (El tambor).
🎵 VII. Ritirata (Retreta): retirada de los militares de las calles de Madrid de su vigilia nocturna.
Interpretación:
Manfred Kraemer - Violin I
Pablo Valentti - Violin II
Angelo Bartoletti - Viola
Bruno Cocset - Violoncello I
Antoine Ladrete - Violoncello II
Fuente: 🎼
@ClasicaAlAtardecer
Título: Música nocturna de las calles de Madrid.
Autor: Luigi Boccherini
Movimientos:
🎵 I. Le campane de l’Ave Maria (La campana del Ave María): la iglesia principal llama a los fieles para la oración del Ave María.
🎵 II. Il tamburo dei Soldati (El tambor de los soldados).
🎵 III. Minuetto dei Ciechi (Minueto de los mendigos ciegos).
🎵 IV. Il Rosario (El Rosario): una sección lenta no interpretada en tiempo estricto.
🎵 V. Passacaglia (Pasacalle), conocido como Los Manolos.
🎵 VI. Il tamburo (El tambor).
🎵 VII. Ritirata (Retreta): retirada de los militares de las calles de Madrid de su vigilia nocturna.
Interpretación:
Manfred Kraemer - Violin I
Pablo Valentti - Violin II
Angelo Bartoletti - Viola
Bruno Cocset - Violoncello I
Antoine Ladrete - Violoncello II
Fuente: 🎼
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#LasGymnopédies #ErikSatie
LAS GYMNOPÉDIES
Las Gymnopédies son tres obras para piano compuestas por Erik Satie y publicadas en París en 1888. Estas piezas junto a Trois sarabandes y las Gnossiennes suelen clasificarse como danzas. Un gran número de producciones cinematográficas, televisivas e incluso videojuegos han incluido alguna o varias gymnopédies dentro de su banda sonora. Asimismo diversos artistas musicales han hecho sus propias versiones y adaptaciones de estas obras.
Después de haber leído la novela histórica Salammbô de Gustave Flaubert, Satie tiene la idea de crear piezas para piano inspiradas en las danzas de la antigüedad griega.
Otra fuente de inspiración fue posiblemente la obra de J. P. Contamine de Latour (1867–1926), que escribió el poema Les Antiques que contenía estos versos:
"Oblique et coupant l'ombre un torrent éclatant
Ruisselait en flots d'or sur la dalle polie
Où les atomes d'ambre au feu se miroitant
Mêlaient leur sarabande à la gymnopédie"
"Oblicua y cortada la sombra de un torrente brillante
Fluía en ondas de oro sobre la losa pulida
Donde los átomos de chispeante fuego ámbar
Mezclaban su zarabande a la gymnopédie."
«Gymnopédie» no era una palabra que se usase con frecuencia en el siglo XIX en Francia, hasta el punto de haber podido ser percibida como un neologismo por muchos.
Las gymnopédies son las primeras composiciones con las que Erik Satie intentó soltarse del entorno convencional de su padre y su madrastra de "música de salón" del siglo XIX. En septiembre de 1887 Satie compuso tres sarabandas (Trois sarabandes), tomando una cita de La Perdition de Contamine a modo de introducción. Por aquel tiempo Satie conoció personalmente a Contamine. Satie aparentemente usó la palabra gymnopédiste (gimnopedista), antes de haber escrito una nota de sus célebres gymnopédies posteriores.
La anécdota en la que Satie se presentó como gimnopedista en diciembre de 1887 ocurrió de la siguiente manera: la primera vez que Satie visitó el cabaré Le Chat Noir le presentaron a su director, Rodolphe Salis, que era famoso por hacer comentarios afilados. Satie fue coaccionado para hablar de su profesión y a falta de ocupación profesional reconocible se presentó a sí mismo como gimnopedista, supuestamente en un intento de burlar al director.
@ClasicaAlAtardecer
LAS GYMNOPÉDIES
Las Gymnopédies son tres obras para piano compuestas por Erik Satie y publicadas en París en 1888. Estas piezas junto a Trois sarabandes y las Gnossiennes suelen clasificarse como danzas. Un gran número de producciones cinematográficas, televisivas e incluso videojuegos han incluido alguna o varias gymnopédies dentro de su banda sonora. Asimismo diversos artistas musicales han hecho sus propias versiones y adaptaciones de estas obras.
Después de haber leído la novela histórica Salammbô de Gustave Flaubert, Satie tiene la idea de crear piezas para piano inspiradas en las danzas de la antigüedad griega.
Otra fuente de inspiración fue posiblemente la obra de J. P. Contamine de Latour (1867–1926), que escribió el poema Les Antiques que contenía estos versos:
"Oblique et coupant l'ombre un torrent éclatant
Ruisselait en flots d'or sur la dalle polie
Où les atomes d'ambre au feu se miroitant
Mêlaient leur sarabande à la gymnopédie"
"Oblicua y cortada la sombra de un torrente brillante
Fluía en ondas de oro sobre la losa pulida
Donde los átomos de chispeante fuego ámbar
Mezclaban su zarabande a la gymnopédie."
«Gymnopédie» no era una palabra que se usase con frecuencia en el siglo XIX en Francia, hasta el punto de haber podido ser percibida como un neologismo por muchos.
Las gymnopédies son las primeras composiciones con las que Erik Satie intentó soltarse del entorno convencional de su padre y su madrastra de "música de salón" del siglo XIX. En septiembre de 1887 Satie compuso tres sarabandas (Trois sarabandes), tomando una cita de La Perdition de Contamine a modo de introducción. Por aquel tiempo Satie conoció personalmente a Contamine. Satie aparentemente usó la palabra gymnopédiste (gimnopedista), antes de haber escrito una nota de sus célebres gymnopédies posteriores.
La anécdota en la que Satie se presentó como gimnopedista en diciembre de 1887 ocurrió de la siguiente manera: la primera vez que Satie visitó el cabaré Le Chat Noir le presentaron a su director, Rodolphe Salis, que era famoso por hacer comentarios afilados. Satie fue coaccionado para hablar de su profesión y a falta de ocupación profesional reconocible se presentó a sí mismo como gimnopedista, supuestamente en un intento de burlar al director.
Las piezas fueron publicadas por primera vez por su padre Alfred Satie en 1888 en París, pero no conocieron una verdadera popularidad sino a partir de 1910 cuando la joven generación de compositores e intérpretes franceses de la época descubrieron su música.
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#LasGymnopédies #ErikSatie
LAS GYMNOPÉDIES
Aunque no se puede decir que se trate de tres movimientos de una sola obra, sí que es cierto que las tres piezas guardan una uniformidad estructural que justifica su nombre común:
🎵 Gymnopédie n.º 1: Lent et douloureux (lento y doloroso).
🎵 Gymnopédie n.º 2: Lent et triste (lento y triste).
🎵 Gymnopédie n.º 3: Lent et grave (lento y grave).
Las gymnopédies son unas piezas breves y atmosféricas que están escritas en compás de 3/4. Cada una de ellas presenta un tema y una estructura similar. Se trata de obras ligeras pero atípicas que desafían deliberadamente numerosas reglas de la música clásica y la contemporánea. Este rechazo desvergonzado por las convenciones es sin embargo poco perceptible para el oyente ya que la música es llevada por una fuerte carga emocional y la elegancia de la narración. Por ejemplo, los primeros compases de la Gymnopédie n.º 1 consisten en una progresión alternante de dos acordes mayores con séptima; el primero en la subdominante que es sol y el segundo sobre la tónica que es re. Las melodías de las piezas usan deliberadas aunque suaves disonancias contra la armonía. De esa manera producen un efecto picante y melancólico que encaja con las indicaciones de interpretación, que son respectivamente para tocar cada pieza "dolorosamente", "tristemente" o "gravemente".
A partir de la segunda mitad del siglo XX las gymnopédies han sido a menudo descritas erróneamente como parte de la música de mobiliario (musique d’ameublement) de Satie. Este término fue creado por el propio Satie en 1917 para definir algunas de sus obras, significando que podían realmente encajar como fondo sonoro. Pero en ningún momento llegó el compositor a aplicarlo a las gymnopédies. Probablemente este error se fundamenta en las interpretaciones musicales que hizo John Cage de estas obras.
En conjunto, las gymnopédies a veces son consideradas como precursoras del género musical conocido como ambient. De hecho, el emblemático pionero de este movimiento musical, Brian Eno, citó a Satie como una de sus mayores influencias.
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LAS GYMNOPÉDIES
Aunque no se puede decir que se trate de tres movimientos de una sola obra, sí que es cierto que las tres piezas guardan una uniformidad estructural que justifica su nombre común:
🎵 Gymnopédie n.º 1: Lent et douloureux (lento y doloroso).
🎵 Gymnopédie n.º 2: Lent et triste (lento y triste).
🎵 Gymnopédie n.º 3: Lent et grave (lento y grave).
Las gymnopédies son unas piezas breves y atmosféricas que están escritas en compás de 3/4. Cada una de ellas presenta un tema y una estructura similar. Se trata de obras ligeras pero atípicas que desafían deliberadamente numerosas reglas de la música clásica y la contemporánea. Este rechazo desvergonzado por las convenciones es sin embargo poco perceptible para el oyente ya que la música es llevada por una fuerte carga emocional y la elegancia de la narración. Por ejemplo, los primeros compases de la Gymnopédie n.º 1 consisten en una progresión alternante de dos acordes mayores con séptima; el primero en la subdominante que es sol y el segundo sobre la tónica que es re. Las melodías de las piezas usan deliberadas aunque suaves disonancias contra la armonía. De esa manera producen un efecto picante y melancólico que encaja con las indicaciones de interpretación, que son respectivamente para tocar cada pieza "dolorosamente", "tristemente" o "gravemente".
A partir de la segunda mitad del siglo XX las gymnopédies han sido a menudo descritas erróneamente como parte de la música de mobiliario (musique d’ameublement) de Satie. Este término fue creado por el propio Satie en 1917 para definir algunas de sus obras, significando que podían realmente encajar como fondo sonoro. Pero en ningún momento llegó el compositor a aplicarlo a las gymnopédies. Probablemente este error se fundamenta en las interpretaciones musicales que hizo John Cage de estas obras.
En conjunto, las gymnopédies a veces son consideradas como precursoras del género musical conocido como ambient. De hecho, el emblemático pionero de este movimiento musical, Brian Eno, citó a Satie como una de sus mayores influencias.
Las Gymnopédies, sin embargo, sí que reúnen varias de las principales características de la música impresionista, aunque adaptadas al solo de piano, con lo que la melodía se desgrana en notas sueltas que, como pinceladas aisladas, acaban creando un efecto emocional general.
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#LasGymnopédies #ErikSatie
Título: Las Gymnopédies
Autor: Erik Satie
Movimientos:
🎵 Gymnopédie n.º 1: Lent et douloureux (lento y doloroso).
🎵 Gymnopédie n.º 2: Lent et triste (lento y triste).
🎵 Gymnopédie n.º 3: Lent et grave (lento y grave).
Fuente: 🎼
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Título: Las Gymnopédies
Autor: Erik Satie
Movimientos:
🎵 Gymnopédie n.º 1: Lent et douloureux (lento y doloroso).
🎵 Gymnopédie n.º 2: Lent et triste (lento y triste).
🎵 Gymnopédie n.º 3: Lent et grave (lento y grave).
Fuente: 🎼
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#Gloria #Vivaldi #HidemiSuzuki
GLORIA RV 589
Antonio Vivaldi compuso varios Gloria, un tipo de obra religiosa. La que está catalogada como de RV 589 es la más conocida y popular de la música sacra de Vivaldi, pero se sabe que al menos escribió dos Glorias más. Además de la mencionada RV 589, ha llegado a nosotros la RV 588 y hay otra que se ha perdido (RV 590), que sólo se menciona en el catálogo Kreuzherren. El RV 589 fue compuesto hacia 1713 y el RV 588 hacia 1717.
El repertorio coral de Vivaldi fue descubierto a principios del siglo XX. _A_ Alfredo Casella se le atribuye el estreno del Gloria RV 589, en 1939, tras más de 200 años (1713), desde que fuera escrito.
El Gloria RV 589, en re mayor, tiene una duración aproximada de un poco más de media hora y se compone de once o doce movimientos (dependiendo de si el cuarto y el quinto son contados como uno o son contados como un pasaje solamente).
🎵I. Gloria en excelsis Deo (Coro) Gloria, gloria, a Dios en lo más alto.
🎵II. Et en terra pax (Coro) y en la tierra paz y buena voluntad a los hombres.
🎵III. Laudamus te (Sopranos) Te alabamos, te bendecimos. Te adoramos, te glorificamos.
🎵IV. Gratias agimus tibi (Coro) Te damos gracias.
🎵V. Propter magnam gloriam (Coro) por tu gran gloria.
🎵VI. Domine Deus (Soprano) Señor Dios, Rey del cielo, Dios Padre Todopoderoso.
🎵VII. Domine, Fili unigenite (Coro) Señor, el hijo unigénito, Jesucristo.
🎵VIII. Domine Deus, Agnus Dei (Contralto) y coro Señor Dios, Cordero de Dios, Hijo del Padre. Quien quita los pecados del mundo Ten piedad de nosotros.
🎵IX. Qui tollis peccata mundi (Coro) que quita los pecados del mundo Recibe nuestra súplica.
🎵X. Qui sedes ad dexteram Patris (Contralto) Quien está sentado a la diestra del Padre, ten piedad de nosotros.
🎵XI. Quoniam tu solus sanctus (Coro) Porque solo tú eres santo, solo Tú eres el Señor, solo tú eres el más elevado Jesucristo.
🎵XII. Cum Sancto Spiritu (Coro) Con el Espíritu Santo, En la gloria de Dios el Padre, Amén.
Al componer, Vivaldi fragmentó el texto oratorio del Gloria en 11 secciones, cada una de las cuales tiene un ambiente musical propio, por lo cual, si se quiere, puede interpretarse aisladamente una sola pieza.
Todas las partes vocales, desde los dos solistas de soprano y alto hasta el tenor y el bajo, fueron escritos originalmente para voces de mujeres, ya que no se permitía a hombres en el Pio Ospedale della Pietà, exclusivamente femenino (Vivaldi y el resto del personal masculino eran , por supuesto, miembros del sacerdocio); de vez en cuando la parte del bajo se mueve tan bajo que incluso los bajos femeninos notables de la Pietà deben haber tenido que transponer una octava. Solo dos instrumentos de viento -un oboe y una trompeta- se agregan al habitual contingente barroco de cuerdas, y el bajo continuo probablemente se habría reproducido por órgano.
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GLORIA RV 589
Antonio Vivaldi compuso varios Gloria, un tipo de obra religiosa. La que está catalogada como de RV 589 es la más conocida y popular de la música sacra de Vivaldi, pero se sabe que al menos escribió dos Glorias más. Además de la mencionada RV 589, ha llegado a nosotros la RV 588 y hay otra que se ha perdido (RV 590), que sólo se menciona en el catálogo Kreuzherren. El RV 589 fue compuesto hacia 1713 y el RV 588 hacia 1717.
El repertorio coral de Vivaldi fue descubierto a principios del siglo XX. _A_ Alfredo Casella se le atribuye el estreno del Gloria RV 589, en 1939, tras más de 200 años (1713), desde que fuera escrito.
El Gloria RV 589, en re mayor, tiene una duración aproximada de un poco más de media hora y se compone de once o doce movimientos (dependiendo de si el cuarto y el quinto son contados como uno o son contados como un pasaje solamente).
🎵I. Gloria en excelsis Deo (Coro) Gloria, gloria, a Dios en lo más alto.
🎵II. Et en terra pax (Coro) y en la tierra paz y buena voluntad a los hombres.
🎵III. Laudamus te (Sopranos) Te alabamos, te bendecimos. Te adoramos, te glorificamos.
🎵IV. Gratias agimus tibi (Coro) Te damos gracias.
🎵V. Propter magnam gloriam (Coro) por tu gran gloria.
🎵VI. Domine Deus (Soprano) Señor Dios, Rey del cielo, Dios Padre Todopoderoso.
🎵VII. Domine, Fili unigenite (Coro) Señor, el hijo unigénito, Jesucristo.
🎵VIII. Domine Deus, Agnus Dei (Contralto) y coro Señor Dios, Cordero de Dios, Hijo del Padre. Quien quita los pecados del mundo Ten piedad de nosotros.
🎵IX. Qui tollis peccata mundi (Coro) que quita los pecados del mundo Recibe nuestra súplica.
🎵X. Qui sedes ad dexteram Patris (Contralto) Quien está sentado a la diestra del Padre, ten piedad de nosotros.
🎵XI. Quoniam tu solus sanctus (Coro) Porque solo tú eres santo, solo Tú eres el Señor, solo tú eres el más elevado Jesucristo.
🎵XII. Cum Sancto Spiritu (Coro) Con el Espíritu Santo, En la gloria de Dios el Padre, Amén.
Al componer, Vivaldi fragmentó el texto oratorio del Gloria en 11 secciones, cada una de las cuales tiene un ambiente musical propio, por lo cual, si se quiere, puede interpretarse aisladamente una sola pieza.
Todas las partes vocales, desde los dos solistas de soprano y alto hasta el tenor y el bajo, fueron escritos originalmente para voces de mujeres, ya que no se permitía a hombres en el Pio Ospedale della Pietà, exclusivamente femenino (Vivaldi y el resto del personal masculino eran , por supuesto, miembros del sacerdocio); de vez en cuando la parte del bajo se mueve tan bajo que incluso los bajos femeninos notables de la Pietà deben haber tenido que transponer una octava. Solo dos instrumentos de viento -un oboe y una trompeta- se agregan al habitual contingente barroco de cuerdas, y el bajo continuo probablemente se habría reproducido por órgano.
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#Gloria #Vivaldi #HidemiSuzuki
Titulo: Gloria RV 589
Autor: Antonio Vivaldi
Movimientos:
🎵I. Gloria en excelsis Deo
🎵II. Et en terra pax
🎵III. Laudamus te
🎵IV. Gratias agimus tibi
🎵V. Propter magnam gloriam
🎵VI. Domine Deus
🎵VII. Domine, Fili unigenite
🎵VIII. Domine Deus, Agnus Dei
🎵IX. Qui tollis peccata mundi
🎵X. Qui sedes ad dexteram Patris
🎵XI. Quoniam tu solus sanctus
🎵XII. Cum Sancto Spiritu
Interpretación:
Conjunto barroco croata y solistas de la Orquesta Libera Classica (Japón)
El Coro Ángelus
Midori Suzuki - Soprano
Netsuko Someya - Soprano
Sumihito Uesugi - Contratenor
Director:
Hidemi Suzuki
Fuente: 🎼
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Titulo: Gloria RV 589
Autor: Antonio Vivaldi
Movimientos:
🎵I. Gloria en excelsis Deo
🎵II. Et en terra pax
🎵III. Laudamus te
🎵IV. Gratias agimus tibi
🎵V. Propter magnam gloriam
🎵VI. Domine Deus
🎵VII. Domine, Fili unigenite
🎵VIII. Domine Deus, Agnus Dei
🎵IX. Qui tollis peccata mundi
🎵X. Qui sedes ad dexteram Patris
🎵XI. Quoniam tu solus sanctus
🎵XII. Cum Sancto Spiritu
Interpretación:
Conjunto barroco croata y solistas de la Orquesta Libera Classica (Japón)
El Coro Ángelus
Midori Suzuki - Soprano
Netsuko Someya - Soprano
Sumihito Uesugi - Contratenor
Director:
Hidemi Suzuki
Fuente: 🎼
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#LeJardinClos #GabrielFauré #EllyAmeling #DaltonBaldwin
LE JARDIN CLOS , OP . 106
Le jardin clos, Op. 106, es un ciclo de canciones de Gabriel Fauré, de ocho mélodies para voz y piano. Se basa en ocho poemas de la colección Entrevisions por Charles van Lerberghe.
Fauré compuso el ciclo en 1914, comenzando en Alemania y continuando en Suiza y Francia después de que huyó de Alemania en el estallido de la Primera Guerra Mundial.
Le jardin clos tuvo su estreno en los Conciertos Casella el 28 de enero de 1915, cantada por Claire Croiza. El pianista fue el mismo Fauré.
El ciclo de canciones fue publicado por Durand en mayo de 1915. Fauré dio a las canciones dedicatorias individuales; "Dans la nymphée" estuvo dedicado a Croiza.
Esta pieza se presenta en 8 melodías:
🎵 I. "Exaucement"
🎵 II. "Quand tu plonges dans tes yeux mes yeux"
🎵 III. "La messagère"
🎵 IV. "Je me poserai sur ton coeur"
🎵 V. "Dans la nymphée"
🎵 VI. "Dans la pénombre"
🎵 VII. "Il cher m'est, amour, le cinta para el pelo"
🎵 VIII. "Inscripción sur le sable"
La primera melodía del ciclo, "Exaucement", crea una red de significado a través del equívoco. En el poema, por ejemplo, los labios son palabras de oración y expresión de amor carnal. Y es difícil determinar exactamente cuándo tiene lugar el paso de una dirección a otra. Podemos decir que el poema cultiva la homogeneidad no por la unicidad del significado, sino por la yuxtaposición continua de los diversos significados.
Musicalmente, Fauré también procede por yuxtaposición. El telón de fondo sobre el que se desarrollará el discurso armónico es relativamente homogéneo: se enuncian patrones neutros que se mantienen hasta el final, aunque se modifican de forma muy paulatina.
Además, las ambigüedades armónicas causadas por notas extranjeras, los cambios entre voces y secuencias imprevistas contribuyen a la sensación de uniformidad. Estos elementos superficiales favorecen las condiciones que permitirán la coexistencia de diferentes niveles armónicos y contrapuntísticos.
Faure no abandonó completamente las progresiones armónicas tradicionales. Más bien, combinó lo viejo y lo nuevo para crear su estilo personal.
Tanto la ambigüedad armónica como el uso de la novela terciana las estructuras se vuelven más pronunciadas con el aumento de la austeridad visto en las obras posteriores de Faure.
A medida que los detalles ornamentales se vuelven más raro, la importancia de las notas individuales y los acordes aumenta. Estos no se reiteran continuamente como sería común en más piezas tradicionales.
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LE JARDIN CLOS , OP . 106
Le jardin clos, Op. 106, es un ciclo de canciones de Gabriel Fauré, de ocho mélodies para voz y piano. Se basa en ocho poemas de la colección Entrevisions por Charles van Lerberghe.
Fauré compuso el ciclo en 1914, comenzando en Alemania y continuando en Suiza y Francia después de que huyó de Alemania en el estallido de la Primera Guerra Mundial.
Le jardin clos tuvo su estreno en los Conciertos Casella el 28 de enero de 1915, cantada por Claire Croiza. El pianista fue el mismo Fauré.
El ciclo de canciones fue publicado por Durand en mayo de 1915. Fauré dio a las canciones dedicatorias individuales; "Dans la nymphée" estuvo dedicado a Croiza.
Esta pieza se presenta en 8 melodías:
🎵 I. "Exaucement"
🎵 II. "Quand tu plonges dans tes yeux mes yeux"
🎵 III. "La messagère"
🎵 IV. "Je me poserai sur ton coeur"
🎵 V. "Dans la nymphée"
🎵 VI. "Dans la pénombre"
🎵 VII. "Il cher m'est, amour, le cinta para el pelo"
🎵 VIII. "Inscripción sur le sable"
La primera melodía del ciclo, "Exaucement", crea una red de significado a través del equívoco. En el poema, por ejemplo, los labios son palabras de oración y expresión de amor carnal. Y es difícil determinar exactamente cuándo tiene lugar el paso de una dirección a otra. Podemos decir que el poema cultiva la homogeneidad no por la unicidad del significado, sino por la yuxtaposición continua de los diversos significados.
Musicalmente, Fauré también procede por yuxtaposición. El telón de fondo sobre el que se desarrollará el discurso armónico es relativamente homogéneo: se enuncian patrones neutros que se mantienen hasta el final, aunque se modifican de forma muy paulatina.
Además, las ambigüedades armónicas causadas por notas extranjeras, los cambios entre voces y secuencias imprevistas contribuyen a la sensación de uniformidad. Estos elementos superficiales favorecen las condiciones que permitirán la coexistencia de diferentes niveles armónicos y contrapuntísticos.
Faure no abandonó completamente las progresiones armónicas tradicionales. Más bien, combinó lo viejo y lo nuevo para crear su estilo personal.
Tanto la ambigüedad armónica como el uso de la novela terciana las estructuras se vuelven más pronunciadas con el aumento de la austeridad visto en las obras posteriores de Faure.
A medida que los detalles ornamentales se vuelven más raro, la importancia de las notas individuales y los acordes aumenta. Estos no se reiteran continuamente como sería común en más piezas tradicionales.
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